Peregrinaje épico

Y nos vamos a tumblr

2011-08-29T21:52:00.004-03:00

Bueno, no es ninguna novedad que me cuesta una enormidad actualizar este blog. Lo que sí es nuevo es que desde hace unos meses que tengo una cuenta en tumblr y me ha gustado: es dinámico y requiere poco tiempo. Además, me gusta los rasgos de interacción con otros tumblrs similares (vía reblog, ask o simplemente follow).

Como aquí no puedo mantener una periodicidad de posteo adecuada, he decidido que Epicus sea mi sitio oficial para todo lo vinculado a fantasía e historia antigua, lo cual era el objetivo inicial de este blog.
Queda pendiente lo que haré en definitiva con las reseñas de música y las respectivas listas de discos, aunque con toda seguridad partiré un blog dedicado únicamente a reseñas. Así no mezclo peras con manzanas.

Por el momento el blog seguirá abierto, aunque tarde o temprano la peregrinación se trasladará definitivamente a Epicus.

Arte conceptual de Fire & Ice

2011-08-22T23:41:00.004-03:00

Hace ya un buen tiempo comentaba acerca del inminente remake de la grandiosa Fire & Ice. Pues bien, dicho proyecto ha dado nuevas señales de vida al revelarse tres imágenes del arte conceptual hechas por el magnífico Justin Sweet.
El mismo Sweet comentó acerca de su trabajo de rediseñar lo hecho por el maestro Frazetta y señaló lo difícil que fue "eliminarse" de lo que estaba haciendo. Yo veo las imágenes y si bien es difícil no pensar en su original, se nota mucho que fue Sweet -artista al que sigo desde que jugué al Icewind Dale- quien puso los lápices en esta reinterpretación.

Las imágenes en cuestión:

Scheepers - Scheepers

2011-04-10T16:48:00.007-03:00

Scheepers - Scheepers
País: Alemania
Año: 2011
Estilo: Heavy/Power metal
Valoración: 3 de 5 (bueno)

Tras una extensa carrera musical donde destacan principalmente su paso por Gamma ray y su excelente trabajo en Primal fear, ya era hora de que el germano Ralf Scheepers se atreviera con un disco solista. En esta aventura lo acompañan, entre otros, los geniales Matt Sinner y Magnus Karlsson, así como algunos invitados de lujo como Ripper Owens y el legendario Kai Hansen.
El disco en sí no parece ir más allá de lo ya explorado en Primal fear y la sensación global es estar ante otro álbum de dicha banda, y he ahí el único gran "pero" que tengo con este trabajo: su falta de ambición. Bien pocas sorpresas depara su escucha, pues Scheepers no se arriesga demasiado y repite las viejas fórmulas que hasta el día de hoy le han funcionado.
De todos modos, y como punto a favor, no puedo negar que el disco en general suena bien, tiene temas poderosos como Locked in the dungeon o Play with fire que ya justifican su compra y, a la larga, sí encontramos algunas joyitas que elevan el trabajo por sobre la media: en concreto, el dueto con Ripper Owens en Remission of sin (hay mucho morbo en este tema, bien sabemos que Ralf quizo reemplazar a Halford en Judas priest, puesto que finalmente ocupó Owens), la simpática balada Compassion y The pain of the accused donde Scheepers logra una interpretación realmente memorable.
En resumen, y salvo los matices ya mencionados, el primer disco solista de Ralf Scheepers es más de lo mismo, pero ello no impide que sea bueno al fin y al cabo e ingrese, de momento, entre mis preferencias para lo que va de año.

La peste negra

2011-03-21T12:26:00.011-03:00

La peste bubónica ha llegado a Inglaterra y asola sus aldeas y poblados, es un flagelo del que nadie puede escapar. Diezmados, los británicos ven en ella un acto divino y, en una época de profunda sensibilidad religiosa, esta interpretación de la enfermedad puede resultar peligrosa.
En ese contexto, Ulric (Sean Bean) y su grupo son enviados por la Iglesia a una aldea lejana a la cual se dice que no ha llegado la peste gracias a un pacto demoníaco de sus habitantes. Para llegar a tal lugar son guiados por un joven monje que conoce la zona y que duda entre su amor a una mujer y su devoción a dios.
Esa es la premisa y debo decir que solo con ver a Sean Bean interpretando -una vez más- a un guerrero con espada y armadura ya valía la pena verla. Sin embargo, debo reconocer que, al igual que con Valhalla rising, la cinta me ha sorprendido totalmente. Esperaba ver acción sin sentido, armaduras sucias y espadas desenvainadas, todo ello con la historia bien al fondo, escondida, sólo un pretexto para la danza de espadas. Sin embargo, lo que encontré fue todo lo contrario: una película fría, dura y poco efectista. La acción pasa al segundo plano, tanto que la única escena de verdadera pelea parece un poco forzada.
Black death discurre sobre la idea algo manida de que el fanatismo religioso y el odio son una mezcla de la que difícilmente puede resultar algo bueno. La aldea a la que llegan se encuentra efectivamente libre de todo mal, y aún así Ulric no deja de buscar la influencia demoníaca en sus habitantes. Del mismo modo, la líder de la comunidad parece cegada por su resentimiento hacia los cristianos y no es capaz de usar sus habilidades de manera constructiva y ayudar a más personas. Y de ese modo, cuando todos los partícipes del drama son incapaces de obviar sus prejuicios y obsesiones, el amargo desenlace parece inevitable.
Dicho esto, Black death desde un principio parece destinada a tener un mal final. Ni cristianos ni ateos tienen la capacidad de entenderse mutuamente. Todas las clases de miedo (a Dios, a la peste, a lo distinto) se les interponen. La película recrea una imagen de la época que no parece muy alejada del ambiente de horror que debió vivir Europa en aquellos años en que la peste eliminó a un tercio de su población. En definitiva, se trata de una cinta pesimista para una época caracterizada por el miedo, pero al mismo tiempo cautivante para estos días de cine efectista y coreográfico.

Nota cinéfila aparte: no pude no fijarme en el tremendo parecido que tenía el guerrero mudo, uno de los integrantes del grupo de Ulric, al legendario Klaus Kinski. Su semejanza con el intérprete de Aguirre es un detalle interesante y casi parece intencional dada la leve similitud que tiene dicha película con Black death, al menos en lo que se refiere a la atmósfera fatalista de ambas películas.

Primer trailer de Juego de Tronos

2011-03-06T18:02:00.002-03:00

Cada vez queda menos.

Dirty job (1972)

2011-03-03T23:39:00.011-03:00

Tras muchas semanas sin computador, por fin puedo retomar el blog con esta breve -pero potente- historia de cuatro páginas firmada por Bob Haney en los guiones y Alex Toth en la parte gráfica, aparecida originalmente en el número de febrero de 1972 de Our army at war.

Página 1:

Las páginas 2,3 y 4 van en spoiler (hacer click para verlas).

Los mejores discos del 2010

2010-12-31T02:35:00.003-03:00

Culmina este 2010, año que debe ser uno de los más dolorosos para la comunidad metalera en general. La cotidianeidad de la muerte nos insensibiliza cuando ésta se produce, pero cuando quien parte es una leyenda, uno de los más grandes del metal, pues ahí uno siente inevitablemente que algo le falta a este mundo.
En lo personal, enterarme del deceso de Ronnie James Dio el mismo día de mi cumpleaños, hizo de éste uno bastante especial, no parecía apropiado celebrar en esas condiciones. En ese sentido, agradezco a Ripper Owens haber interpretado Children of the sea cuando visitó Valparaíso hace unas semanas, pues sólo en ese momento, mientras la cantaba a todo pulmón, sentí que estaba despidiéndolo como correspondía.
Creo que todos perdimos a un amigo ese 16 de mayo, pero al menos tengo la tranquilidad de que pude decirle adiós a mi manera. Dicho esto: descansa en paz, Dio.

Y ahora sí, un breve repaso a lo mejor del 2010 en opinión de quien suscribe:

10. Rotting Christ - Aealo
Ya me referí hace unos meses a este tremendo disco y más que agregar algo nuevo, al incorporarlo a mi listado final simplemente ratifico lo ya dicho: un álbum brutal y épico que no puede faltar en ninguna colección.
Valoración: 4 de 5

9. Agalloch - Marrow of the spirit
Después del White EP de 2008, trabajo que con el paso del tiempo se ha convertido en uno de mis discos favoritos de neofolk, Agalloch cambia el switch y nos brinda un álbum en el cual claramente han apostado por un sonido más crudo y blackero. Quizás le falte algo para alcanzar a sus otras producciones, de hecho algunos pasajes del disco me parecen un poco simplones, pero ello no es óbice para calificar a este disco como una de las piezas más sólidas del 2010.
Valoración: 4 de 5

8. Deathspell Omega - Paracletus
Admito que no soy un gran seguidor del black metal tradicional y la temática satánica hace rato que me parece trillada y poco llamativa. Sin embargo, no puedo evitar doblegarme ante este monumento al satanismo más maduro y provocador, pues independiente de las divergencias filosóficas que pueda tener con esta música, la fría y calculada maldad de Paracletus no puede ser ignorada.
Valoración: 4 de 5

7. Mar de grises - Stream inwards
Nuevo disco de la banda de doom metal chilena más reconocida del último tiempo. Stream inwards se mantiene dentro de los derroteros del doom melódico, aunque parece que poco le queda a la agrupación para explorar dentro de este género y si ya en Draining the waterheart los toques de ambient le agregaban una nueva dimensión a su música, en Stream inwards somos testigos de cómo incorporan algo de noise a su sonido, escapando de la clásica fórmula del doom death melódico de toda la vida.
Valoración: 4 de 5

6. October falls - A collapse of faith
Otro disco del cual ya hablé hace poco, por lo que tampoco me extenderé mucho. Solo basta reiterar la invitación a escuchar este trabajo, uno de los más desoladores que vieron la luz dentro del año.
Valoración: 4 de 5

5. Negură bunget - Vîrstele Pămîntului
El sucesor del grandioso Om es una de esas placas que te abrazan y te quitan el aliento desde su primer segundo y hasta el momento final. La atmósfera exquisita que crea la banda rumana es hipnotizante y temas como Dacia Hiperboreanã son de una fuerza tal que es imposible no sentirse sobrecogido frente a esta obra.
Valoración: 4,5 de 5

4. Kvelertak - Kvelertak
Esto sí que fue una sorpresa. Estos noruegos totalmente desconocidos se presentaron ante el mundo con un asalto de puro y frenético black n' roll. Pasan los meses y temas como Bloodtorst u Offernatt siguen inyectando la misma dosis de cruda energía. Banda revelación del año.
Valoración: 4,5 de 5

3. Enslaved - Axioma Ethica Odini
Excelente trabajo de estos veteranos noruegos. Es siempre un placer descubrir un disco tan sólido y casi sin fallos. Partiendo por la épica e inspiradora Ethica Odini, todo lo que encierra esta placa es simplemente majestuoso. Decir más es gastar palabras, simplemente escúchenlo y maravíllense.
Valoración: 4,5 de 5

2. Helloween - 7 sinners
Helloween regresó tras ese incomprendido disco que fue Unarmed y lo hizo con un álbum que califica como su mejor trabajo en años y que confirma el sonido pesado ya insinuado en Gambling with the devil. 7 sinners es, por mucho, el mejor disco de power metal del año y un golpe en la cara de aquellos, como yo, que creen que el género se encuentra totalmente agotado.
Valoración: 4,5 de 5

1. Solefald - Norrøn Livskunst
Qué puedo decir de este disco: que es lo más original del año, que con cada escucha se vuelve más y más atrapante y que muy probablemente termine dándole la máxima calificación una vez termine de digerir todos sus temas. La variedad musical que recorre la placa puede ser desconcertante para algunos, pero por lo menos para aquellos que nos gusta escuchar algo distinto, Norrøn livskunst es una delicia en todo sentido. Desde el viking metal de Waves over Valhalla, a la sicótica Tittentattenteksti, pasando por la blackanrolera Stridsljod / Blackabilly o los toques jazzeros de Eukalyptustreet, todo en este álbum irradia una originalidad y una voluntad creativa desbordantes. Disco del año.
Valoración: 4,75 de 5

Menciones honrosas (en negrita los que suben de nota en cualquier momento):
Alcest - Ècailles de lune. 3,5 de 5
Angra - Aqua. 3,5 de 5
Ataraxia - Llyr. 4 de 5
Blood axis - Born again. 3,5 de 5
Burzum - Belus. 3,5 de 5
Catharsis - Светлый Альбом (Impronunciable disco de power metal). 3,5 de 5
Der arbeiter - Holzwege. 3,5 de 5
Firewind - Days of defiance. 3,5 de 5
Gallowbraid - Ashen eidolon. 4 de 5
Grand magus - Hammer of the north. 3,5 de 5
Jørn - Dio. Disco tributo, sin nota.
Les Discrets - Septembre et ses dernières pensées. 3,5 de 5
Masterplan - Time to be king. 3,5 de 5
Sig Ar Tyr - Godsaga. 3,5 de 5
The flight of Sleipnir - Lore. 3,5 de 5
V.A. - Whom the moon a nightsong sings. Compilado de dark folk, sin nota.
Winterfylleth - The mercian sphere. 3,5 de 5

Mayor decepción:
Virgin Steele - The Black Light Bacchanalia. Por respeto al pasado de esta banda no lo quise reseñar en su momento, pero no puedo evitar quejarme del mal camino que DeFeis está adoptando en su forma de componer (temas alargados innecesariamente, tanto que terminan aburriendo) así como en su interpretación (exceso de susurros y gemidos, ya casi no queda nada del poderoso "León" DeFeis de antaño). El resultado es un disco pretencioso, aburrido por la absurda extensión de sus temas y que cuenta con los dedos los momentos de verdadero heavy/power metal que alguna vez tan bien realizó esta banda.
Una pena, pero al menos nos siguen quedando sus trabajos de los noventas.

Luces de linternas rotas

2010-12-12T15:47:00.005-03:00

Luces de linternas rotas
pueden brillar sobre olvidados rostros,
hacer moverse como antorchas al viento
la sombra de potrillos muertos,
guiar la ciega marcha de las nuevas raíces.

Una débil columna de humo a mediodía
puede durar más que las noches de mil años,
la luz de una linterna rota
ha brillado más que el sol en el oeste.

Una mano sobre las aguas
encuentra las mañanas que perdimos.
En las pupilas de un niño
de nuevo se dibujarán los pescadores
devorados por las viejas mareas.

Alguien escuchará nuestros pasos
cuando nuestros pies sean terrones deformes;
alguien soñará con nosotros
cuando seamos menos que un sueño,
y en el agua donde pusimos nuestras manos
siempre habrá una mano
descubriendo las mañanas que perdimos.

Jorge Teillier,
El cielo cae con las hojas, 1958.

October falls - A collapse of faith

2010-12-05T03:09:00.013-03:00

October falls - A collapse of faith
País: Finlandia
Año: 2010
Estilo: Black Metal
Valoración: 4 de 5 (excelente)

Luego de un par de producciones netamente acústicas, Mikko Lehto vuelve a canalizar su inspiración musical a través de un sonido más áspero y agresivo en este trabajo que ingresa directo en el panteón de lo mejor del año.
A collapse of faith es un rugido de cuarenta minutos, un grito desgarrado que avanza inexorablemente y que abrasa con la furia primitiva de la naturaleza. Si recurro a la imagen para describirlo es porque A collapse... es un disco excepcionalmente potente en cuanto a su contenido, sus letras nos hablan del final de todo, de la naturaleza engullendo la existencia.
De los tres temas que componen este trabajo, los dos primeros están unidos de tal modo que perfectamente podrían haber sido fundidos en un solo ente, una sola narración. En efecto, ambas composiciones nos describen este colapso de la fe, y lo hacen sin prisa, pero con una fuerza inusitada, tomando prestados elementos de otras bandas que transitan por estos senderos musicales como Drudkh o los primeros Ulver, pero definiendo un sonido propio sin virtuosismo, aunque cargado de pasión.
Evidentemente, A collapse... es un disco apocalíptico. No encontramos aquí la íntima misantropía de bandas como Wolves in the throne room, pues aunque las semejanzas musicales y conceptuales son inevitables, lo que difiere es el enfoque, ya que Lehto en vez de reflexionar sobre el hombre y la naturaleza, parece más bien un mensajero de acontecimientos futuros e inevitables. Sin embargo, también entiende que la destrucción no es gratuita, sino que tiene un sentido ulterior, esto es, el inicio de una nueva etapa, una nueva creación. Es por ello que el último tema se encarga de cerrar el capítulo del fin y anunciar un mañana para este mundo ya purificado:

And at the last stand, torn and scarred
But with pride inside, strenght to bleed
And to write the upcoming history

Wounds for the future
Graves for the past
Blood to shed in order
For tomorrow to last.

Qué mejor epílogo: un futuro construido a partir del sacrificio y esta vez sin espacio para la falsedad.

Se acerca el invierno

2010-11-29T09:43:00.003-03:00

Clip Preview

Y espero que llegue pronto.

Masterplan - Time to be king

2010-11-25T19:22:00.012-03:00

Masterplan - Time to be king
País: Alemania
Año: 2010
Estilo: Power metal
Sitio oficial
Valoración: 3,5 de 5 (muy bueno)

Por fin, tras un largo silencio de tres años, vuelve Masterplan y lo hace con una gran novedad: Jorn Lande está de regreso y al parecer las diferencias musicales con Grapow han quedado zanjadas en un punto medio entre el más clásico power alemán y ese sonido más orientado al hard rock que tanto acomoda al noruego.
El resultado es un disco mucho menos directo que su debut hómonimo de 2003, pero en esa transición hacia un sonido un poco más pausado (necesario para que el noruego volviera a la banda) creo que Masterplan ha salido beneficiado. Ya no encontramos las composiciones veloces tan características de la escuela teutona, sino que nos enfrentamos a un set de diez temas compuestos por Grapow, Lande y Mackenrott donde la mezcla de ideas e influencias da a luz un disco homogéneo que no cae en la monotonía, con grandes temas que nos hacen pensar en que un próximo trabajo en esta misma senda puede ser realmente una obra maestra.
Tal como el mismo Grapow ha señalado en entrevistas, la evolución musical de la banda puede apreciarse en la canción que da nombre al álbum, la cual despliega un power metal dosificado y melódico que se toma un tiempo en crecer, pero que finalmente entrega todo lo que promete.
Por su parte, temas más directos como Fiddle of time o Far from the end of the world, son carta de presentación del disco, para luego engancharte con temazos como Lonely winds of war o The dark road donde la banda alcanza nuevas cumbres.
Tampoco puedo no mencionar dos temas que constituyen de lo mejor de la placa que hoy nos ocupa. Primero, Blue Europa, una de las composiciones líricas más inspiradas que Jorn Lande haya escrito y que refrenda lo que siempre he pensado acerca de su labor compositiva, esto es, que cuando lo hace en conjunto con otros buenos músicos es cuando da lo mejor de sí, pues no ocurre lo mismo en su propia banda donde él es quien dirige los hilos y en la que, salvo excepciones, siempre he considerado que no trasciende de lo genérico. En segundo lugar, el bonus track de la edición especial, Kisses from you, es sencillamente soberbio, con ese sonido tan a lo Queen, le da una bocanada de aire fresco al final del disco y le pone término de manera magistral.
En definitiva, estamos frente a un disco sólido que entrega momentos realmente geniales y que sólo queda fuera de las notas más altas por la existencia de un par de fillers que, si bien cumplidores, no llegan a la altura de los temas ya mencionados.

Interludio cimmerio

2010-11-21T23:29:00.002-03:00

Mientras preparo las habituales reseñas que ocupan principalmente a este blog, se me hace imposible no postear esta fotografía tan ad hoc con el mismo:

Que tengan una buena y barbárica semana ;)

Kittelsen y la imaginería noruega

2010-11-16T21:56:00.001-03:00

Theodor Kittelsen entra en la categoría de los artistas nacionales, aquellos que a través de su visión plasman la identidad de un pueblo. Sus ilustraciones evocan los paisajes de su tierra, así como su folklore y sus gentes.
Sus trabajos más conocidos son sus pinturas de escenas de la naturaleza y sus ilustraciones de narraciones noruegas, dentro de las cuales encontramos sus icónicos trolls.

Kittelsen falleció a principios del siglo pasado, pero aún podemos ver cómo su legado es tomado por nuevas generaciones y usado como imagen para diversas manifestaciones artísticas. Tal es el caso de emblemáticas portadas de discos de Burzum (Hvis lyset tar oss y Filosofem) o Empyrium (Where at Night the Wood Grouse Plays), pero también -y he aquí el motivo de esta entrada- en el cine noruego contemporáneo, como lo demuestra la reciente Trolljegeren, un mockumentary acerca de un grupo estudiantes que se adentra en los bosques noruegos para resolver una serie de extrañas muertes de osos para terminar descubriendo la existencia de trolls.
Resulta interesante que la interpretación de Kittelsen de los trolls ha definido de tal modo nuestra forma de imaginarlos que la cinta los toma casi de forma calcada. A continuación, el trailer para sumar gente a la espera por ver esta cinta que, por lo menos en cuanto a contexto, promete bastante.

Los 10 mejores discos de Power Metal

2010-10-26T22:49:00.012-03:00

El de hoy es un post educativo y tramposo. Educativo para el que no sepa por donde empezar con el estilo, pues esta es una buena guía para tal fin; tramposo, porque en realidad no son diez discos.
Dicho esto, vamos con el listado:

10. Blind guardian - Somewhere far beyond (1992)
Probablemente la elección más difícil del listado. Elegir al décimo puesto implicaba descartar a otros dos que bien vale mencionar: Power plant (1999) de Gamma ray y Temple of shadows (2004) de Angra. ¿Por qué entra Blind guardian? Porque a pesar de su presente, su pasado es glorioso. Todos sus trabajos hasta principios de los noventas son un derroche de fuerza y es con Somewhere far beyond donde a mi juicio alcanzan el final de su evolución musical, al incorporar la pausa a su música así como algunos tímidos elementos orquestales. La ecuación fue perfecta, desde la potencia de Journey through the dark hasta la ensoñadora The bard's song - In the forest. Esa etapa gloriosa la cerrarían con Tokyo Tales, uno de los mejores en vivo que jamás haya sacado una banda.
Valoración: 4 de 5 (excelente)

9. Angel dust - Enlighten the darkness (2000)
Qué disco y cuánto tardé en descubrirlo. Enlighten the darkness debe ser una de las placas más impactantes y emotivas del metal en general, quizás solo superado en ese aspecto por Dreaming neon black de Nevermore. Estos alemanes con un sonido inusualmente poderoso, dieron vida a un disco acerca del régimen nazi y de cómo un pueblo se transformó en el símbolo de la maldad. Con un trabajo lírico increíble, arman el retrato de un soldado y su proceso de conversión, dolor y arrepentimiento ante los horrores que ha cometido.
Valoración: 4 de 5 (excelente)

8. Avantasia - The metal opera part I (2001)
2001 fue quizás uno de los mejores años para el estilo y buena muestra de ello fue el ambicioso proyecto de Tobias Sammet, quien dio el golpe a la cátedra al reunir en un solo disco a algunos de los más insignes músicos de la escena. Michael Kiske, Kai Hansen, Henjo Richter, David Defeis y Markus Grosskopf, entre otros, participaron en esta placa llena de simbolismo, la cumbre del power metal en su vertiente "helloweeniana", constituyendo lo más cercano a un Keeper 3. Después de esta placa, nunca más veríamos un nuevo disco que transmitiera esa misma sorpresa y energía que derrochara Helloween en los ochentas. A partir de aquí, las nuevas cúspides del género vendrían al explorar otras facetas y sonidos dentro de sus límites.
Valoración: 4 de 5 (excelente)

7. Virgin steele - The house of Atreus: Act I (1999)
Ya en su momento me referí a esta obra maestra de David Defeis, quien creó un disco dramático y potente inspirado en la historia de la Casa de los Atridas. Uno de los mejores momentos del power metal norteamericano, construido a partir de una mezcla perfecta entre temas épicos y veloces, con interludios que logran tener una identidad y valor por sí mismos. Escuchar The house of Atreus me hace pensar cómo debe ejecutarse un álbum de esta clase, pues no cualquier banda puede lograrlo (y qué mejor ejemplo que Nightfall in Middle-earth de Blind guardian y su decena de interludios innecesarios y fútiles).
Valoración: 4,5 de 5 (formidable)

6. Falconer - Falconer (2001)
Durante una década, Falconer ha sido el mejor ejemplo de cómo hacer power metal elegante sin copiarle a nadie. Ahí está la velocidad, la doble guitarra y la melodía, pero en lo que destacan es en su sonido que siempre ha estado un poco alejado de lo que es usual dentro del género. Por un lado, la solemne y particular voz de Mathias Blad; por el otro, la guitarra de un ex miembro de Mithotyn, Stefan Weinerhall, quien despliega un sonido mucho más speed e incorpora influencias folk al sonido final, dando vida a una placa innovadora, que transita de los temas más directos como Wings of serenity a momentos más calmados y progresivos como Substitutional world. Así, de un plumazo, Falconer demostró que se puede hacer power metal con inspiración folk sin caer en la ridiculez de otras bandas.
Valoración: 4,5 de 5 (formidable)

5. Kamelot - The black halo (2005)
La curva ascendente de Kamelot culminó con este, su séptimo disco, el cual marca el momento de mayor brillantez para la banda. Un sonido perfecto, un vocalista excepcional y canciones inspiradas que dejan de lado el predecible sonido de otras agrupaciones para crear algo mucho más rico y complejo. En el umbral del género, Kamelot definió su manifestación más inteligente. Un álbum asombroso, líricamente exquisito y con varias capas que hacen imposible que se agote con solo una escucha. Cinco años han pasado y el disco aún suena desafiante e evocador.
Valoración: 4,5 de 5 (formidable)

4. Masterplan - Masterplan (2003)
El mismo año que aparecían tres de los discos de este conteo, los creadores del estilo vivían una época complicada. Debido a diferencias personales, Roland Grapow y Uli Kusch eran despedidos de Helloween y todos estábamos a la expectativa de lo que deparaba el futuro, el cual resultó ser espléndido. Grapow y Kusch formaron Masterplan e incorporaron al grandioso Jorn Lande en las voces. Dos años después saldría este fabuloso disco y Jorn, hasta entonces conocido por un círculo no tan amplio, elevaría la banda a la cima y llamaría la atención de todos con su poderoso registro. Musicalmente, cada tema es único y espléndido, como si Grapow hubiese guardado su música por años para finalmente explotar en un solo acto, una vez liberado de las ataduras de Weikath y Deris y demostrándoles toda su valía compositiva.
Valoración: 4,5 de 5 (formidable)

3. Stratovarius - Episode (1996)
Los buenos tiempos. Tolkki, Kotipelto, Johansson, Michael y Kainulainen integrando un grupo que por años fue perfecto e inspirador. Quizás su momento más álgido fue Visions de 1997, seguido de dos discos interesantes, antes de que comenzara la falta de inspiración, la copia de si mismos y, finalmente, la crisis total de la banda. Pero antes de todo eso, en 1996, lanzaron esta joya llamada Episode, una pieza invaluable que definió un nuevo sonido para el power metal, mucho más rico en cuanto a composición, especialmente por la incorporación del teclado como pieza clave. Episode es un álbum que no podría haberse hecho en otro momento o lugar. Su sensibilidad pertenece a su época, Tolkki no podría haber escrito las mismas letras diez años después, aunque vaya que lo intentó. La poesía de Episode habla de la melancolía, la añoranza y la incertidumbre acerca del mañana, todo ello con una ejecución exquisita que da forma a esta obra de arte, pues como escuché una vez hace ya más de una década: si Beethoven viviera, habría tocado en Stratovarius.
Valoración: 5 de 5 (imprescindible)

2. Helloween - Keeper of the seven keys part I (1987) y Keeper of the seven keys part II (1988)
Los dos discos que dieron comienzo a todo. Más de dos décadas han transcurrido y siguen sonando bien, envejeciendo sin perder esa frescura con la que sorprendieron a todos. En un puñado de canciones, la banda germana definió los elementos básicos, tanto musicales como conceptuales que serían explotados en los años venideros. La imparable batería de Ingo, el dueto de guitarras de Kai y Weikath, el bajo de Grosskopf y, por supuesto, Michael Kiske. Kiske, quien tanto nos ha decepcionado a lo largo de los años al renegar del metal, sigue siendo la voz emblema, la del registro alto, la de Eagle fly free y I want out, entre otras. Probablemente no habría existido el power metal sin Kiske, o al menos no como lo conocemos actualmente.
Sin embargo, los dos discos primigenios difícilmente pueden ser considerados el momento más destacado del género, pretender eso sería afirmar que desde su inicio nació agotado. No, el mayor momento del power metal vendría después.
Valoración: 5 de 5 (imprescindible)

1. Lost horizon - Awakening the world (2001) y A flame to the ground beneath (2003)
Tan sólo dos discos. Ese es el monumental legado de una banda que en poco tiempo hizo algo verdaderamente mágico, creando dos piezas que son la cumbre definitiva del power metal. Desde la voz de Daniel Heiman, quien fácilmente puede ser considerado el vocalista definitivo del estilo, hasta las avasalladoras composiciones de Wojtek Lisicki, todo en estos dos discos es perfecto. Si los Keepers de Helloween fueron el relámpago que lo inició todo, Awakening... y A flame... son el trueno que tardó más de una década en retumbar.
A partir de aquí el power metal se agota. No hay espacio para nuevas piezas maestras, sólo para buenos discos, que los hay, pero nunca más oiremos algo a este nivel. Lost horizon fue una estrella fugaz que a su paso entregó la más perfecta encarnación del género. Por años hemos esperado una reunión y un tercer álbum, pero al oír sus primeros trabajos, a veces pienso que quizás no sea necesario, pues, parafraseando a Saint-Exupery, la perfección solo existe cuando ya no hay nada más que obtener.
Valoración: 5 de 5 (imprescindible)

¿Un viaje al Infierno?: Valhalla rising

2010-10-21T19:35:00.006-03:00

Tras un buen tiempo buscándola, por fin pude ver esta producción danesa de vikingos, esperando encontrarme con un festín de sangre, espadas melladas y escudos de madera reducidos a astillas. Pues bueno, en un sentido Valhalla rising resultó ser todo lo contrario.
Hecha la advertencia, bien vale la explicación, pues a pesar de que sabe entregarnos momentos brutales, Valhalla rising es una película con un ritmo deliberadamente lento (tanto que un western de Sergio Leone parecería un thriller de acción), espartana en sus diálogos y concentrada en crear una atmósfera críptica con una banda sonora compuesta de música drone y apoyada en la enigmática actuación de Mads Mikkelsen, quien en toda la película no pronuncia ni una sola palabra.
Con esos elementos, Valhalla rising no es una película fácil de digerir. Los breves y poco heroicos combates ocupan un segundo plano, mientras que su lentitud y preocupación por el simbolismo hacen que corra el riesgo de decepcionar a una audiencia demasiado ávida de escenas de acción. Superada entonces la falsa idea que nos pueda entregar a priori, se nos aparece una interesante cinta en que la superstición y la amargura tiñen el viaje de nuestro tuerto protagonista.
One eye, no es más que un guerrero berserker reducido a la esclavitud y obligado a luchar en nombre de su amo. Eso vemos nosotros. Los personajes ven en cambio a un guerrero sobrenatural maldito por los dioses, según los paganos; venido del infierno en opinión de los cristianos, y del que nunca queda realmente claro cuál es su objetivo, ¿quizás simplemente encontrarle un sentido a su vida? La película se construye sobre este personaje inescrutable, sobre su viaje y los efímeros personajes que lo rodean, volviéndose cada vez más compleja a medida que avanza, sobretodo por sus alusiones a la religión, la velada crítica al cristianismo que arrasó con los salvajes paganos, los efectos de una fe insana y la locura que produce la desesperación.
Así, acompañamos a One eye en su viaje/búsqueda y somos testigos de los productos de la ignorancia. Hacia el final descubrimos con claridad qué sucedió realmente, pero esa lucidez no quita la amarga sensación de saber al mismo tiempo que los personajes no tuvieron el beneficio del punto de vista omnisciente y terminaron perdiéndose en la desesperación de no saber qué falló.
En resumen, una película interesante que da para una larga conversación acerca de la fe, la religión y la desesperanza, pero que quizás falle en cuanto al ritmo narrativo necesario para mantener el interés en su contenido por parte de cualquier espectador. Dicho esto, y a riesgo de repetirme, Valhalla rising exige mucha atención y debe ser afrontada como una película críptica donde la acción se reduce al lento y silencioso devenir de One eye por tierras heladas.

Lönndom - Viddernas tolv kapitel

2010-10-10T01:11:00.004-03:00

Lönndom - Viddernas tolv kapitel
País: Suecia
Año: 2010
Estilo: neofolk, acústico
Sitio oficial
Valoración: 3 de 5 (bueno)

Lönndom es un dúo del norte de Suecia con un dilatado recorrido en diversas bandas, pero que acabo de descubrir con este release de 2010, un álbum de folk totalmente acústico que tras los primeros segundos me hizo recordar esa maravilla que es Kveldssanger de Ulver, como si estuviéramos ante la versión sueca del clásico de Garm.
Dicho esto, imaginar qué derroteros tomará el disco no parece demasiado difícil. Y es ahí donde encuentro su mayor debilidad, ya que la predecibilidad que recorre la placa se agrava por la carencia de elementos que eliminen esa sensación de que el disco concluirá sin darte ninguna sorpresa, dicho de otro modo: Viddernas tolv kapitel se inclina peligrosamente a la monotonía. Sin embargo, no todo está perdido, pues para aquellos que buscamos este tipo de música, lo que más importa es cómo logra transmitir esa sensación de calma exterior y, sobretodo, de aislamiento, cometido que consigue de la mano de una guitarra acústica acompañada en todo momento por un canto solemne y profundo, rodeado de lacónicos samplers que recrean el suave murmullo del viento y el gorgoteo continuo de los ríos.
Por su parte, las letras del disco están escritas en un dialecto sueco, por lo que a la mayoría de los hispanoparlantes se nos hará inaccesible su contenido lírico, debiendo concentrarnos únicamente en lo ya esbozado: la habilidad de estos nórdicos de convertir su tierra natal en música y trasladarnos en solitario a sus parajes.
En definitiva, Viddernas... constituye un nuevo eslabón musical para aquellos que disfrutamos de la melancólica belleza de los trabajos de Empyrium, Vàli o Uaral, pero que adolece de lo necesario para entrar en la élite de dicho estilo.

El destino de la novena legión: Centurion

2010-10-07T21:30:00.007-04:00

La Novena Legión Hispana fue una legión romana destinada a la provincia de Britania, que presuntamente desapareció sin dejar rastro durante el siglo II. En torno a ella se han tejido varias historias que pretenden adivinar cuál fue su sino en tierras insulares.
Centurion toma esta premisa y nos cuenta qué sucedió con la legión en su lucha contra los temibles pictos, narrando con precisión quirúrgica los momentos finales de los hombres que la integraban, para luego centrarse en los sobrevivientes: siete soldados que consiguen mantenerse con vida, pero que a partir de ese momento comienzan un escape en pleno territorio enemigo buscando eludir a un grupo de pictos sedientos de venganza.
Protagonizada por el sólido Michael Fassbender (300) y con una interesante actuación de la ukraniana Olga Kurylenko, Centurion deviene un placer para los aficionados al cine de aventuras. En tan solo una hora y media, Neil Marshall no pierde su tiempo en introducciones aburridas ni explicaciones históricas innecesarias y se concentra en lo único que realmente le interesa al espectador: ver una buena historia de romanos luchando por sus vidas en un entorno hostil. El resultado es una película dinámica, que no llega a las cimas épicas de Gladiador o Corazón Valiente, pues no es ese su camino, sino que se inscribe dentro de un cine aventurero en que los personajes se conocen por sus actos y no por sus palabras (que en este caso son escuetas). Y es que Centurion es ante todo una película de sobrevivencia, por lo que no esperen ver a Fassbender dando un discurso inspirador antes de una batalla o a los generales romanos entregándose a intrigas políticas con la guerra en Britania como mero pretexto. Aquí sólo importa salir con vida y por ello solo hay tiempo para dos cosas: correr y luchar.

Dato extra: como en Hollywood las ideas se multiplican en muy poco tiempo, prepárense para oír más de la Novena en The Eagle, a estrenarse el próximo año y que tiene como punto de partida la búsqueda del emblema perdido de la legión, veinte años después de su aniquilación. Hasta entonces, al menos con Centurion la Novena tuvo un buen epitafio.

Verdadero coraje

2010-08-22T21:58:00.005-04:00

Hay veces en que personas normales se transforman en ejemplos de valor por el solo hecho de aguantar firmes y demostrar que la adversidad es únicamente un obstáculo, no un imposible.
Hoy ha sido uno de esos días. Gracias mineros por recordarle a este país adormecido lo que es el coraje.

El arte de Lucas Graciano

2010-07-10T19:53:00.002-04:00

Realizando una de mis habituales búsquedas de ilustradores fantásticos, ha sido una grata sorpresa conocer a Lucas Graciano, artista norteamericano que en sus piezas logra plasmar un aire de grata frescura sin perder de vista el enfoque más clásico de la fantasía.
En una época donde la usanza parece ser el estilo amerimanga de D&D y WoW o los personajes recargados de Pathfinder, Graciano interpreta la fantasía de un modo más simple, directo y dinámico, prescindiendo de los accesorios inútiles que se han vuelto omnipresentes en los últimos años.
No puedo dejar de recomendar su blog personal, donde no sólo postea algunas de sus creaciones, sino también comenta libros de ilustraciones de otros artistas.

El Ulster de Wood y Alcatena

2010-06-30T00:35:00.007-04:00

Ulster es una creación de Robin Wood y Enrique Alcatena del año 1996, que concluyó de forma abrupta tras su tercer capítulo, luego de que la editorial responsable de su publicación le pusiera término. A pesar de su corta duración estamos ante una creación soberbia, una narración de la historia de Cú Chulainn, uno de los más reconocidos personajes de la mitología irlandesa.
Wood y Alcatena insinúan un gran historia, que avanza con rapidez y dramatismo, pero que, como ya dijimos, se ve inconclusa y solo alcanza a relatar la infancia del héroe y el origen de su nombre.
La versión digital de esta poco conocida obra fue realizada por Blue diamond, quien la tradujo de su original en italiano para el CRG. Todo el crédito va para él.

Ulster de Wood y Alcatena - Descarga directa

Ataraxia - Llyr

2010-06-13T18:06:00.006-04:00

Ataraxia - Llyr
País: Italia
Año: 2010
Estilo: ethereal, neoclásico
Sitio oficial
Valoración: 4 de 5 (excelente)

Uno de los discos que más esperaba para este año era el nuevo trabajo de Ataraxia. En Llyr, la banda italiana nos narra la historia de un avatar que ha vivido en nuestro mundo desde tiempo inmemorial, atravesando las cuatro eras míticas que transcurren desde la Edad Dorada hasta la actual Edad de Hierro. Llyr es entonces un disco brumoso, cubierto por el velo de ese pasado que la historia humana no conoce. Es así como Ataraxia nos conduce a través de las edades de la mano de su música arcana y evocadora, iniciando de manera potente con Siqillat, tema que recrea a la perfección la idea ya esbozada acerca de un mundo y una época ocultos y que lentamente se abre paso hacia nosotros a través de la percusión que lleva la música a un punto álgido. Así comienza el transitar por cada una de las encarnaciones de nuestro avatar, como Llyr, el corcel que recorría el bosque de Scarborough durante la Edad de plata; Elldamaar, la cima inalcanzable de la Edad de bronce, o Klepsydra, la fuente que da nueva vida a aquellos que buscan la catarsis. El transcurso del álbum culmina con Borea, tema plácido que me recuerda mucho al maravilloso sonido del disco Lost Atlantis, mi favorito de la agrupación.
Llyr es una reafirmación del sonido clásico de Ataraxia, donde cada tema nos retrotrae a épocas fantásticas que el hombre sólo puede soñar, mas no conocer. Un disco donde la inspiración céltica y pagana es dominante, pero que se ve mezclada con diversos elementos, tal como el poema de Yeats que sirve de letra a uno de los temas, o la versión que hace la banda de un mantra tradicional indio ya hacia el final del trabajo. En resumen, imperdible.

Remake de Fire and Ice

2010-05-30T22:49:00.004-04:00

A propósito del triste deceso de Frank Frazetta, me encontré con esta interesante entrevista a Robert Rodríguez, quien asegura tener los derechos para llevar a la pantalla grande la legendaria cinta de fantasía Fire and ice.
Así que tal como augura la entrevista, tendremos que prepararnos para ver en carne y hueso bárbaros montando pterodáctilos y subhumanos luchando con lanzas y arcos. Por mientras, vale recordar la cimérica genialidad de la obra original.

Los diez peores "ecocidios"

2010-05-04T15:32:00.005-04:00

La edición online del diario inglés The Guardian ha colgado hoy una breve, pero elocuente galería
con los diez peores ecocidios contemporáneos. Hago eco de la publicación en un intento por difundir la imagen de estos actos horrorosos donde la ambición del hombre nos conduce a destruir nuestro planeta.

Enlace aquí

Re-narrando los mitos: Clash of the titans

2010-04-21T23:13:00.016-04:00

Acabo de llegar del cine y me encuentro en la desafiante situación de comentar una cinta que sólo parece cosechar malas críticas, pero que -sin embargo- me dejó conforme.

Vamos por partes. Primero, la comparación con su homónima es inevitable, no en vano es un remake de una película de 1981. No obstante ello, no hay que dejarse llevar por la nostalgia y, al analizar la versión de Harryhausen, no debe obviarse lo débil que resultaba como película de aventuras que era. Los entrañables efectos en stop motion son una cosa; filmar una cinta entretenida es otra muy distinta. La original incurre en esa falta capital, la de narrar una historia que tiende a decaer. Clash of the titans tiene buenos momentos, pero a veces se hace poco interesante. Su nueva encarnación la supera en ese aspecto, pues si bien no se obsesiona con las escenas de acción, no olvida que la premisa aquí es la aventura. Así, Perseo y sus compañeros viajan a lo largo de la Hélade y en cada punto encuentran algo fantástico y desafiante.
Nota aparte merece la aparición de Bubo, uno de los "personajes" más desconcertantes de la original, quizás el símbolo de la ingenuidad de dicha cinta y que no tiene cabida en esta época.

Segundo. Si nos enfocamos en la historia misma se nos aparece un nuevo punto interesante, pues si hay algo fascinante acerca de los mitos es que podemos contarlos e interpretarlos de formas tan diversas y cada una de estas versiones puede llegar a ser tan válida como las demás. La nueva Clash... es precisamente una demostración de cómo narrar un mito modificándolo, conduciéndolo hacia otros derroteros e incluso asignándole un sentido diverso. La historia de Perseo, el primero de los héroes griegos, es alterada y sita en el contexto de un desencuentro entre el hombre y sus dioses. La idea es atractiva, pero su ejecución cojea, pues el conflicto parece demasiado forzado. La crisis de fe que experimentan los habitantes de Argos es entendible, toda sociedad la experimenta en algún momento, pero que esta derive en una guerra entre hombres y dioses sin mayores motivos me parece exagerado.
Por otro lado tenemos la falta de profundidad de los personajes, pues Perseo no logra provocar una total empatía con el público y sólo se remite a aceptar su rol de peón en la historia. Y si Perseo es un personaje débil, peor les va a sus compañeros de aventuras, quienes -exceptuando algunos breves pasajes- sólo sirven como carne de cañón para los enemigos que salen en el camino de nuestro héroe. De este modo, y aunque las actuaciones son buenas, son los personajes en su esencia los que fallan en su misión de captar nuestra atención sobre sus destinos.

¿Entonces qué me gustó de Clash of the titans? Que a pesar de sus problemas cumple su propósito más simple: entretener. Las escenas de acción salen airosas, las criaturas están bien logradas y si hay algo que jamás aburre es ver griegos peleando. En definitiva, el cine de aventuras tiene una nueva estrella en su firmamento, quizás no es la más brillante, pero al menos logra iluminar.

Nada es perfecto. Eché de menos a Dioskilos :(

Trailer de Season of the witch (2010

2010-03-28T15:35:00.005-03:00

Season of the witch es un thriller de horror medieval protagonizado por el inefable Nicholas Cage y Ron Hellboy Perlman, quienes reciben la orden de transportar hasta una abadía a una acusada de brujería, la cual se presume es la responsable de la peste negra que azota el pueblo. Estreno pospuesto para después del verano boreal.

Rotting christ - Aealo

2010-03-24T16:59:00.013-03:00

Rotting Christ - Aealo
País: Grecia
Año: 2010
Estilo: black metal melódico
Sitio oficial
Valoración: altamente recomendado (4 de 5)

Comenzaré esta reseña con su conclusión: Aealo es un disco ante el cual nosotros, los mortales, debemos arrodillarnos y maravillarnos frente a su poder. Tal cual. Aealo es una batalla sangrienta, el entrechocar de la lanza con el escudo, el ruido ensordecedor de tambores y espadas. Rotting christ ha creado una de las más perfectas obras inspiradas no el arte de la guerra, sino en su violenta ejecución. En efecto, podríamos afirmar que estamos ante un disco inspirado por Ares, quien representa el ansia de sangre y la violencia impredecible, en lugar de Atenea que simboliza la estrategia de la guerra, la meditación previa a la batalla, elementos -estos últimos- que parecen totalmente lejanos al álbum que nos ocupa.
En la realización de este disco, la banda griega se ha rodeado de colaboradores de excepción, entre los cuales me interesa destacar por sobre todo a los músicos de Daemonia nymphe. La participación de éstos me permite entender el fuerte elemento étnico presente en Aealo, sin el cual este sólo sería un disco de sonido genérico. En efecto, quizás el aspecto más llamativo del álbum sea la perfecta sincronía entre el black melódico y los sonidos más cercanos folk que dotan de una fuerte identidad griega a la placa. Así, los helenos despliegan toda su furia en temas como Eon aeanos, cuyo sonido de frenéticos tambores eleva la música tribal a cimas de inusitada agresión, para luego incorporar coros en griego como en Demonon vrosis o en la breve Dub-sag-ta-ke. Esta impronta se mantiene a lo largo de todo el álbum, logrando algo que pocas bandas de metal extremo logran realizar con éxito: impregnar a su música de la propia identidad cultural.
El trabajo como black melódico propiamente tal finaliza con Santa muerte, pero el epílogo lo pone la grandiosa Diamanda Galas, quien presta su voz en Orders from the dead para darle un final escalofriante y desconcertante al disco, pues nos aterriza y deja de sacralizar la guerra, con su macabro canto sobre el genocidio armenio perpetrado por los turcos a principios del siglo XX. Así, una obra inspirada en la destrucción y la violencia, finaliza recordándonos el espanto del genocidio, el cual no debe ser olvidado.

El león mítico

2010-03-10T23:36:00.007-03:00

Pocos animales han suscitado tanta fascinación en los hombres como lo ha hecho el león. Representación de la fuerza y el valor, el león ha sido poderosa fuente de inspiración, pero también ha sido víctima del hombre durante siglos.

En la antigüedad era un depredador habitual de los Balcanes y el mito griego lo cita con profusión. Durante el sitio de Troya, Aquiles, furioso con Agamenón, abandona la guerra y siembra el desconcierto entre los griegos. Patroclo, su mejor amigo, decide vestir la armadura del héroe griego para así volver a infundir valor a los guerreros aqueos, pero en medio del combate, Héctor, príncipe de Troya, le planta cara y lo mata con su lanza. Aquiles, presa de una ira absoluta, retoma las armas y siembra el luto entre los troyanos, así lo describe Homero:

“El hijo de Peleo, por su parte, se lanzó contra él como león que deseara aplastar a una multitud de hombres, a un país entero. La fiera, primeramente, se adelanta desdeñosa, pero cuando un vigoroso cazador, ágil en el combate, la ha herido con su lanza, el león se agazapa abriendo sus mandíbulas, arroja espuma por la boca, esconde apretada su indómita fiereza en el fondo del corazón, azota con la cola sus caderas y sus flancos, se excita a sí mismo al ataque y, por fin, con mirada ardiente de amarillos reflejos, decidido a matar a uno de los cazadores o a encontrar la muerte en primera fila, así el ardor y la bravura impulsan al heroico Aquiles a salir al encuentro del magnánimo Eneas.”

La ira de Aquiles, el más grande de los héroes aqueos sólo puede ser comparada con la del león, único animal capaz de desplegar semejante bravura.

Siguiendo en el mito griego, el león también representa un duro desafío para los héroes helenos. Tal es el caso del león de Nemea, criatura monstruosa cuya piel era invulnerable a todas las armas. La primera tarea que Euristeo encomendó a Heracles fue precisamente acabar con el felino que asolaba la Argólide. Heracles finalmente pudo matarlo estrangulándolo, luego de que todas las armas que intentó usar resultaran ineficaces.

Del mismo modo, existe gran cantidad de criaturas míticas que presentan una parte del león. En Persia encontramos a las manticoras, leones rojos con rostro humano y varias filas de dientes; en Egipto, la esfinge es descrita como un león con cabeza humana y que cumple generalmente un rol guardián; en Persia, el lammasu, león con alas de águila y rostro humano, guardaba los templos y mataba a todo aquel que se acercara a ellos. Es interesante que varias de estas bestias, al poseer un aspecto del león, adquieren un simbolismo especial, generalmente relacionado con la realeza o el dominio que el hombre le atribuye por sobre el resto de los animales. Esta idea cobra especial fuerza en la figura del grifo, que al compartir el cuerpo del león –rey entre los animales terrestres- y del águila –rey de las aves-, se nos aparece como una criatura de fuerza y poder superior.

Siguiendo esta idea, el león ha sido presa favorita del hombre, quien ve en él a un rival formidable y poderoso. Por ello no nos extraña que durante siglos haya sido cazado no tanto por la utilidad que su muerte reporta, sino por lo que representa para el cazador. Escenas de la cacería del león abundan, siendo especialmente notorias las de los reyes asirios.

Y, sin embargo, tanto simbolismo de poco y nada le ha servido frente a la tenacidad del hombre que prolifera en casi cualquier lado y que con el paso de los años le ha arrebatado sus áreas de caza. Incluso sin proponérnoslo, los hombres hemos extirpado al león de sus hábitats por el solo hecho de llegar a vivir en ellos, del mismo modo que lo hemos hecho con otros tantos animales. Así, extinto en Europa, casi desaparecido en Asia, y subsistiendo únicamente en el África subsahariana, el león termina sobreviviendo casi como una bestia del pasado que muy probablemente en un par de generaciones sólo sea un recuerdo de tiempos remotos, persistiendo sólo como una criatura histórica, más propia del mito que de la realidad.

Trailer de Centurion (2010)

2010-02-18T13:45:00.003-03:00

Este año 2010 nos aguarda con una buena cantidad de películas épicas llenas de acción, sangre y espadas. En esta ocasión les dejo el trailer de Centurion, dirigida por Neil Marshall (The descent) y que narra lo sucedido con los sobrevivientes de una legión romana aniquilada en suelo británico por los pictos.

Gamma ray - To the metal!

2010-02-16T15:52:00.017-03:00

Gamma ray - To the metal!
País: Alemania
Año: 2010
Estilo: Power metal
Sitio oficial
Valoración: recomendado (3 de 5)

Luego de dos años, la banda de Kai Hansen publica su nuevo trabajo, To the metal!, el cual me deja un gusto extraño, pues si bien tiene sus buenos momentos, todos estos se pierden entre algunos temas de relleno y letras poco inspiradas.
El disco comienza con Empathy, un tema muy típico de Gamma ray, pero que en ningún momento logra engancharme, por lo que el disco recién despega con el segundo corte, All you need to know, donde sí escuchamos un buena pieza de power metal, donde incluso las voces del coro corren a cargo del legendario Michael Kiske, erigiéndose este tema como el momento más memorable de todo el álbum. Time to live mantiene el buen camino, para perderlo totalmente con To the metal, un tema abúlico y descartable que no le hace gran favor al disco. Rise retoma los estribillos épicos tan típicos de Hansen, y aunque es una de las buenas canciones del álbum, creo que a la larga no pasa de ser eso mismo, un típico tema de Gamma ray, sin identidad. Mother angel pasa un poco desapercibida a pesar de ser un buen tema, mientras que con Shine forever el disco vuelve a caer en la mediocridad. Luego destacan Deadlands y Chasing shadows que me parecen temas más que aceptables, especialmente la segunda que me recuerda mucho a ese discazo que es Powerplant. Sin embargo, la insulsa balada No need to cry cierra de pésima forma esta entrega de los germanos.
Lo anterior explica el porqué se me hace difícil valorar este álbum, pues en sus casi cincuenta minutos de duración casi todos los temas son bastante aceptables, con uno realmente memorable como All you need to know y dos rellenos que definitivamente no me agradan. Gamma ray no logra revolucionar el estilo, pues quizás ya ni siquiera intentan hacerlo y sólo les basta con seguir repitiendo la misma fórmula una y otra vez. Y si bien es una fórmula correcta, creo que en esta ocasión la falta de inspiración les ha pasado un poco la cuenta y lo que pudo ser un disco sólido, sólo se queda en bueno.

Venganza en Islandia: Hrafninn flýgur

2010-01-23T16:09:00.001-03:00

Luego de ver la desastrosa y caricaturesca Pathfinder, tuve que hurgar un poco más de lo normal para encontrar una visión cinematográfica un poco más certera y realista de la sociedad vikinga. Hrafninn flýgur, cinta islandesa de 1984, logra -con alguna falencias- cumplir de buen modo con ese cometido.
Ambientada en Islandia durante el siglo IX, época en la que los vikingos noruegos han comenzado la lenta colonización de la isla, la cinta narra la llegada de Gest en busca de venganza sobre aquellos que participaron en el asesinato de sus padres y el rapto de su hermana, veinte años atrás.
Lo interesante de esta película es cómo narra una historia de vikingos sin caer en los clichés del género. Olvidémonos de los cascos con cuernos, las peleas con coreografía y todo ese glamour nórdico que tanto le gusta a Hollywood. En efecto, en Hrafninn flýgur (traducible como El vuelo del cuervo) no hay nada de esto sino que, por el contrario, nos encontramos con vikingos vestidos con pieles, sin brillantes armaduras ni grandes espadas, algo torpes en sus movimientos, montando ponys en vez de caballos.
Y aún así, la esencia está ahí, son vikingos y son paganos. Viven en pequeñas comunidades aisladas y azotadas por el implacable clima islandés, donde siguen adorando a los viejos dioses. Me atrevo a decir que los puntos más altos no son esos en que Gest ejecuta su venganza, sino que son aquellos en los cuales Thor, su enemigo, consulta desesperado a los dioses, buscando señales que lo guíen frente a su enemigo. Esta humanidad y fragilidad del viejo guerrero nos lleva incluso a sentir simpatía por quien, hace veinte años, mató sin dudarlo a los padres de nuestro protagonista; por el contrario, y a medida que avanza la película, la venganza de Gest cada vez parece menos justificada y más injusta. Siguiendo dicha idea, la película parece al final decantarse por un mensaje algo manido: que la violencia sólo genera más violencia. Sin embargo, me quedo con lo que simbolizan los dos personajes principales; Gest es cristiano, irlandés y no tiene nada más que su venganza y el odio acumulado por años que lo llevan a ser despiadado y frío; Thor, por su parte, es un vikingo que tomó esclavos y mató gente en sus correrías, pero sigue teniendo otra faceta en la que honra a sus dioses y a su familia, llegando a ser mucho más valiosa su actitud frente a la vida que la nihilista venganza de Gest.

Lamentablemente, la película pierde puntos por problemas netamente técnicos. Por un lado la música, demasiado anclada en su época (los ochenta) no envejeció de buen modo y ahora, más de veinte años después, suena impertinente y caduca. El otro aspecto negativo son las locaciones, donde evidentemente se nota el bajo presupuesto que tuvo el director, pues las largas correrías parecen transcurrir en la misma playa, dando la sensación de que todo sucede en un solo lugar.

Sin embargo, y a pesar de la crítica, Hrafninn flýgur destaca al final por ser una historia sombría y pesimista en la que no hay ganadores. Una historia que a medida que se desarrolla, va quitándole el favor a un protagonista que, con su venganza, se ha alejado de las enseñanzas de su religión y nos acerca a su enemigo, quien sí respeta y obedece a sus dioses, incluso en su hora más difícil.

Los mejores discos del 2009

2010-01-06T01:15:00.005-03:00

Se acabó 2009 y con el inicio de un nuevo año no podía quedarme de brazos cruzados y no hacer la ya clásica retrospectiva del año que ha terminado. Sin más preámbulo, mi ecléctica selección con los discos que más escuché, sin ningún orden en particular:

Àrnica - Viejo mundo
Neofolk
Provenientes de España, Àrnica creó un disco perfecto en el cual la referencia a Sturmpercht o Sangre cavallum es inevitable, pero -y aquí está la gracia- logran un sonido sacado de su propia tierra, a diferencia de muchas bandas que se pierden intentando recrear los tan manoseados sonidos y temas nórdicos, sin siquiera haber vivido ahí.
Viejo mundo evoca un pasado demasiado antiguo y ya desaparecido, pero que vuelve a la vida durante los cuarenta minutos por los que se prolonga este trabajo. Cantado y narrado en español, Àrnica nos traslada a una de época anterior a las grandes civilizaciones, los imperios y las grandes religiones, una era tribal en la que la lucha del hombre era mucho más bestial de lo que es ahora.
Una nota extra: escuchar este disco me hace pensar mucho en un pasaje de American Gods de Neil Gaiman, en que una tribu -en plena era glacial- viaja guiada por su dios Mamut. La referencia me conduce a lo esencial, al paganismo perdido que evoca este Viejo mundo.

Amorphis - Skyforger
Metal
Inspirados en el Kalevala, Amorphis publicó un disco maravilloso, elegante y evocador. Con temas increíbles como Silver bride, Highest star o la inspiradora Sky is mine, la banda finlandesa dio a luz a un álbum con una atmósfera mitológica irrepetible en la que el concepto se transforma en música de una manera perfecta. Es así como después de tres discos con su nuevo vocalista, este Skyforger confirma a la banda como una de las más brillantes y lúcidas de su generación y consagrando un sonido tan propio que se hace difícil clasificarlos dentro de un estilo concreto.
Para cerrar, la salida del disco coincidió con la primera visita de la banda a Chile, ocasión en la que pude apreciar en vivo todo el oficio que tienen como banda. Sencillamente genial.

Baroness - Blue record
Metal / Progressive sludge
Con una portada digna del mejor Barry Windsor Smith, Baroness publicó un trabajo que supera con creces a su antecesor Red album, logrando plasmar un sonido con una onda muy setentera y aguerrida, sin caer en composiciones simples y manteniendo en todo momento un ritmo avasallante.
Blue record es quizás el álbum más épico del año, no sólo por las melodias, sino también por la calidad de las letras, en las que demuestran que no es necesario invocar a Odín cada dos párrafos para ser belicosos. Es así como la furia galopante de A horse called Golgotha o la velada violencia de Steel that sleeps the eye dejan en claro quienes son los verdaderos guerreros del 2009. Imprescindible.

Megadeth - Endgame
Heavy / Thrash metal
Hace mucho tiempo que no escuchaba Megadeth. Ni siquiera la crítica positiva que recibió United abominations había logrado recapturarme, pero -afortunadamente- tal cosa cambió con este nuevo disco. Luego de reclutar al ex guitarrista de Ballistic y Jag Panzer, Chris Broderick, Dave Mustaine comenzó a gestar lo que terminaría siendo un disco superlativo.
En efecto, Mustaine demuestra desde un comienzo que su nuevo engendro sólo contiene agresión. Dialectic chaos abre el disco y sin pronunciar la más mínima palabra nos prepara para This day we fight!, quizás uno de los mejores temas del año, lleno de de furia y una firme declaración de que Megadeth sigue estando dentro de la élite. Y luego -sin clemencia- el resto del disco, pasando por la aplastante Head crushing, hasta la increíble How the story ends, dejan la firme sensación de que Endgame es un nuevo clásico metalero.

Rose rovine e amanti - Demian
Neofolk
Nunca he ocultado mi fascinación por la música proveniente de la península itálica. No es sólo el idioma, sino también la sensibilidad que tienen los músicos provenientes de la bota la que permite dar forma a una música apasionada. Es así como la banda romana liderada por Damiano Mercuri confirma mis palabras al publicar este, su segundo disco, un álbum de neofolk que canta sobre las tinieblas y la luz, sobre la cristiandad, la traición y el miedo.
Demian alterna entre temas preciosos como Rose rovine e amanti, un tema conmovedor y lleno de esa melancolía tan propia del neofolk, con composiciones mucho más atrevidas como Mille serpi o Noi ritorneremo, donde Damiano no duda en gritar y salirse un poco de los esquemas que tanto encasillan a algunas bandas del estilo, llevando su música a lo más alto del neofolk europeo.
Sólo una crítica: qué poco cuidado ha sido el booklet, lleno de errores en la transcripción de las letras. Esperemos que futuros lanzamientos no adolezcan de semejante error.

Bat for lashes - Two suns
Indie pop
Natasha Khan me ha devuelto el gusto por las solistas femeninas. En Two suns, su misticismo y espiritualidad cantan a la par con su alter ego superficial y destructivo, resultando un disco donde explora esa dualidad mezclada con cuentos de hadas modernos. Bat for lashes me hace recordar -con algo de nostalgia- esas historias del Sandman de Neil Gaiman en las que los sueños se inmiscuyen en la realidad, demostrando la existencia de un balance primordial y mágico entre ambos.
Quizás lo más mainstream de mi lista, incluso reseñado por last.fm dentro de los discos más escuchados del año.

Solstafir - Kold
Avantgarde / Black Metal
Todo lo que suene a una progresión del black metal hacia linderos más experimentales o progresivos es siempre bienvenido. Sólstafir es precisamente eso, con la esencia del black metal más crudo, transita por senderos mucho más progresivos y vanguardistas. Sin embargo, y a pesar de las referencias estilísticas, Köld se mantiene como un disco difícil de clasificar.
Lo que más destaco de este álbum es la atmósfera que crea, ideal para escucharlo caminando de noche o en una mañana fría y nublada. En efecto, Köld es una placa que transmite una frialdad llena de fuerza, con momentos de expectante tranquilidad y otros de intensidad inusitada. Un disco colosal.

Wardruna - Runaljod - gap var Ginnunga
Folk / Ritual
Wardruna es una banda conformada por ex integrantes de Gorgoroth que con este Runaljod... han iniciado lo que parece ser una trilogía basada en las runas nórdicas.
Dicha aproximación a las runas es de carácter místico, explorando el significado de ocho de estas, y valiéndose a tal efecto de instrumentos tradicionales noruegos creados para la ocasión (muy parecido a lo que hace Daemonia nymphe en Grecia), así como de sonidos ambientales, letanías y partes habladas. El resultado es un disco oscuro, ritual y -deteniéndonos en su esencia- sumamente pagano.

Russian circles - Geneva
Post rock / Post metal
Tan solo un año después del increíble Station, vuelven los norteamericanos con nombre eslavo con un disco aún mejor. Geneva logra superar a su antecesor, con más riffs y la batería sonando mejor que nunca, creando melodías complejas y densas. Tal parece que Russian circles ha podido luego de tres álbumes- encontrar un sonido propio, mucho más solido y con personalidad.

Outloud - We'll rock you to Hell and back again
Heavy metal / Hard rock
Con miembros de Firewind, una de mis bandas norteamericanas preferidas, Outloud debuta con uno de los mejores discos del año. Una mezcla entre heavy metal y hard rock en que cada tema es directo, rockero y melódico. Ningún tema afloja y sin ser necesariamente la banda más original de este listado, no cabe duda de que estamos ante el disco más entretenido y dinámico del año.

Bonus: Helloween - Unarmed
¿Power unplugged metal?
La banda que revolucionó el heavy metal al crear, con sus keepers, un nuevo estilo que pasaría a denominarse power metal cumple 25 años de existencia y los celebra con un disco de versiones de sus temas más emblemáticos.
Probablemente, este Unarmed sea difícil de digerir para aquellos que no son fanáticos de la banda, pero para los que sí lo somos se trata de un disco fresco e interesante. Claro, ninguna versión superará a su original, pero el esfuerzo de la banda germana ha dado sus frutos al recrear de buen modo cada tema. A destacar la versión de Halloween/Keeper of the seven keys/King for a thousand years, la cual fue grabada junto a una filarmónica y que ha resultado ser una pieza épica que destaca con luz propia.

Otros discos recomendables
Slayer - World painted blood. Llevo poco tiempo escuchándolo, pero suena increíblemente agresivo y furioso. Discazo.
Herman Frank - Loyal to none. Heavy metal germano. Imperdible.
Killing touch - One of a kind. Lo nuevo de Michele Luppi, power progresivo hecho para el lucimiento del vocalista.
Soulsavers - Broken. Un elegante disco de rock, soul y no sé qué otros estilos.
Rome - Flowers from exile. Neofolk. Si hubo un disco que me costó no incluir en el top ten fue este.
W.A.S.P. - Babylon. Blackie Lawless está de regreso mejor que nunca. Tremendo disco, ganchero y entretenido.
Die weisse rose - A martyrium of white roses. Neofolk. Un disco estremecedor que transmite una pena y melancolía ineludibles.
Wolves in the throne room - Black cascade. Misantrópico black metal inspirado en la naturaleza.
Calogero - L'embelie. Sucesor del genial Pomme C, no llega a superarlo, pero sigue siendo una gran pieza de pop francés.
Ianva - Italia: ultimo atto. Otro buen disco que sin embargo no logra superar a su antecesor. Esperaré a tenerlo en mis manos y adentrarme bien en sus letras para ver si mejora mi primera impresión.
TriOre - Three hours. Ordo rosarius equilibrio y Triarii se fusionan en un proyecto de gran nivel. Sin embargo, esta colaboración se me hace un tanto repetitiva a medida que avanza el disco y, en la comparación, palidece frente a lo hecho por ORE y Spiritual front en 2007.
Ex deo - Romulus. Death metal inspirado en la historia romana.
Vreid - Milorg. Impresionante disco de black metal inspirado en un pasaje de la Segunda Guerra Mundial. Disciplined es uno de mis temas favoritos del año.

Vikingos en América: Pathfinder

2009-12-25T01:18:00.004-03:00

La historia. En plena alta edad media, navegantes vikingos provenientes de Groenlandia y bajo el mando de Leif Eriksson llegaron a las costas de Norteamérica, estableciendo una colonia en la isla de Terranova, en la actual Canadá. Dicha colonia duraría unos pocos años antes de que el enclave fuese abandonado. Luego seguirían haciendo viajes a la zona con el objeto de recoletar materias primas. Finalmente, el declive de la colonia en Groenlandia y el hecho de que mantener una ruta comercial tan lejana no era rentable, pusieron término a las correrías nórdicas en América del Norte.

La visión de Hollywood. En algún lugar del norte del continente, una mujer india encuentra a un niño blanco de cabellos rubios dentro de un drakkar. Todos los demás ocupantes de la embarcación están muertos y el niño es adoptado por la tribu de la mujer. Quince años después, Ghost -nuestro protagonista-, es un joven atormentado por su origen que lo hace distinto a aquellos con los que vive. Para empeorar las cosas, los vikingos vuelven a dicha zona a sembrar el terror entre los nativos.
Lamentablemente, y pese a que la premisa es interesante, Pathfinder es una película fallida en todo sentido. Todo en esta cinta es mediocre, desde las aburridas escenas de acción hasta el inevitable romance del protagonista con una india de otra tribu. Por otro lado, los invasores parecen más bien versiones del death dealer de Frank Frazetta que verdaderos vikingos, no sólo por su aspecto físico sino también porque sólo se dedican a matar gente, tanto que resultan ser unos villanos inexplicables en cuanto a sus motivaciones, pues no buscan riquezas ni esclavos, ni tampoco puede concluirse que viajaron en busca de un buen combate ya que tienen armamento superior y los indígenas son cazadores no guerreros, por lo que no es una lucha digna para alguien que crea en la existencia del Valhalla como premio a una muerte en el campo de batalla.
Entonces tenemos un película donde los indios son poco carismáticos, los vikingos son incomprensiblemente malvados y planos, y el conflicto existencial del protagonista no termina nunca de convencer. En resumen una cinta mala, tanto que más que reseña este post es una advertencia. Recomendable sólo para los aficionados al género que ya no tengan nada más que ver.

Alguien en Hollywood pensó que esto era un vikingo

Ataraxia prepara nuevo disco: Llyr

2009-12-02T15:27:00.002-03:00

Husmeando un poco en el shoutbox de Ataraxia en last.fm me acabo de enterar que la banda italiana está pronta a sacar un nuevo disco, sucesor del grandioso Kremasta Nera.
La nueva producción se titula Llyr y el concepto -según el propio sitio de Ataraxia- gira en torno a un avatar, un espíritu luminoso, un sanador y shamán que ha tomado diferentes formas y ha viajado por todas las eras hasta nuestros días.
La fecha de lanzamiento aún no está clara, pero además han anunciado algunas reediciones, incluyendo un DVD de Os cavaleiros do templo, el cual lamentablemente saldrá editado sólo en Asia y en edición limitada de 500 copias.

Trailer de Clash of the titans

2009-11-27T17:41:00.004-03:00

Pues ya tenemos trailer de Clash of the titans para así hacer más llevadera la espera hasta marzo, mes en que se estrenará en Estados Unidos, y debo decir que tiene muy buena pinta.
¿Superará al original? En cuanto a los efectos, nada podrá opacar a las increíbles criaturas hechas por Harryhausen, sin embargo, en cuanto a la historia parece que la apuesta va por contar una historia llena de acción y efectos especiales a diferencia de la primera, mucho más lenta en su desarrollo. Más que suficiente para mí.

Revisitando el 2008

2009-09-02T21:20:00.016-04:00

Hace ya un buen tiempo que escribí sobre mis discos favoritos del 2008, sin embargo, y como era de esperarse, el transcurso de los días (y meses) me brindaría varias sorpresas que merecen ser destacadas, pues me obligan a complementar el listado inicial.

Yngwie Malmsteen - Perpetual flame
Heavy metal

Debo reconocer que Yngwie nunca ha sido mi favorito. Dejando de lado sus primeros trabajos, nunca me he tomado el tiempo de escuchar en profundidad sus otros discos y es por ello que este Perpetual flame pasó desapercibido bajo mis narices hasta que me enteré de que Tim Ripper Owens había participado en el último trabajo de Yngwie y considerando que el vocalista inglés es una debilidad (a pesar de lo vilipendiado que ha sido por años), escuchar tal disco se convirtió en necesidad.
Y el disco es increíble, Malmsteen por fin hizo algo que rompía esa monotonía que me alejaba de su música: se dedicó a componer temas en vez de largarse únicamente a tocar la guitarra sin importarle mucho el resto de la banda. El resultado es un álbum que transita entre el heavy metal y el hard rock, con un Tim Owens a gran nivel, especialmente en los pasajes más hardrockeros.

Hibria - The skull collectors
Power metal

Aparecido en diciembre del año pasado, el segundo disco de estos brasileros powermetaleros es simplemente alucinante. Con evidente influencia del Judas Priest de la era Painkiller, The skull collectors supera lo hecho en su primer trabajo de 2004 y de paso me hace pensar que estamos ante una de las bandas con mayor potencial de la actualidad.
En efecto, desde Lost horizon que no aparecía un grupo que provocara una reacción similar a la que produce este disco, con temas directos y veloces, sin detenerse mucho en accesorios inútiles. Con temazos como Tiger punch, Devoted to yor fear o Screaming ghost, Hibria se anotó con un trabajo que me hace dudar acerca de lo que afirmaba meses atrás cuando señalaba que Among thieves and beggars de Falconer era lo mejor en el estilo del año pasado. Ahora, después de casi un año de escucha, creo que la balanza se inclina a favor de los brasileños.

God is an astronaut - God is an astronaut
Post rock

Junto a Station de Russian circles, este disco homónimo de la banda irlandesa ha sido el gran responsable de mi reciente afición por el post rock. Una hora de música casi perfecta que estuve dos meses seguidos escuchando sin parar mientras estudiaba para mi examen de grado. Sin ser un experto en el estilo, este disco ya adquirió un valor sentimental luego de haberme acompañado en medio del stress de principios de año.

Ilustraciones Enciclopedia Estudiantil Codex - 2

2009-07-26T21:17:00.002-04:00

Luego de un buen tiempo sin darle al escáner, vuelvo con más ilustraciones de esta enciclopedia:

La batalla de Cannas (Enciclopedia número 160, 11 de junio de 1964). Uno de los más grandes desastres militares romanos durante la época de la República. Aníbal, quizás el más brillante de los estrategas a los cuales se enfrentarían las legiones romanas, literalmente despedaza al ejército itálico, logrando una victoria aplastante que, sin embargo, no marcaría el fin de la segunda guerra púnica.

El triunfo romano (Enciclopedia número 106, 30 de mayo de 1963). Un imponente corte triunfal recorre la Vía Sacra en medio de las aclamaciones de la multitud. Lo encabezan los senadores. El triunfador avanza en un carro dorado precedido por los líctores y los prisioneros más ilustres. Lo siguen las legiones.

La ofrenda (Enciclopedia número 106, 30 de mayo de 1963).El triunfador, según el rito, depositaba el ramo de laureles en el altar de Júpiter.

Repasando el power metal del 2009 - Parte 1

2009-07-23T16:12:00.008-04:00

Tras el fin de junio, como ya tenemos medio año transcurrido de este 2009, me parece que es buen momento para reseñar lo que ha dado el power metal durante estos seis meses. Sin más preámbulo, repasemos los discos aparecidos en estos meses.

Enero

El año comenzó con uno de los pesos pesados del heavy metal sacando su última producción. Con Ballads of a hangman de Grave digger marca una mejora respecto del decepcionante Liberty or death de 2007 y nos entrega once temas (en realidad diez, descontando la infaltable intro) que suenan al más clásico Grave digger, con esos típicos riffs gancheros y la voz de Chris Boltendahl tan poderosa como siempre.
Destacados: Ballads of a hangman, Sorrow of the dead e Into the war.

9 degrees west of the moon de Vision divine marca el regreso de Fabio Lione a la banda, luego de la partida del increíble Michele Luppi y, si bien tenía mis dudas con lo que resultaría de esta involución, debo reconocer que el disco que nos ocupa superó con creces mis expectativas. Lo único malo es el cover a Touch of evil de Judas Priest, que es tan plano que resulta hasta fome.
Destacados: Letter to my child never born, Violet loneliness, The streets of Laudomia.

Cerramos el mes con los alemanes de Wizard, ahora como quinteto, y su Thor. Luego de dos discos mediocres como fueron Magic circle y Goochan, Wizard vuelve a lo que mejor hace: true heavy metal a la Manowar, recuperando el sitial alcanzado con discos como Odin y Head of the deceiver, sus mejores producciones a la fecha.
Destacados: Asgard, The visitor y What would you do?

Lo mediocre: To the grave de Iron fire, que sin ser un mal disco, creo que hay que ser demasiado poco exigente como para disfrutarlo de verdad. Prescindible.

Lo peor: Autumnal de Dark moor, o de cómo hacer un disco en que todos los temas sean iguales.

Febrero

Este mes vio la aparición de Frame, lo último de los italianos power progresivos DGM, una de mis bandas favoritas. He de reconocer que no he digerido bien este disco y quizás la falta de temas realmente memorables le hace perder peso, pero no por ello es un mal trabajo. Quizás lo que más llama la atención de Frame es el cambio de vocalista y, todo sea dicho, tal cambio no ha sido para mejor. La voz de Titta Tani le daba un sello especial a la banda y ahora, con Mark Basile a cargo de las voces, pues falta ese toque, lo cual sumado a la ya mencionada ausencia de grandes momentos, hacen que estemos ante un disco algo plano, quizás de transición para lo que sea una futura entrega con Basile más afiatado.
Destacados: Hereafter, …in a movie, Heartache.

Pasándonos a la vereda del heavy metal, Herman Frank (Accept) sacó su Loyal to none que es un DISCAZO, una verdadera bomba de heavy metal germánico, con un vocalista de lujo: Jiotis Parcharidis, (vocalista de Human fortress en ese tremendo álbum que es Defenders of the crown) y un veterano como Stefan Schwarzmann en la batería.
Destacados: TODOS.

Lo mediocre: No sacrifice, no victory de Hammerfall. En serio, intenté escucharlo y encontrarle algo bueno. Sólo por respeto a sus dos primeros discos que no mando a la cresta a estos vendidos.

Marzo

Uno de los mejores discos del año es The detached de los daneses Anubis gate. Un disco de power pogresivo que se prolonga por más de una hora y que sólo parece cosechar buenas críticas a lo largo de internet. Se trata de un disco conceptual con un concepto muy sci-fi que narra la búsqueda de Bilao, un “detached”, algo así como inmortales que pueden viajar por el tiempo, pero que igualmente pueden llegar a morir (o algo así :/).
Destacados: Find a way (or make one), Lost in myself, Bloodoath.

Lo subjetivamente mediocre: Score a new beginning de Fairyland no es un mal disco. Su problema se encuentra en que su estilo me apesta. Hace años que le perdí el gusto al power metal pomposo y sinfónico que en algún momento tan bien realizó Rhapsody, y Fairyland es precisamente una de las tantas bandas aparecidas bajo el alero de la agrupación italiana y que intentan seguir esa senda majestuosa llena de historias fantástico-medievales. Sin embargo, luego de varias escuchas y de intentar no vomitar con tanto teclado para niñas, he de reconocer que el resultado destaca por sobre la media y asumo que para los verdaderos seguidores de este sub-estilo, será un album más que agradable.
Destacados: Assault on the shore y Godsent.

La decepción: Age of Aquarius de Revolution renaissance. Sinceramente, me apena un poco tratar tan mal a Tolkki y su nuevo intento de resurgir, especialmente si considero que su mejor etapa en Stratovarius es una de las responsables de que escuche tanto power metal. Sin embargo, Age of Aquarius es una profunda desilusión luego de varias escuchas, pues se trata de un trabajo donde falta el elemento esencial: el metal, y ya con eso poco y nada se le puede hacer, salvo volver a poner en el discman el Episode o el Fourth dimension de Strato para recordar la pasada grandeza de Tolkki.

Abril

Bible of the beast de Powerwolf es una entrega increíble de una banda que no tenía ni idea que existía. Por lo que he buscado, The bible… es su tercer disco y desata un asalto de power metal sin misericordia, con riffs inclementes, coros épicos y unos acertados toques sinfónicos que le dan un ambiente medio gótico/religioso al disco sin caer – afortunadamente – en los aburridos clichés del metal sinfónico. Quizás lo único que no me agrada de esta banda es su look a medio camino entre vampiros, black metaleros y maricones.
Destacados: Seven deadly saints, Werewolves of Armenia, Resurrection by erection.

Killing touch es una nueva banda italiana de power progresivo, cuya principal atracción se encuentra en que es aquí donde recaló Michele Luppi luego de su salida de Vision divine. Su primer trabajo, One of a kind, parece hecho para el lucimiento de Luppi y no sólo eso, casi todos los temas son increíbles por lo que estoy pensando seriamente en calificarlo como lo mejor de esta reseña :P
Destacados: The touch, Wheel of fortune, The danger zone, One of a kind, casi todas en realidad.

Mayo (o el mes de las decepciones)

Lo mediocre: Polaris de Stratovarius es un disco demasiado regular, con pocos momentos que enganchen a la primera y que debe ser escuchado muchas veces para disfrutarlo como es debido. El problema es que hay que tener paciencia para ello y, la verdad, antes que comprender a este Stratovarius sin Tolkki, prefiero invertir mi tiempo en escuchar algo mejor.

También mediocre y a mi pesar: 16.6 (before the devil knows you are dead) de Primal fear. Con lo que me gustó el New religion, que ya era un disco controvertido para los fans antiguos de la banda, esperaba mucho más de este 16.6, pero luego de varias escuchas sigo sin encontrarle casi nada que valga realmente la pena. Una lástima.

Y sí, más mediocridad: Alestorm debe ser la banda más sobrevalorada del último tiempo (junto a Eluveitie). Su último disco, Black sails at midnight, es tan monótono que espanta, pero aún así parece haber una legión de seguidores de este power heavy pirate y un largo etcétera metal. Y yo les digo: si quieren piratas déjense de webadas y escuchen Running wild.

Junio

El EP: The clans are marching de Rebellion prepara el camino para lo que será la culminación de la trilogía inspirada en la historia de los vikingos y lo hace con cuatro temas de gran nivel: el cover de Grave digger que da nombre al EP y tres temas nuevos que aumentan las expectativas para lo que será – es lo que espero – uno de los bombazos del año.

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Eso es todo, aún no escucho a cabalidad algunos discos como los de Cage, Celesty o Mystic prophecy, pero creo que el artículo ya cubre bastante bien lo que ha sido la escena durante el primer semestre del año.
En enero vuelvo a la carga con la correspondiente reseña de la segunda mitad del 2009, que de momento ya tiene un número fuerte, el mencionado nuevo disco de Rebellion, mientras que se rumorean nuevos lanzamientos de Gamma ray, Kamelot, Black majesty e incluso de Angel dust, entre otros.

El silencio

2009-07-13T23:34:00.006-04:00

La noche del Jueves Santo
al Viernes Santo
conocí el silencio.
Por un lado, ni la más ligera brisa,
cielo claro y luna llena,
pero por otra parte y además
ni un sonido
de esa violencia organizada
por el hombre contra la materia:
el estrépito de las máquinas,
que como un inmenso ruido de fondo
siempre está ahí,
esos importunos sonidos de motos, coches y reactores
que perforan el tímpano,
los persistentes repiques y murmullos
de transistores, teléfonos y magnetófonos
incluso cuando cesan por breves instantes -
siempre están ahí
incluso en esta isla.

Pero anoche me visitó el silencio,
el silencio,
uno de esos grandes dones menospreciados
gradualmente olvidados,
arrebatado a los hombres por los hombres -
y ¿cómo va a hacerse valer el silencio?,
el silencio bueno,
siempre cediendo, a la defensiva, confinado en reservas naturales,
al borde de la civilización,
en alta mar y desiertos, zonas de heleros y montañas,
y de vez en cuando comprado por los ricos y poderosos -
él - ¿lanzarse a la ofensiva? ¿cómo?
imposible y contra su naturaleza - no,
el victorioso y omnipotente por medio de la violencia
es el estrépito.
Sólo un tipo de silencio es en definitiva más fuerte
y está provocado por la violencia final
que llega furtiva sigilosa o ruidosamente:
El silencio de la muerte,
el silencio definitivo, que la victoriosa estirpe del estrépito
aprende a conocer y a rehuir. La angustia
ante el cadáver, hasta que yace bajo la tapa del atáud,
el horror más antiguo y mentalmente más perturbador,
el silencio de la peste, del hambre y del campo de batalla
las grandes detonaciones, aludes, terremotos
y el grito de muerte de Cristo en la cruz.

Pero el silencio,
del cereal y de la semilla del cedro,
del huevo y del feto,
el silencio en la creación del aguacero y del pensamiento,
el que se prepara y escucha,
el silencio del descanso, del sueño y de la regeneración,
sólo se valora rara y excepcionalmente
en hospitales, en laboratorios o por tipos extraños.
Y el silencio del descanso de Pan
al mediodía, y finalmente el silencio
del espacio abierto y exterior de la noche,
ése que yo oí anoche
de pie al frío bajo la colina y la luna llena,
ése está completamente pasado de moda,
considerado totalmente inutilizable
y rechazado por todos los medios,
y sin embargo
si no conocemos estos silencios,
todos y cada uno
cada uno a su hora
y cada uno en su sitio,
perderemos la base,
se deformarán la germinación, el nacimiento, la creación
y el pensamiento mismo -
dominarán la casualidad y la equivocación,
la confusión y la continua
corrección en vano de los cálculos.

Thorkild Bjørnvig,
Delfinen, Miljødigte, 1970-75.

Romulus

2009-07-05T20:23:00.004-04:00

Maurizio Iacono, líder de Kataklysm ha embarcado a sus compañeros de banda en un proyecto titulado Ex Deo, dando rienda suelta a su pasión por la historia de la antigua Roma (algo que compartimos en este blog). El producto final es un impecable álbum de death metal inspirado en los grandes hitos de la historia de Roma.
Romulus es el primer single y su video es increíble. Grabado en Serbia, con harto CGI y quizás un principio un poco flojo, va ganando fuerza a medida que pasan los segundos hasta llegar a ser realmente épico.

Por cierto, ya que estamos hablando del fundador de Roma, es buen momento para traer a colación la imagen que adorna la parte inferior del blog:

Rómulo y el primer triunfo romano

The hunt for Gollum

2009-06-28T15:49:00.007-04:00

Acabo de ver el largometraje The hunt for Gollum, cuyo estreno online data de mayo de este año y he quedado gratamente sorprendido por la calidad del mismo, logrando un resultado muy similar al de la mismísima trilogía de Peter Jackson.
Fue hecha por fanáticos con muy poco presupuesto, pero demostrando una vez más, que el buen cine no necesita de millones de dólares ni efectos especiales de otro mundo, sino que de dedicación y de respeto por lo que se está haciendo.
En cuanto a la historia, esta tiene lugar antes de lo sucedido en La Comunidad del Anillo, mostrándonos la búsqueda de Gollum realizada por Aragorn a instancias de Gandalf, periplo donde el montaraz se enfrentará a una serie de peligros provenientes de Mordor.

Sitio oficial de The hunt for Gollum

The Hunt For Gollum (HD version)
by HuntForGollum

En una noche lluviosa...

2009-06-27T23:08:00.008-04:00

Me murió un poema
florecido de inviernos
lo abrigué entre surcos de asequias
allí entre rocío y silencios...
me murió un poema

puro de tristeza
desprovisto de sueños
ensangrentado de temporal
yo, yo lo encontre bajo el llanto
caminando escarchas
y, y nos tejimos de lágrimas
ya tan teñidos en melancolía
yo soy el abandonado de alegrías
y tú el viento que va desprovisto de fronteras
llegando hacia los rincones donde el silencio habla...

...y nació un poema muerto
de tanto enterrar familia
y de velorios aprendí
a caminar en barro
y la vida
y tú
tú viento eres la infancia
me perdura
me perdura de lejos
eres el sauce y la cancha

¿recuerdas?
¿recuerdas?
cuando la inocencia se hizo sollozo y la perdí
¿recuerdas?

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Llueve en la zona central y qué apropiado es escuchar a Uaral. Si hay algo que me fascina de la banda curicana es que, en instantes como este, siento que su música refleja a la perfección las sensaciones que transmite esta zona cuando el clima se vuelve inclemente. Desde las frías tardes nubladas hasta las noches en que la lluvia pretende arrasar con todo, esta música calza con cada uno de esos momentos.

Cine épico: Remake de Clash of the titans

2009-06-22T23:09:00.004-04:00

Clash of the titans (1981) es una de esas películas de culto para los fanáticos del cine fantástico. Es la última gran obra de Ray Harryhausen y si bien no está a la altura de su obra maestra, Jasón y los argonautas, sus creaciones para esta cinta son sencillamente inolvidables.

Pues bien, como sabemos, Hollywood no se caracteriza por su originalidad y entre la avalancha de remakes que se gestan en sus criaderos, ya están realizando el de "Clash...", del cual ya tenemos las primeras imágenes, con Sam Worthington (Terminator: Salvation) haciendo de Perseo.

Habrá que darle el beneficio de la duda. La original era una delicia por las criaturas creadas por Harryhausen, pero se caía en cuanto al ritmo, así como algunos detalles que nunca me convencieron del todo (por ejemplo, el búho mecánico, Bubo).
Así que asumo que esta nueva versión traerá acción mitológica griega a raudales, tal como nos gusta a todos los frikis épicos, pero también doy por hecho que tendremos que olvidarnos de los monstruos stop motion y darle la bienvenida a los CGI.

Y para dar rienda suelta a la nostalgia, la mejor escena de la original:

Reseñas nostálgicas

2009-06-06T12:03:00.010-04:00

Año 2000 y yo en cuarto medio, preparando la ya extinta prueba de aptitud académica. En un golpe de iluminación compro tres ítems que hoy son parte esencial de mi background: los dos discos objeto de la presente reseña y un tomo recopilatorio de cuentos de H.P. Lovecraft.
A Helloween ya los conocía, tenía en mi colección los dos Keepers y el grandioso Better than raw. Comprar el The time of the oath era un paso lógico.
Lovecraft también era una lectura conocida, pero hasta ese entonces sólo lo leía porque me lo prestaban. Adquirir el tomo también era inevitable.
A los daneses de Mercyful fate, en cambio, no los conocía casi de nada. Sólo había escuchado una vez a un tipo hablar de ellos en la misma frase en que usó la expresión heavy metal. Suficiente para mí. La necesidad de saber cómo sonaban creció como un parásito hasta que finalmente me compré el mentado disco. Y la compra no fue lógica, sino que instintiva, primaria.
Ambos discos los escuché todo un semestre en una época en que viví casi solo, aislado en la pieza de afuera estudiando para la famosa prueba. El libro era la lectura para los momentos de ocio y, supongo, mezclar a Lovecraft con Mercyful fate de fondo debe ser uno de los aciertos más grandes de mi vida. Al final, los escuché tanto que hasta el día de hoy me los sé de memoria.

Mercyful fate – Don’t break the oath
País: Dinamarca
Año: 1984
Estilo: Heavy metal
Sitio no oficial
Valoración: Imprescindible

Lo de Mercyful fate es sublime. Heavy metal oscuro y a la vena, con riffs gélidos y la voz de King Diamond gritando, susurrando y recitando versos demoníacos. Don’t break the oath es el segundo trabajo de la banda y, por mucho, lo mejor que produjeron en su carrera. Abre con A dangerous meeting, un clásico de clásicos, tanto que incluso conozco varios que jamás en su vida se pondrían a escuchar heavy metal, pero que aún así reconocen este tema. La embestida danesa continúa con más temazos: Nightmare, Desecration of souls y Night of the unborn, para llegar a ese punto de inflexión que es The oath, la maligna invocación a Lucifer hecha heavy metal. En una época donde ya los noruegos (y sus sucesores de otros países) han elevado todas las plegarias imaginables al pata de cabra, The oath sigue sonando potente, arcana y, sobretodo, perniciosa. Luego de esa obra maestra, el relevo lo toma Gypsy, un tema ganchero que junto a Welcome princes of Hell preparan el camino para la apoteosis final que es Come to the Sabbath, el festín final de esta obra forjada en las herrerías del infierno.
Don’t break the oath es, en definitiva, un trabajo perfecto y fundamental para lo que vino después, pues no sólo influyó en su propio estilo, sino que también sirvió de base para las posteriores oleadas de metal extremo que se gestaron a fines de los ochenta y principios de los noventa.

Helloween – The time of the oath
País: Helloween
Año: 1996
Estilo: Power metal
Sitio oficial
Valoración: Altamente recomendado

Time of the oath, por su parte, aparece en otro contexto. Años después de que Helloween crease el power metal con los dos Keepers, la banda alemana volvería con nuevo vocalista y un sonido algo distinto. El resultado fue Master of the rings, un buen trabajo que reencaminaría a los germanos después del desastre que significaron Pink bubbles go ape y Chameleon. Sin embargo, Master… estaba lejos de ser un disco redondo, faltaba fiato y así como tenía grandes momentos, se caía en otros. Habría que esperar a este The time of the oath, álbum de 1996 que me gusta catalogar como el tercer Keeper de Helloween porque es sin duda alguna, el único álbum en que logran con éxito recuperar el tan codiciado sonido de esa era (es cosa de ver a los cientos de clones que por años han querido sacar algo al nivel de esos dos discos legendarios). Que no se me malinterprete, Helloween tiene muchos otros discos de gran nivel, pero con Deris el sonido y la dirección son otros y sólo con The time… continuaron realmente la senda de los keepers.
El disco parte a gran nivel con la increíble We burn, para seguir con Steel tormentor, un corte de power metal bien ejecutado y veloz que marca uno de los puntos más altos del disco. Wake up the mountain desaparece un poco después de semejante pieza y se desvanece definitivamente cuando cede su lugar a Power, que desde que comienza sabes que estás en presencia de un clásico. Con Power, Weikath da una clase magistral de cómo se crea un himno.
Las revoluciones bajan con la primera balada del disco, la hermosa Forever and one, para volver a la carga con la poderosa Before the war, otro de los grandes momentos del álbum. A million to one y Kings will be Kings continúan entregando la necesaria dosis de power metal teutón, mientras que Anything my mama don’t like rescata la vena más happy del Helloween de los keepers. Hacia el final, otra balada, If i knew, que en mi opinión está casi al nivel de la mítica A tale that wasn’t right; y dos temas extensos, la mecánica y fría Mission motherland, y el tema homónimo que cierra el álbum como corresponde.
Mientras que Master of the rings reubicó a Helloween en el panorama musical de mediados de los noventa, The time of the oath demostró que podían crear un disco superlativo, sin tener que plagiarse a sí mismos intentando en vano repetir los keepers. Aunque claro, esta placa sólo ocuparía su trono durante dos años, momento en que los alemanes publicaron su obra más perfecta y madura, Better than raw, aunque eso ya es otra historia.

Mario Benedetti (1920-2009)

2009-05-18T00:11:00.013-04:00

"El primer muerto ha sido un poeta
se vio escapar un pájaro de su herida."

Vicente Huidobro.

Ataraxia - Oil on canvas

2009-05-09T00:35:00.017-04:00

Ataraxia – Oil on Canvas
País: Italia
Año: 2008
Estilo: Neofolk (ritual, ambient, neoclásico)
Sitio oficial
Valoración: Altamente recomendado

Algo tarde, pero por fin llegó a mis manos lo último de Ataraxia, el recopilatorio Oil on Canvas, aparecido a fines del año pasado, justo a inicios de la famosa crisis, cuando el valor de cambio del dólar se disparó y simplemente me fue imposible preordenar mi copia.
Oil on Canvas es un álbum recopilatorio con una edición mimada y que es una verdadera delicia para los seguidores de la banda. Compuesto por un cd que recopila doce temas de sus trabajos anteriores e incorpora dos nuevas piezas inéditas, junto a un libro de poemas escritos por Francesca, todo ello presentado en una elegante caja azul piedra (y que, aprovecho de hacer mi descargo, es mucho más firme que la cajita en que venía el Arcana Eco, el "predecesor" de Oil on Canvas).

De la música.
Si alguien nunca ha escuchado a la banda, la recopilación es notable, pues hace un recorrido por toda la historia de Ataraxia, desde el primigenio Nosce te Ipsum, hasta el último Kremasta nera.
Entre la selección de temas, debo destacar la presencia de dos del álbum solista de Vittorio Vandelli, A day of warm rain in heaven, disco de 2004 que sigue una línea similar a la vena más neoclásica de Ataraxia, calzando perfecto con el espíritu de la compilación. Se incluye también La reine des hommes au yeux verts, proveniente de ese extraño disco que es Paris Spleen, pero que es quizás uno de los cortes más afines con el sonido característico de los italianos y por eso tiene perfecta cabida en Oil....
Ahora bien, dentro de mis favoritos no puedo dejar de mencionar Daytia, de mi querido Lost Atlantis, y Mon ame sorcière, del fabuloso Sueños.
La guinda de la torta la ponen Temenos y Rashan, los dos temas inéditos que se incluyen en la recopilación. Temenos es una pieza llena de pasión e intensidad, tan solo escúchenla con calma y déjense llevar por la fuerza que Ataraxia imprimió en ese corte; Rashan en cambio suena mucho más parecido a algunos pasajes de Kremasta nera, muy pagano y ritual, en una forma arcana de poner fin al disco.

Del libro.
Dividido en tres partes, los poemas de Francesca Nicoli acompañan una serie de fotografías temáticas a cargo de distintos artistas. Además, cada poema está pertinentemente traducido al francés, inglés, portugués, alemán y, evidentemente, al español.
La primera serie de fotos es I am a tear the sun let fall, la cual gira en torno a casas abandonadas y la decadencia que se respira en semejantes lugares; luego, Le souffle animé, que recorre un extenso jardín habitado por esculturas que representan a personajes del carnaval de Venecia; por último, Oro, es un recorrido visual por uno de los temas favoritos de la banda, su interés en su herencia mediterránea.

Algunas palabras finales.
Oil on Canvas es un trabajo precioso, hecho con primor y muy cuidado en sus detalles. Sin embargo, no deja de ser una compilación con la consiguiente falta de sorpresas que ello conlleva. Para los fanáticos, lo más valioso de Oil... es el cuidado libro de poemas y los dos temas inéditos que afortunadamente están a la altura de la ocasión; para los no iniciados, el disco es una buena manera de conocer el sonido de la banda, aún más sin consideramos que vienen temas de sus primeros trabajos que son dificilísimos de encontrar.

Un paseo por los alrededores

2009-04-30T00:38:00.011-04:00

Hace tiempo que no posteaba aquí. No había podido por motivos académicos, pero por fin tengo ese tema resuelto así que me pasé los últimos días en Llo-lleo, descansando con mis viejos. Tenía ganas de recorrer Santo Domingo a pie, pero al final todo se redujo a sólo pasear cerca de mi casa, lo cual, en todo caso, nunca ha sido un mal trayecto.
Vivo en un cerro y hasta hace unos años solo una parte del mismo estaba habitado, pero con el paso del tiempo se ha ido llenando de casas donde antes era sitio eriazo. Sin embargo, una ladera sigue intacta y ahí es donde generalmente termino llegando cada vez que salgo a caminar.

Los gorriones posando para la cámara

Como esta saqué varias fotos, lamentablemente en todas aparecía basura en el suelo. Al menos cuando yo iba a tomar ahí me llevaba las botellas, gente weona cochina :/

El atardecer sobre el Maipo

El siguiente poema refleja bien mi actitud sobre este reencuentro con los viejos paisajes, pues no se trata únicamente de recorrer los caminos ya transitados, sino de conectarse nuevamente con ellos. No somos seres que vivan aislados de su entorno, sino que somos parte del mismo. Regresar al hogar no es solo volver a ver a la familia, es también re-unirse con la naturaleza.

Regreso (de Edith Södergran)

Los árboles de mi infancia se yerguen jubilosos en torno a mí:
¡oh, humanidad!
y la hierba me da la bienvenida al regreso de países lejanos.
Apoyo la cabeza en la hierba: por fin en casa.
Ahora vuelvo la espalda a todo lo que he dejado atrás:
el bosque y la playa y el lago serán mis únicos compañeros.
Ahora bebo sabiduría de la jugosa copa de los abetos,
ahora bebo verdad del tronco seco del abedul,
ahora bebo poder de la más pequeña y delgada brizna de hierba:
un poderoso protector me tiende misericordioso la mano.

Landet som icke är, 1925.

Ilustraciones Enciclopedia Estudiantil Codex - 1

2009-02-15T20:50:00.016-03:00

En la década de los sesenta, cuando mi madre era todavía una bambina, mi abuelo fue coleccionando una enciclopedia semanal que era la versión en español de una edición originalmente publicada en Italia por Fratelli fabbri editori. Evidentemente, esa colección terminó por quedarse en mi casa, siendo de gran utilidad para las tareas del colegio en una época donde no existía la internet.
Ahora bien, lo que más me gustaba de dicha enciclopedia eran sus ilustraciones, y obviamente, mis preferidas eran aquellas que aparecían en los artículos históricos. Es por eso que me decidí a escanearlas como una forma de preservarlas. A tal efecto, mi intención inicial era escanear los números completos, sin embargo el tamaño de la hoja excede al de mi escáner por lo que intentar escanear todas las páginas requiriría más tiempo del que puedo destinarle a dicha tarea. De ese modo, decidí únicamente digitalizar las ilustraciones, que en todo caso son lo más interesante, pues la información en sí es fácilmente encontrable en diversos sitios de internet, como la omnipresente wikipedia.

El fin de la guerra yugurtina (Enciclopedia número 162, 25 de junio de 1964). El rey númida Yugurta, luego de ser traicionado por su suegro Boco, es emboscado y capturado. Morirá de frío y hambre en su cautiverio un año después (105 AC).

Vercingetorix y César (Enciclopedia número 180, 29 de octubre de 1964). El caudillo galo, derrotado y hecho prisionero tras el sitio de Alesia, entrega a César la espada en señal de rendición (52 AC).

Julio César cruza el Rubicón (Enciclopedia número 180, 29 de octubre de 1964). Mientras César combatía en las Galias, Craso había muerto, y Pompeyo, nombrado cónsul único, se había convertido prácticamente en dueño y señor de Roma. A éste le preocupaba la creciente popularidad de César: por tanto, cuando venció el período de su cargo como gobernador le ordenó que regresara a Roma. César descendió a Italia y se detuvo en Ravena. Pero cuando se acercaba a Roma, recibió órdenes de presentarse solo; César se negó y, seguido por sus tropas, cruzó el Rubicón, que en aquel entonces marcaba los límites entre la Galia Cisalpina e Italia.
Se dice que al cruzar el río, César habría pronunciado la célebre frase alea iacta est ("la suerte está echada"). Había comenzado la segunda guerra civil de Roma.

Julio César y Tolomeo (número por confirmar, no lo tengo aquí). Egipto estaba en guerra civil y los consejeros de Tolomeo creyeron que entregándole la cabeza de Pompeyo, César, agradecido, apoyaría su bando (47 AC).

Los conjurados atacan a César (Enciclopedia número 180, 29 de octubre de 1964).En los idus de marzo del 45 AC, César es asesinado por los conjurados. Pronto se formaría un nuevo triunvirato y, tiempo después, estallaría una nueva guerra civil.

Eso por ahora, con el tiempo caerán más ilustraciones :D

Cine épico: La ira de Aquiles

2009-02-03T16:39:00.011-03:00

La ira de Aquiles (originalmente L'ira di Achille) es un viejo peplum italiano de 1962 que vi por primera vez allá a principios de los noventas cuando por los canales nacionales aún desfilaban las antiguas películas de griegos y romanos en la programación de las tardes. La cinta está protagonizada por una de las glorias del género, Gordon Mitchell, y donde se narran los sucesos que rodearon el episodio más famoso de la Guerra de Troya: la agria disputa entre Aquiles y Agamenón y las fatídicas consecuencias que de ello derivaron.

"La ira..." comienza con nuestros héroes aqueos, Agamenón, Odiseo, Patroclo y, por supuesto, el todopoderoso Aquiles, encabezando una carga de caballería contra los muros de una ciudad. Sin mayores explicaciones de como lograron atravesar las defensas sin ningún arma de asedio, la acción se traslada rápidamente al reparto del botín y, especialmente, al de las esclavas personales para cada rey. Es ahí donde Agamenón elige a Criseida, hija de Crise sacerdote de Apolo; Aquiles a Briseida, y Patroclo a Xenia.
Mientras tanto, en Troya, Héctor arenga a los nobles y los convence de atacar el campamento griego aprovechando que Aquiles y los demás se encuentran lejos. Esta escaramuza sirve para plantearnos el fatalismo con el que conviven los héroes en esta guerra. Héctor sabe las palabras del oráculo de que morirá en manos de Aquiles y así Troya caerá, es por eso que le tiene tanto miedo y rehuye de él, pero al mismo tiempo sabe que debe defender su tierra, pues ese es su deber. A su vez, Aquiles también es conciente de que matará a Héctor, pero que al hacerlo él morirá después, pues así también lo predijo el oráculo.
Ambos héroes saben entonces cual será su destino final y lo aguardan, Héctor con tristeza; Aquiles con amargura, y es Agamenón quien pone en marcha la profecía al humillar a Aquiles y exigirle que cargue con el peso de sus malas decisiones. El hijo de Peleo, lleno de rencor, se retira de la guerra y permite que los troyanos ataquen y derroten a los griegos que sin él no son rivales para los hombres encabezados por Héctor. Patroclo, compañero de armas del rey de Ftía, decide usar su armadura y, vestido como su mejor amigo, sale a la batalla cambiando la suerte de los griegos a su favor. Al verlo, Héctor acepta que este es el momento en que de una vez por todas debe enfrentarse a Aquiles y lo desafía, sin saber que se enfrenta a Patroclo. El resto es historia conocida, pues es ese duelo entre el príncipe troyano y Patroclo el que desatará la terrible ira de Aquiles.

Lo interesante de esta película es que a pesar de sus notorios problemas (partiendo por el evidente bajo presupuesto), logra elevarse por sobre ellos y ser una película entretenida con momentos especialmente dramáticos. El diálogo entre Patroclo y Héctor; la amarga conversación de Aquiles con Briseida en la que le revela que él, el más grande héroe griego, no tiene ninguna esperanza de sobrevivir a la guerra, o la discusión de Aquiles con Agamenón, son realmente dramáticos. Y mientras Gordon Mitchell puede ser acusado de cualquier cosa, partiendo de que como actor no era ninguna maravilla, su interpretación de Aquiles es correcta y no cae en el absurdo de hacer poses en cada toma como sí lo hizo Brad Pitt en Troya (2004) que sólo mostró sus músculos durante toda la película.
A destacar también la fidelidad hacia la Ilíada. Casi todas las situaciones calzan con el relato homérico, mientras que las licencias son pocas y no desmerecen el resultado final. Nuevamente comparemos con la versión de Wolfgang Petersen, donde el relato fue profundamente modificado para lograr más golpes de efecto (qué mejor ejemplo de ello es la muerte de Agamenón hacia el final de la película, situación que nunca ocurrió en Troya, pues el rey de Micenas muere una vez terminada la guerra y ya en su hogar).
Sin embargo, sí hay un punto en que la versión hollywoodense me gusta más: su trato al personaje de Héctor, retratándolo como un noble enemigo que acepta su rol en una guerra que le es ingrata y elevándolo casi al mismo nivel que Aquiles, pues de hecho se trata de su contraparte en el conflicto. En "La ira...", Héctor nunca deja de ser un personaje secundario y la película se centra mucho más en Aquiles y en su amistad con Patroclo que en su rivalidad con Héctor.

En el balance final, "Troya" se ve ampliamente beneficiada por efectos y recursos superiores y en lo dramático, por un Héctor muy bien logrado, pero en general es una película épica mediocre para los estándares contemporáneos. Por su parte, "La ira de Aquiles" es todo lo contrario, pues es una gran película si la medimos frente a otras cintas de su menospreciado género, relatando una buena historia fiel a la Ilíada, a pesar de los defectos propios de todo peplum.

El ataque troyano al campamento griego, frustrado por el bravo Aquiles

Clip de Troya con Kingdom of fearless de Virgin steele de fondo

Acerca de no comprar en Navidad

2008-12-18T23:18:00.009-03:00

¿Por qué no pensar fuera de la caja?

Quedan pocos días para Navidad y, como todos los años, las masas de gente buscando frenéticamente regalos para sus seres queridos se agolpan en cualquier tienda que les sea propicia para tal fin.
Es un cuadro que nos resulta conocido, todos alguna vez hemos experimentado la angustia de no saber qué regalar o, en otros casos, la adrenalina de estar comprando. En época navideña esas experiencias se multiplican por millares con toda una sociedad angustiada, excitada, frenética, preocupada y anhelante de objetos materiales.
Ese consumismo nos viene alentado por todos los aspectos de nuestra sociedad, especialmente por la influyente publicidad que nos dice, a veces con sutileza, a veces casi de manera grosera, que nuestra felicidad depende de los productos que adquirimos. Y es así como vamos a comprarnos cosas y como para cada fecha comercial nos sentimos obligados a satisfacer a los demás del modo que mejor conocemos: comprándoles algo. Navidad es la cúspide de esa vorágine.

"Jamás consideres feliz a nadie que dependa de la felicidad porque el gozo que ha entrado volverá a salir", señala Séneca. Los estoicos intentaban ser dueños de sí, lograr el autocontrol absoluto donde pudiesen ser capaces de ignorar las pasiones que despreciaban. Lograr encerrarse en su autarquía los haría no necesitar nada.

Sin embargo, bien sabemos que en la práctica, despreciar todo deseo es muy difícil, por no decir imposible. Así que simplemente intentemos controlar esa ansia de consumo desatado y aprendamos a ser felices con poco, a vivir bien en la austeridad. De este modo, lo importante no es conformarse con poco, sino poder hacerlo.
¿Entonces qué hacemos en Navidad? Vamos, que no es tan difícil. Una sonrisa, un abrazo, una comida casera, un dibujo o una artesanía, incluso regalar lo que ya no usamos, cualquier cosa sirve. Comprar no es la única opción.

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Para mayor referencia sobre una Navidad no consumista, visiten este sitio (english warning): Buy nothing christmas y sobretodo revisen su catálogo de regalos que cuestan nada :D

Los mejores discos del 2008

2008-12-13T00:55:00.057-03:00

Ya queda poco para el fin de este año así que corresponde hacer un breve repaso a los discos que más me gustaron de este año. No me quise atar a un solo estilo, pues escucho varios y no tendría demasiado sentido excluir algunos sólo por querer armar un listado homogéneo. Tampoco pretende ser esta una lista perfecta, pues hay muchos discos que tengo ahí a la espera de ser escuchados y quizás recién el 2009 me de cuenta que faltaron en este recuento.
Así que, sin ningún orden en particular, vamos con la lista:

Mar de grises - Draining the waterheart
Doom

Hace un par de años, esta banda santiaguina sacó su primer disco The tatterdemalion express, un trabajo que a pesar de ser un buen disco, la verdad nunca me llegó a convencer íntegramente y me dejó la sensación de que más valía esperar por su evolución. Dicha evolución es este Draining the waterheart, un trabajo enorme que supera largamente a su primera obra y donde Mar de grises logra un sonido realmente propio, muy pesado, pero también etéreo, destacándose precisamente ese último aspecto, el de las atmósferas que logran componer a lo largo de cada uno de sus temas.

Falls of Rauros - Hail wind and hewn oak
Black/Folk

Siguiendo una línea musical que en los últimos años ha ido creciendo cada vez más, es que nos encontramos con Falls of Rauros y esta mezcla de black y folk que da paso a un sonido sacado de los bosques, la montaña y, como es obvio, de la soledad del hombre en esos entornos. El sonido es crudo, la producción es descuidada como si se tratara de un demo, pero esa es la idea, si sonaran demasiado producidos se perdería la mística que pretenden imponer a su música.

Paavoharju - Laulu laakson kukista
Folk/Experimental

Una de los hallazgos más gratos del año. Estos finlandeses tocan un pop-folk altamente experimental e innovador que en cada escucha te ofrece algo nuevo. Evidentemente, si eres de los que gustan de la música fácil de digerir y bien ganchera, Paavoharju sólo te impacientará y quizás hasta te aburra, pero para los que nos gusta la experimentación y las sonoridades complejas, de esas que requieren varias escuchas para poder captarlas en toda su dimensión, Paavoharju es un verdadero placer.
Y ojo con estas bandas finlandesas, su idioma es un gran obstáculo (por lo menos para aquellas que se deciden a cantar en suomi en vez de inglés), pero hay grandes bandas y música de gran calidad. De hecho, si no es por el blog de Doomster, jamás habría llegado a conocer a Paavoharju y otro puñado de bandas de ese país.

Russian circles - Station
Post rock

No soy muy conocedor del post-rock, de hecho recién con esta banda comencé a escuchar ese estilo y resulta que fue el mejor comienzo posible, pues Russian circles se anotó con uno de los discos más sólidos del año. Alternando entre temas muy rockeros y adrenalínicos con otros más pausados y tranquilos, Station es una obra casi perfecta. Youngblood es un temazo.

Forefather - Steadfast
Pagan/Black

Estos ingleses se tomaron su tiempo para volver a la carga, pero vaya que valió la pena. Luego de Ours is the kingdom de 2004, parecía difícil que pudiesen sacar un nuevo disco con la misma calidad sin tener que repetirse, pero lo lograron. Steadfast es majestuoso y épico, manteniendo ese sonido ya característico de la banda en que mezclan las voces guturales con las limpias y en que cada tema bordea la perfección. No hay temas de relleno y para mí, este es el mejor disco del año.

Les fragments de la nuit - Musique du crépuscule
Neoclásico

El sello Equilibrium records se caracteriza por sacar poco, pero bueno. Desde el split de Ataraxia/Autunna et sa rose hasta los debuts de Hexperos y Poets to their beloved, todo lo que saca este sello portugués es de alto nivel.
Les fragments de la nuit son un grupo francés que, a lo largo de 16 temas, da vida a uno de los discos más emotivos y evocadores del año. Imperdible.

Falconer - Among thieves and beggars
Power metal

La banda sueca regresa con un nuevo disco de power metal, nuevamente con el gran Mathias Blad en las voces. Among thieves... tiene los ya clásicos ingredientes de un album de Falconer, esto es, un power metal con influencias folk y viking (pues no en vano Falconer nace de las cenizas de los gloriosos Mithotyn), sin caer en la desagradable pomposidad que ha afectado a otras bandas como Rhapsody o los caídos en desgracia Blind guardian. Falconer no se deja llevar por los clichés de espadas y dragones, entregando al final un trabajo sobrio y poderoso que califica entre lo mejor del año en cuanto a power metal.

Le luci della centrale elettrica - Canzoni da spiaggia deturpata
Rock alternativo

No podía no incluir en la lista algo salido de la península itálica. Le luci della centrale elettrica es el avatar musical de Vasco Brodi, un joven cantautor oriundo de Ferrara que luego de su disco autoproducido de 2007, saca este Canzoni... (traducible como "Canciones de una playa desolada"), un disco lleno de fuerza en el que Brodi canta sobre su generación y sobre su país, haciéndolo de una forma visceral que impresiona desde la primera escucha.
Nuevamente, la barrera del idioma es difícil de superar, pero tras ese velo se esconde una joya de desesperación, nostalgia y decepción.

Recondita stirpe - Nessuna letargia
Neofolk

Neofolk italiano de la mano de Diego Bachero (ver también su proyecto Egida aurea). En un género que lentamente comienza a dar signos de saturación, con incontables bandas fusionando los sonidos de su tierra con los contemporáneos ya no se puede llegar y componer, pues el riesgo de no aportar nada nuevo y pasar desapercibido es alto. En ese sentido, Recondita stirpe se destaca con temas increíblemente bien hechos que gustan a la primera escucha, llenos de un sonido nostálgico y decadente. Aparte, me encanta la voz de Carolina Cecchinato, es como si hubiese nacido para este estilo.

Van Canto - Hero
Power metal a cappella

La primera vez que escuche este disco mi reacción fue un "Ok, el siguiente." Y ahí quedo por un par de días hasta que los volví a escuchar hace un par de días -quizás mucho más calmado y atento a la música que la primera vez- y ahí fue un "Guau". Desde entonces no he parado de oír a este sexteto alemán donde dos cantan, uno toca la batería y otros tres imitan la guitarra y el bajo con sus voces. El resultado es original, los covers están muy bien hechos y los temas propios suenan muy bien. La verdad, en un año donde el power metal quedó en deuda, Hero es una buena señal que me hace pensar que este sólo fue un mal año para el género, pero que vienen mejores.
El cover a Kings of metal es grandioso y como fiel seguidor de Manowar puedo decir que captura toda la esencia de la banda más true del planeta.

Otras escuchas interesantes:
Stormwarrior - Heading northe. Power metal a la Helloween.
Jupiter Society - First contact - Last warning. Rock progresivo "cósmico".
Arcana - Raspail. Dark ambient, neofolk.
Firewind - The premonition. Power metal gringo.
Grand magus - Iron will. Doom imperdible para los fans del Dio de Holy diver.
Amon Amarth - Twilight of the thunder God. Death melódico vikingo.
Esoteric - The maniacal vale. Funeral doom.
Cult of Luna - Eternal Kingdom. Sludge.
Stoa - Silmand. Dark ambient.
Cor scorpii - Monument. Black/Viking de los ex-integrantes de Windir.
Crystalmoors - Antiqvam exqvirite matrem. Más Black/Folk/Viking... a estas alturas ya estoy hecho un lío con los tags para estos grupos xD
Jorn - Lonely are the brave. Hard rock
Avantasia - The scarecrow. Rock/Power metal
Folkstone - Folkstone. Metal medieval en italiano.
Shels - Sea of the dying dhow. Post rock
Into eternity - The incurable tragedy. Power metal extremo
Alkemyst - Through painful lanes. Power metal progresivo (mención honrosa al mejor cover de Helloween del año xD).

Y estoy seguro que hay hartos más que estoy olvidando, pero ya tendré tiempo de corregir ese error en otros posts.

Los nazis y el pasado mítico

2008-11-11T02:32:00.002-03:00

I. La historia

En las últimas semanas estuve ocupando mis ratos de ocio en la lectura de El plan maestro de Heather Pringle, un libro editado a principios de este año por Editorial Sudamericana. En él, la autora realiza una investigación detallada de uno de los aspectos más llamativos del nazismo: su fascinación por su pasado y el horror a que ello condujo.
El plan maestro gira en torno a la historia de la Ahnenerbe, la organización nazi dedicada a proveer de soporte científico a las ideas raciales del Reich, y a su principal gestor, Heinrich Himmler.
Himmler era hijo de un profesor y pasó su niñez encandilado por las fabulosas historias del pasado mítico que su padre le contaba, esas de Sigfrido y los nibelungos, la de Thor y su martillo, la de guerreros fieros que iban al campo de batalla buscando la muerte para ganar así su entrada al Valhalla. Fascinado, Himmler terminó por persuadirse de que tales historias eran ciertas y fue concibiendo lentamente la idea de recuperar la vieja vida de las tribus germánicas, perdida a causa de la voraz modernidad. Quería recuperar para Alemania la forma de vida de sus antepasados, el problema fue que en el camino terminó no solo convencido de esas historias de leyenda sino que también las mezcló con el peligroso discurso racial de la época e influyó en que toda Alemania también se convenciera de ello.
Es así como Himmler crea la Ahnenerbe con el objeto de respaldar sus ideas sobre la supremacía de la raza aria y de la necesidad de exterminar a la “raza” judía. La Ahnenerbe nace como intento de hacer verdad las viejas leyendas y para ello Himmler reunió bajo su alero a científicos alemanes de todas las áreas: arqueólogos, geólogos, botánicos, zoólogos, médicos, etcétera, los cuales dieron rienda suelta a sus ideas y crearon ciencia a partir de la ficción.
En este punto debo admitir que, en un principio, uno incluso siente simpatía por algunos de estos personajes y sus teorías sobre imaginarios imperios arios desaparecidos hace miles de años. Personajes como Karl-Maria Wiligut, un viejo soldado austríaco que se jactaba de descender del mismísimo Thor y que afirmaba poder canalizar el conocimiento de sus pasados arios, o Ernst Schäfer; el aventurero que disfrutaba de la vida en la naturaleza y que organizó una expedición al Tíbet; teorías descabelladas como la de una raza aria cuasidivina originada en el frío norte europeo y que a partir de ahí se propagó por el mundo, llegando al Tibet, la India o incluso a Bolivia donde habrían fundado Tiwanaku, ¡todo ello hace un millón de años!
Sin embargo, en el libro podemos distinguir dos partes. La primera, de la preguerra en que aparecen todos estos sujetos, sus viajes de exploración, sus intentos de convencer a la comunidad internacional de que los arios eran la raza creadora de la civilización en todo el mundo; la segunda, mucho más terrible, la del rol de la Ahnenerbe durante la guerra y de los crímenes que auspició.
En efecto, es durante el conflicto mundial que la Ahnenerbe muestra su cara más horrenda, promoviendo el expolio de los tesoros arqueológicos de los países invadidos y organizando los terribles experimentos en humanos realizados en los campos de concentración.
El término de la guerra y la derrota alemana traería consigo el fin de Himmler y de la organización que había creado, así como el final de los delirios nazis sobre ficticios reinos arios, sobre encantamientos olvidados y armas del pasado que podrían haber hecho ganar la guerra.

Quizás lo único raro que le encuentro a El plan maestro es cómo cambió mi actitud hacia él a medida que avanzaba en su lectura. Me explico, ya señalé que hay dos partes claramente distinguibles, la de preguerra y la de la guerra en sí. El relato de la preguerra lo devoré en pocos días, entusiasmado con las teorías disparatadas que inventaban, con las expediciones que organizaron, con la búsqueda de conjuros mágicos y restos arqueológicos. Sin embargo, cuando empieza la guerra, y con ella los crímenes, inmediatamente el libro se me volvió menos interesante, acaso porque ya no era un relato teñido de romanticismo, sino que se había vuelto mucho más crudo a la luz de la guerra. Ya no estaba leyendo las historias de nazis “aventureros”, sino la de criminales, la de científicos que experimentaban en seres humanos y la de académicos que rapiñaban las obras culturales de las regiones sometidas.

De todos modos, el libro es impecable y la autora sabe narrar los crímenes sin volver morboso el relato. Tampoco se detiene en las historias de ocultismo que con los años se fueron tejiendo en torno al régimen nazi, lo suyo es relatar los hechos documentados sin caer en teorías de la conspiración ni nada por el estilo y eso se agradece, pues al final nos presenta una crónica honesta de lo que realmente sucedió, las especulaciones quedan a cargo de la ficción. Altamente recomendado.

II. La ficción

Y así como el libro comentado se ciñe a los hechos tal como ocurrieron, también tenemos todo ese universo de teorías y ficciones que se ha construido en torno a los nazis. Desde las aventuras de Indiana Jones hasta los comics de Hellboy, el ocultismo nazi ha sido fuente de inspiración para muchas historias.
Una de esas historias es el comic The life eaters, escrito por David Brin y dibujado por Scott Hampton, publicado en 2003 por Wildstorm.
The life eaters nos ubica en un mundo alternativo donde los nazis no sólo fueron capaces de recrear tiempos pasados, sino que fueron mucho más allá de eso, logrando invocar a los dioses nórdicos para combatieran de su parte. El resultado es de esperarse, con Thor, Odín, Tyr y las valkirias luchando por ellos, los nazis no conocen rivales y el desembarco en Normandía se transforma en una carnicería para los aliados.
El primer capítulo comienza en la década de los sesenta, cuando los aliados lanzan su último y desesperado ataque al corazón de la Europa nazi, enviando a toda la flota a una muerte segura sólo para distraer a los Aesires y lograr que un grupo reducido de hombres, acompañados de Loki, el Aesir renegado que ayuda a los aliados, pueda desembarcar a salvo para cumplir una misión suicida.
El resto de la historia transcurre en la actualidad, cuando la guerra se ha extendido a todo el globo. Es ahí donde Brin explora qué sucede con las demás naciones cuando descubren que lo que hicieron los nazis ellos pueden repetirlo con sus propias deidades. Así, mientras la guerra se vuelve eterna y el desenfreno humano por lograr la victoria definitiva da paso a aberraciones a escala mundial, quedan muy pocos que están dispuestos a renunciar al desquiciado poder de estas armas divinas.

Lo malo de The life eaters es que pudo ser más, pero en el camino se extravió. Si bien se trata de un buen comic, es preciso advertir que genera más expectativas de las que logra cumplir, pues luego de un gran primer capítulo, Brin se entrega a un discurso moralista y a veces algo burdo (ver la parte en que los líderes monoteístas hablan) donde el relato se vuelve lento y poco interesante. The life eaters no es un comic de guerra, es un comic sobre cómo la guerra y la religión nos pueden deshumanizar y sacar lo peor de nosotros y supongo que así tiene que ser abordado porque si, por el contrario, lo que buscamos en él son acción y épicas batallas, pues la decepción será inevitable. Por el planteo inicial y por el arte: recomendado.

Ianva - Disobbedisco!

2008-11-02T19:24:00.013-03:00

Ianva - Disobbedisco!
País: Italia
Año: 2006
Estilo: Folk noir
Sitio oficial
Valoración: Imprescindible (5 de 5)

Hace tiempo que quería hablar de esta banda italiana que desde 2006 viene sonando con regularidad en mi reproductor. Ianva son un proyecto genovés reunidos en torno a la idea de hacer una música que bebe del pasado reciente, sin hacer concesiones a la modernidad, e inspirada en los conceptos de dignidad, coraje y pasión. El resultado de esta propuesta es un neofolk que suena a antiguo, pues no en vano Ianva está influenciada tanto por la música tradicional italiana como por los sonidos sesenteros y setenteros venidos de la península.
Disobbedisco! es su album debut, una pieza notable que mezcla el folk noir con el cabaret, la chanson francesa y algo de martial, engendrando un disco conceptual que narra la historia del amor imposible entre el Mayor Renzi, oficial de los arditos, y la espía del enemigo Elettra Stavros, amor que surge en medio de la ocupación de la ciudad de Fiume justo después del final de la Primera Guerra Mundial.
El disco está cantado totalmente en italiano lo cual le da un agregado especial, pues no han optado por la vía fácil de cantar en inglés en pos de llegar a un mayor público. El que logre superar la barrera del idioma se encontrará con algunas letras que son sencillamente soberbias (qué mejor ejemplo que el Tango della menade). Después de escucharlo íntegramente queda claro que esta música debe ser cantada en italiano y no en otra lengua, mucho menos en el frió inglés.
En cuanto a los temas que lo componen, destaco especialmente el Tango della menade, una de las canciones más sensuales y apasionadas que he escuchado, y Vittoria mutilata, un tema lleno del pesar y desilución que acompañan a toda guerra. Una de sus estrofas no puede ser más ilustrativa:

Appena il tempo di vedere la
realtá
Brucia una generazione
Appena liquidata un'autoritá
Ecco un nuovo padrone
Con questo suicidio d'una civiltá
Nello scempio e nell'orrore

(Apenas con tiempo de ver
la realidad
Se quema una generación
Apenas eliminada una autoridad
He aquí un nuevo patrón
Con este suicidio de una civilización
En la masacre y el horror)

Hacia el final somos testigos de como la ocupación de Fiume acaba de la peor manera para los arditos, mientras que Renzi y Elettra, concientes de que el amor entre ellos no puede mantenerse, deciden separarse bajo la promesa de reencontrarse en el futuro.
Mención aparte merece el tema final, una versión de O' surdato 'nnammurato, una canción tradicional napolitana, aunque aquí no es cantada en dialecto.

Ataraxia - Kremasta nera

2008-10-07T00:33:00.008-04:00

Ataraxia – Kremasta nera
País: Italia
Año: 2007
Estilo: Neofolk (étnico, ritual, ambient)
Sitio oficial
Valoración: Imprescindible (5 de 5)

El último disco de Ataraxia antes del cada vez más cercano Oil on canvas (recopilatorio que saldrá a la venta el próximo mes) es esta pieza de arte pagano llamado Kremasta nera. Inspirados en una época pre-homérica, cuando en la isla de Samotracia se practicaba un culto a la triple Diosa Blanca de la tierra, la noche y el ciclo de la naturaleza, una época donde todavía existía un balance entre poder masculino y femenino y donde los hombres vivían más conectados, casi enraizados, con la tierra.
Kremasta nera es un disco especial, su primera escucha me provocó un cierto resquemor ya que sus primeros dos temas no tienen el típico sonido de Ataraxia, sino que es mucho más arcano, misterioso y étnico. Sin embargo, la segunda y posteriores escuchas me fueron revelando ese mundo desaparecido que Ataraxia recrea en las catorce pistas que componen el trabajo. En efecto, The song of Axieros y The nine rituals parecen iniciarte en los misterios del culto, con su sonido místico y ritual, dando paso luego a Kremasta nera, un tema donde encontramos ese sonido dulce y tranquilo tan típico de Ataraxia dando forma a uno de los mejores momentos del disco, tanto por su sonido como por el poema que conforma su letra.
Ochram y Therma vuelven al sonido misterioso y pagano que inspira el disco; Fengari está inspirada en la montaña más alta de la isla así como Gria Vathra lo está en un claro donde las fuentes y el viento crean su propia melodía.
Tampoco puedo dejar de mencionar a los cortes finales, Wings (i had once) y La fame e la danza, que me parecen son el punto más alto y mágico de este trabajo. De hecho, el disco como tal parece terminar en Migratio animae, que representa el viaje y la peregrinación, la evolución hacia algo distinto y es justo después que se nos aparecen estos temas, como si fueran el fruto de todo ese viaje. A La fame e la danza le dediqué un post hace tiempo, impresionado por la belleza de la canción; es justo ahora que Wings (i had once) sea el tema que acompaña esta reseña.

Para cerrar, Kremasta nera es un disco casi perfecto, recomendado no sólo a aquellos que sigan a la banda o a la música ambient en general, sino también a aquellos que espiritualmente se encuentren cercanos a la naturaleza. Como diría Fernando Pessoa (en realidad, Ricardo Reis), se puede ser intelectualmente pagano en esta época, pero lamentablemente nuestra sensibilidad ya está cristianizada. Este disco puede ayudar a cambiar eso, aunque sea un poco.

El tranque de Leyda

2008-08-12T01:39:00.007-04:00

Uno de los tantos recuerdos que tengo de cabro chico es la costumbre que teníamos de ir a Santiago los fines de semana a perder el tiempo y a la vuelta regresarnos por Leyda, por ese camino sinuoso, rodeado de nada, sólo verde, algunos eucaliptus flanqueando la vía y el tranque, siempre lleno de agua, con una especie de colina que parecía una isla aunque en realidad no lo fuese (si mirabas el tranque desde otro lado veías que la colina estaba conectada por detrás con los otros cerros asi que más que isla era un brazo de tierra que entraba en el agua).
También recuerdo que era mi viejo el que siempre nos llamaba la atención al pasar por ahí, para que viésemos cuanta agua tenía porque él manejaba y no podía mirar fuera del camino.
Años después el tranque sigue ocupando un lugar dentro de mi memoria ya que cumple ese rol de anclarme en el pasado y recordar otra época, esa de las idas a Viña o Santiago casi todos los fines de semana, la de mis libros de romanos y las peleas con el joaco por cualquier tontera.

Sin embargo hace tiempo que el tranque ya no pasa tan lleno como antes o por lo menos esa sensación me da, de que cada vez es más una llanura ocasionalmente salpicada por charcos de agua y no el pequeño lago que recuerdo de niño.
Claro, llevo años viviendo en otra ciudad y hace mucho que con mi familia dejamos de hacer esos viajes dominicales así que ya casi nunca paso por ahí. Es por eso que este invierno, en que reconozco anduve particularmente nostálgico, aproveché de pegarme dos viajes allá, en ambas ocasiones justo después de una semana lluviosa en mi lovecraftiano puerto de origen.

Las fotos no son ninguna maravilla, pero dan cuenta de que efectivamente las cosas ya no son como antes.

Totalmente seco, con agua ese promontorio arbolado es la isla que mencionaba

Al otro lado del camino, por fin una masa de agua, y al centro de ella...

...el árbol del pantano

Un poco de vanidad, esta vez con cara de congoja

Estas últimas me gustan, justo a la hora del crepúsculo

De todos modos, me niego a aceptar que esté tan seco así que volveré, de puro picado, hasta que lo encuentre rebosante de agua. Palabra.

La fame e la danza

2008-07-30T01:17:00.012-04:00

Los veré entonces arrebatar alegrías
usurpan porque son tan crueles

Respiraré miles de muertes que no cuentan
respiraré miles de muertes

Me sumergiré en el abismo negado
y entonces perdido, perdido

Comprenderé las ardientes esferas de la oscuridad
las voraces esferas de la oscuridad

Bailaré delante de los poderosos,
de los esclavos, los bárbaros y los faraones
y veré llegar la Hambruna y la Danza
y la Justicia sobre un junco destrozado...

Traducción del poema de Mara Paltrinieri.

Vinterriket – Kaelte, schnee und eis – Rekapitulation der winterszeit

2008-07-12T22:01:00.007-04:00

Vinterriket – Kaelte, schnee und eis – Rekapitulation der winterszeit
País: Alemania
Año: 2007
Estilo: Ambient
Sitio oficial
Valoración: Recomendado

Hace un tiempo adquirí el maravilloso Lumikuuro de los rusos Kauan y, aprovechando el envío, encargué también el disco de Vinterriket que me ocupa en estos momentos.
Christoph Ziegler, también conocido como Vinterriket, es uno de esos artistas que me desconciertan. Musicalmente me encantan sus trabajos ambient, pero ese afán de presentar su música de forma tan dispersa y poco aprehensible la encuentro desconcertante. De hecho, da la impresión que no se puede ser un sello independiente sin sacar una versión alternativa de algún disco de Vinterriket, pero con una página distinta en el booklet y un final distinto en última canción.
Siguiendo esa dinámica de editarse en decenas de discos, algunos larga duración, pero la gran mayoría recopilatorios o EPs, es que me encontré con este, un disco de versiones de sus propios temas. Editado por Bad Moon Man, me hice de la versión en formato digipack limitada a 500 copias (insisto, como casi todo lo que Vinterriket saca) y que realmente tiene una presentación impecable, con un booklet lleno de fotografías impresionantes de montañas y bosques nevados. Cada página viene con párrafos escritos en alemán, idioma que no domino por lo que no puedo opinar sobre su contenido.
En cuanto a la música, como dije, se trata de versiones acústicas de temas que originalmente tenían un sonido mucho más black. Así, la angustiante Winterschatten se ve despojada de esos aullidos subliminales que tiene su encarnación original, siendo reemplazados por misteriosos susurros que serán una constante a lo largo del disco. A su vez, desaparece también la batería incesante en pos de un sonido más gélido y ambiental.
Me gustaría extenderme haciendo una comparación de cada canción con su versión primitiva, pero la tónica descrita anteriormente se repite en las pistas siguientes donde cada tema se ve pulido de su sonido black, mutando en una pieza llena de susurros, de sonidos de sintetizador, con baterías programadas marcando el ritmo pero sin acelerar y con el sonido del viento recorriendo el disco de principio a fin. ¿Repetitivo? Pues sí, Vinterriket no tiene miedo a copiarse a sí mismo y así lo demuestra, lanzando estos ocho temas en que las sonoridades invernales se iteran sin cesar.
Supongo que si no eres un fanático acérrimo de este sujeto, este disco y su falta de matices te puede dejar una mala impresión. En mi caso, después de escucharlo varias veces he llegado a comprenderlo y si antes interpretaba negativamente esta propuesta, argumentando que no me llegaba, que me resultaba demasiado cruda, ahora creo que se trata precisamente de eso, de cerrar tus ojos y sentir el frío que contagia a través de estos paisajes cubiertos de nieve convertidos en música.

Bauda/Leuku - Mares

2008-05-23T22:16:00.005-04:00

Bauda/Leuku - Mares
País: Chile
Año: 2007
Estilo: Dark ambient/Folk metal
Sitio oficial de Bauda
Valoración: Altamente recomendado

Mi última adquisición musical es este split, lanzado por el sello criollo Tyrannus records hace poco más de un año y en el cual nos encontramos con un interesante trabajo neofolk en el caso de Bauda, un estilo poco explorado por estos lares, mientras que por cuenta de Leuku nos encontramos con temas más en la onda folk metal.
Generalmente, con este tipo de música intento que la experiencia de escucharla sea lo más íntima y ritual posible, así que para mi primera escucha tomé el discman y partí hacia la playa, en una noche otoñal, algo fresca aunque no del todo helada. En ese recorrido comenzaron a sonar las primeras notas de este trabajo con Viaje, la bienvenida a la travesía sonora que es este disco y que da cuenta de inmediato de qué nos espera: un ambient melancólico fuertemente apoyado por sintetizadores e inspirado en nuestra tierra, en la inmensidad de la naturaleza. Basta escuchar Varado en tormenta para entender esta idea, evocando fuertes truenos sobre el mar rugiente la guitarra comienza su emotiva e intensa melodía, o en Viento sur, con su hipnótico canto que llega acompañado del helado viento austral.
No me puedo quejar, esperaba un trabajo así y no me defraudó. Sentado en las rocas, de cara al mar, la música de Bauda logró su cometido, evocar un sur de Chile tempestuoso y mágico. ¿Y Leuku? Reconozco que tenía todas mis fichas puestas en Bauda así que mi mente era tabula rasa para el sonido de Leuku, un folk metal mucho más intenso, poseedor de la épica que Bauda carece. Sólo cuatro temas, de los cuales rescato sobre todo Woods, el que más disfruté aparte de Mares, aunque este último debe mi predilección por tener muy poco de metal y tanto de ambient, que más parecía un tema de Bauda.
Otro aspecto que debo destacar como uno de los más positivos del trabajo es su presentación. El booklet del disco está muy bien logrado, desde la hermosa foto que adorna la carátula, hasta el sencillo arte del interior, de clara inspiración en la imaginería propia de Chiloé, que aparece acompañado de algunos versos escritos por Bauda. Y es que si hay algo que aprecia el coleccionista son estos detalles, que son los que en definitiva le dan valor agregado al cd original por sobre los fríos e insípidos mp3s.
En definitiva, si les gusta el neofolk, cómprenlo, pues no hay excusas para no hacerlo si más encima está barato, a sólo $5.000 (más gastos de envío si no son de Santiago como es mi caso) por todo ese trabajo que realmente merece la pena.

Helloween + Gamma ray: It's a heavy metal bomber!

2008-04-16T14:59:00.009-04:00

En la vida del fanboy difícilmente hay algo más apreciado que poder acercarse e interactuar con el objeto de su devoción. Así, mientras algunos soñarían con conocer a tal o cual escritor o encontrarse con algún deportista, encontramos un numeroso grupo que se precia de tener una banda favorita. Una banda a la cual le han perdonado todo, le han escuchado todo y por más que aparezca otra con un disco mejor, su banda favorita sigue ocupando el indiscutible lugar de preferencia.

Pues bien, me presento: hola, me llamo Esteban y son fanático de Helloween (“Holaaa Esteban”).

Hace diez años, poco antes del mundial de Francia 98 y en plena época del legendario rock y guitarras de Radio Concierto, un ahora extinto programa radial dedicado al metal tenía como leitmotiv del día a bandas que les gustara el fútbol. Así sonaron temas como Futureal del ignorado Maiden de Blaze Bailey y otros temas poco destacables, sin embargo, luego vendría un tal I can de unos alemanes llamados Helloween que por entonces sacaban su tercera placa con Andi Deris en las voces. Y yo escuchaba impactado, ya era fanático.

13 de abril de 2008. Helloween y Gamma ray juntos en una gira histórica tocan en suelo chileno. ¿Qué tiene de histórica? Simple, que Helloween y Gamma ray compartan escenario y gira mundial tiene el mismo valor simbólico que tendría haber visto a Deep purple y Rainbow haciendo algo similar. Y es que Kai Hansen no se había marchado en muy buenos términos de Helloween y durante años se forjó una sólida carrera en Gamma ray, mientras que Weikath trabajaba en la banda de la calabaza, sin que ninguno de los dos se acercara al otro. Por eso el concierto de anoche era especial, porque reunía a la banda primigenia con la de su antiguo líder. Y el concierto no defraudó. Los alemanes estuvieron soberbios, ofreciendo un sólido show por separado, pero cuando se subieron juntas al escenario a tocar dos clásicos ochenteros, Future world y I want out, el teatro simplemente se vino abajo.
Sin embargo, para mí la jornada no terminaría con el último acorde de I want out, en absoluto. Había logrado un cupo para conocer a la banda en el agringado Meet & greet (¿cuál es la manía de ponerle un nombre en inglés a cualquier weá? Ya no hay entrega sino delivery y yo mismo no me doy cuenta de cuanto anglicismo uso a diario) y había estado desde entonces esperando, ansioso, el momento en que conocería a mis ídolos.

Los hechos. Terminado el concierto salí soplao hasta el lugar donde me habían dicho tenían que juntarse los ganadores del mentado meet & greet. Después de un par de malentendidos con los guardias, nos hicieron pasar uno por uno a otro lado del teatro. Fue en ese momento que veo como todo el mundo empieza a sacar posters, booklets de discos y revistas para lograr un autógrafo, mientras que yo no tenía nada a excepción de mi valiente cámara que había aguantado todos los codazos y empujones durante el concierto. Qué mierda hacía entonces, lograba algo rayable o me conformaba con las fotos ¡Piensa rápido, Esteban! Para mi mala fortuna, no pensé tan rápido como debía y así pasaron los minutos, conmigo entre los primeros de la fila y angustiado por no tener ni una sola cuestión para lograr el dichoso autógrafo.

En eso veo a lo lejos al flaco que estaba vendiendo las Bulldozer (para los neófitos, revista de metal) así que fui corriendo donde él, “flaco, véndeme una revista, toma la plataaaaa”. – “Ya viejo, vengo al tiro”. Justo en eso, para mi mala suerte, empiezan a hacernos pasar para – por fin – conocer a las bandas y yo, como weón, esperando por la revista. Dejé pasar la cola nomás y así entraron como seis tipos, un minuto después otros seis y yo seguía perdiendo terreno. Hasta que por fin llegó la revista, la recibo dichoso y se abre la puerta, -“Los últimos diez, nadie más, hagan una fila y pasen” ¡Conchesumadre! Me metí nomás a la fila y comienzan a pasar, 1... 2... .3... 9... 10... y yo, más urgido que aval de trapecista. El guardia me ve, -“ya pasa, nadie más” ¡Bien por la chucha! Me rajé y ya estaba en la zona roja, avanzo unos metros y... - pausa dramática - ¡Ahí estaban! Confirmación visual instantánea: Kai Hansen, Henjo Richter, Dirk Schlachter y Dan Zimmermann, todo gamma ray, perfecto; mientras que sólo Dani Loble y Sascha Gerstner, por Helloween ¬¬ ¿Y Andi, Michael y Markus? Simplemente no estaban, me tenía que conformar con media banda. Medio segundo, reflexión estoica y conclusión de fanboy: pobrecitos, deben estar cansados así que los entiendo :) ¡sigamos!

Para hacerla corta, diré que no pude conversar con ellos porque había como treinta tipos igual que yo, angustiados por sacarse una foto y lograr un autógrafo así que los alemanes se parecían al viejito pascuero: hola, una foto, autógrafo, el que sigue.

Sin embargo, no tuve ningún problema en fotografiarme con ellos, no le pusieron ninguna mala cara a nadie y sonreían todo el rato. Simpáticos los weones.
A la salida le hice deo a un paco que había visto adentro métale sacando fotos y me tiró hasta la Alameda. Caminé un par de cuadras, esquivé a varios travestis, dos curaos y una puta rica, hasta que llegué donde cabezón. Jugamos unos winning pa tirar la talla, comí algo y me dormí. Fin.

--- Créditos ---
Gracias al Joaco por prestarme la chaqueta de mezclilla, sólo así completé el disfraz de rockero (hace años que dejé la militancia, me costó encontrar una pinta ad hoc jaja), a Simón por comprarme la entrada, al flaco que me hizo la movía pal meet & greet, a Pickman por tener este host tan pro, y, obviamente, a la antigua leyenda.

Escena oculta. O ¿Qué pasó con la revista autografiada?

Día lunes, 7 de la tarde, cansado me subo al bus y lo primero que hago es sacar de la mochila mi trofeo de guerra, la revista, y comienzo a leerla para ver que tanta info buena traía (está piola, tal vez muy mainstream en cuanto a sus contenidos, pero vale la pena). Súbitamente el sueño me vence y me quedo dormido en mala.
Una hora después, despierto porque sonó el celular de algún imbécil que no sabe ponerlo en silencio cuando se sube a un bus a una hora donde todos se quedan dormidos. Somnoliento me pongo la chaqueta, tomo mi mochila y me bajo al frente del depa. Hasta ahí todo bien, llego por fin a la casa y me pongo a contarle al joaco la odisea que fue conseguirme la revista cuando, súbitamente alarmado, veo a mi alrededor y no encuentro nada ¡La revista por la conchasumadre! Treinta segundos después, revisando la guía de teléfono, letra C, Castañeda... Céspedes... Cóndor Bus ¡Tate! “¿Aló, rodoviario? Sabequesemequedóunarevistaarribadelbusyestoyurgidoporlaweaaaaaaaa”, -“A ver, llámeme en 20 minutos porque el bus debe estar por llegar”, dice el tipo al otro lado de la línea. Ok, espero.
Veinte minutos después. “¿Alo? Sabequelollamehaceunratoporquesemehabíaquedadolarevistaenelbus...”, -“Sí, aquí la tengo, déme su nombre y mañana la pasa a buscar” Uffffff, para variar me rajé y la aventura termina con final feliz. Ahora sí que sí, FIN.

Heavy metal - Lo mejor del 2007

2008-01-28T23:44:00.002-03:00

Dejando de lado los discos de Helloween y Iced earth de los cuales hice sus propias reseñas, le dedicaré un par de líneas a los otros albumes del género que se destacaron por sobre el resto.

Gamma ray - Land of the free II

Al igual que Helloween hace dos años cuando sacó su Keeper - Legacy, Kai Hansen y los suyos lanzan un disco que pretende revivir a su mejor placa (la cual es, lógicamente, el Land of the free), pero a diferencia del grupo de la calabaza, no mueren en el intento y sacaron un disco soberbio, lleno de nuevos himnos de auténtico power metal alemán. Las letras y las melodías no son ninguna novedad, de hecho Hansen lleva veinte años escribiendo las mismas weas, pero esta vez le salió todo bien.
Ojo que el 13 de abril vienen con Helloween a Chile en lo que será el mejor concierto del año pegándole cien patadas en la raja al de Maiden.

Manowar - Gods of war

Debo ser uno de los pocos que defiende este disco, pero qué le voy a hacer, Manowar tendría que esforzarse al máximo y sacar una mierda al mismo nivel del Chameleon de Helloween o los elements de Stratovarius para que yo dijera que uno de sus discos es malo. Gods of war peca de ambicioso, intenta ser épico y grandioso a toda costa y ahí es donde falla. Los temas de verdadero heavy metal son impecables, pero se ven manchados por tanto instrumental wagneriano que metieron entremedio. Hubiese sido el mejor disco del año (mejor que el Gambling...) si hubiesen eliminado dos de estos instrumentales y metido un tema más de true fucking metal.
Música no apta para amariconados.

Jorn Lande y Russell Allen - The revenge

La continuación de uno de los mejores discos del 2006 viene a confirmar que Jorn Lande es el mejor vocalista del momento y es una lástima que se haya ido de Masterplan, pues sus discos solista nunca han sido de mi total gusto ya que ahi más que heavy metal, se va en una volá más hard 'n' heavy. El trabajo de Russell Allen también es sólido, pero no puedo ocultar mi preferencia por Lande.
En cuanto a los temas, estos son la zorra y Magnus Karlsson (el compositor de todos ellos) vuelve a anotarse con un disco redondo, aunque queda la sensación de que pudo haber innovado un poco más respecto de lo que hizo en The battle, la primera parte de este "enfrentamiento" entre Allen y Lande. Y es que la fórmula en ese disco resultó ser perfecta, pero cuando haces un disco igual al anterior, por muy bueno que sea, el simple hecho de perder el factor novedad le quita un punto al segundo en aparecer.
En resumen, si The battle era un 10 de 10, The revenge debe conformarse con un 9,5.

Ride the sky - New protection

Sentimientos encontrados me produce este disco. Hagamos un poco de historia:
Allá por el 2002 Roland Grapow y Uli Kusch dejaban Helloween acusando a la banda, especialmente a Weikath, de no permitirles aportar a la música del grupo. Acto seguido forman Masterplan junto a mi ídolo Jorn Lande y sacan dos DISCAZOS que están dentro del mejor heavy metal de la década. Sin embargo, nada es eterno y Lande se marchó porque en el fondo no le gusta mucho el estilo y prefiere algo más hard rock. Para más remate, Kusch también deja el grupo, si no me equivoco porque quería tener más libertad para componer o algo por el estilo.
En resumen, Masterplan tenía todo para ser la mejor banda de la década, pero en el camino se desintegró y el resultado de este desarme es el MK II, tercer disco de Masterplan con nuevo vocalista y Mike Terrana en la batería, y este New protection de Ride the sky.
Dicho todo esto, hay que decir que New protection es un buen disco, mucho mejor que el MK II en mi opinión, aunque alguien me podrá decir -y con cierta razón- que no es un album de heavy metal en sentido estricto, pues se acerca peligrosamente en algunos pasajes a otras vertientes más rockeras. De todos modos, sigue siendo un disco de metal y habrá que ver que hacen en su próxima entrega para ver la evolución de y su gente.

Emerald sun - Escape from twilight

Auspicioso debut de estos griegos powermetaleros, con un buen comienzo aunque hacia el final el disco pierde un poco la fuerza y las última canciones se me hacen algo monótonas, pero para ser un primer disco pueden decir orgullosos que cumplieron, aún más si consideramos que vienen de un país (Grecia) que no es muy reconocido por sus bandas de power metal. Esperemos que Emerald sun tenga la fuerza para a futuro tomar la batuta en su escena y permitir que otras bandas de allá logren mayor difusión.
Destaco los temas Scream out loud y High in the sky, que si bien no pueden ocultar la obvia influencia del power metal alemán, se erigen con justicia como dos de los mejores temas del año que pasó.

Heavenly - Virus

Esta banda francesa tiene el mérito de ser poseedora de algunos de los peores discos de power metal que he escuchado en mi vida. Clones descarados de Helloween, pero -lo que es peor- excesivamente amariconados, les tenía cero fe y si me preguntaban qué esperaba de su nuevo trabajo sin dudarlo habría dicho "una mierda". Pero como errar es humano, debo reconocer que con Virus se superaron ampliamente y por fin sacaron algo realmente bueno. Lo destacable es que por primera vez suenan como Heavenly, no como una copia de otra banda más famosa.
Gracias al Simón por decirme que lo escuchara, de lo contrario no lo habría ni meado.

Messiah's kiss - Dragonheart

Es cosa de escuchar el primer tema para ver por donde van los tiros con estos alemanes: power metal rápido y a la vena, con una voz que a veces me recuerda a la de Blackie Lawless de W.A.S.P.
Dragonheart es un disco lleno de energía y que logra revitalizar un género desgastado por tanta banda mediocre que ronda por ahí.

Rebellion - Miklagard - The history of the vikings volume II

Lo que no pudo lograr Grave digger este año con su decepcionante Liberty or death, sí lo pudieron hacer los que podrían considerarse sus herederos (pues no en vano Rebellion es una banda formada por ex-miembros de Grave digger).
Estamos ante un album conceptual inspirado en los viajes que realizaron los vikingos al Imperio bizantino, lejana tierra a la que llamaron Miklagard, y que es a su vez -como su nombre lo indica- continuación de Sagas of the Iceland, el volumen I de la historia de los vikingos.
Sin embargo, Miklagard ya en su primer tema eclipsa a su predecesor y lo sigue haciendo a lo largo de todo el disco con temazos como Sweden o Ulfberth que dan forma a uno de los mejores discos del año. 5 tentáculos para Rebellion.

Bonus track: Metal progresivo

Symphony X - Paradise lost

Esperadísimo nuevo disco de Symphony X, Paradise lost es una delicia que debe ser escuchada varias veces para poder aprehenderla correctamente. De hecho -lo admito- yo todavía le debo un par de escuchas más antes de poder decir que lo he digerido totalmente. Para los más orejas, Set the world on fire es imperdible.
Mención aparte merece su visita a Chile a mediados de año y que yo me quedé con toda la vena por no haber podido ir :(

Serenity - Words untold & dreams unlived

Esta banda austriaca no estaba en mis libros. Sólo los conocí rebuscando revistas online en busca de nueva música y de verdad me sorprendieron. Lo que han sacado es un disco perfecto, elegante, a veces muy técnico y en otras lleno de potencia y velocidad que en algunos temas logra una intensidad que de verdad me impresionó (por ejemplo, Engraved within, mi favorita del disco). Más encima están inspirados en Dune, uno de mis libros favoritos.
En resumen, el debut de Serenity es un album totalmente recomendable y sería un error gravísimo pasar por alto a esta banda que pinta para cosas grandes.

Goran Bregovic en Cartagena

2008-01-28T17:53:00.001-03:00

Fines de 2007, un afortunado aviso de la cam me pone al tanto que de Goran Bregovic tocaría en Cartagena, a minutos de mi sanantonino hogar, en el ya cercano verano y que lo haría gratis. Imperdible.

Viernes 18, luego de un sinuoso viaje hacia Cartagena, nos instalamos con todo frente al escenario, detrás de una absurda zona cercada para los asistentes más exclusivos al evento. Más o menos puntual, hizo su aparición la mentada Wedding and funeral Orchestra que sin Bregovic en el escenario comenzó a tocar una melodía que me hizo pensar en algunos trabajos de Lisa Gerrard, por lo menos en los más folk. Dos búlgaras hacían las voces femeninas y creaban un ambiente etéreo al tiempo que la noche caía certera sobre la playa.
De pronto, a ambos lados de la multitud, sendos músicos se abrieron paso hacia el escenario, la música cambió y pasamos del ambient a algo mucho más festivo, preparándonos para el verdadero espectáculo.
Finalmente aparece Goran Bregovic, de impecable blanco y con su pinta bohemia desatando su música gitana sobre el público. Cerca, unos tipos no paraban de saltar y parecía que fueran de la colonia balcánica de turno porque no dejaban de gritar “de ahí somos” y cosas por el estilo. Después de un rato de fiesta pura y dura, la orquesta volvió a bajar las revoluciones y se mandó un temazo de por lo menos quince minutos, una melodía que a algunos les podría aburrir, pero para uno que es amante declarado de la música ambiental simplemente fue una delicia ritual en la que la música, el entorno y el público se fundían. Sinceramente este fue el momento que más disfrute, el lapso en que más me llegó esa música creada en tierras tan lejanas, pero que en ningún instante sonó fuera de lugar en una playa de un país que, a su vez, también es lejano y misterioso para esos músicos que tocaban arriba del escenario. Eso es lo que más me llama la atención de estos sonidos folk cuando suenan en tierras extranjeras, pues aún estando lejos de sus raíces son capaces de adaptarse y conectarse con el público y es que, me pregunto, ¿suena igual esta música tanto en una playa veraniega como en un pueblito de Europa del este? Músicos honestos pueden transportar la esencia de su tradición musical e instalarla en cualquier lado, pero el éxito de esta operación depende de saber entender el nuevo lugar y, en ese sentido, Goran Bregovic y su gente rozaron la perfección, entregaron lo que el público quería y lo hicieron bien.
Después de este instante sublime, el frenesí gitano reanudó su carga y los mundanos volvimos a movernos y, los más entusiastas, a saltar. El resto del show siguió más o menos el mismo patrón, alternando algunos temas lentos y serenos, con otros más desenfrenados y rematando el show como toda buena banda que se precie de tal, dejando para el último su canción más oreja y la que más movió al respetable: Bubamara.

La presentación fue soberbia, pero quiero destacar algunos detalles que son los que redondean todo evento y le dan su toque característico (insisto con el tema del ambiente). Primero que nada, me parece una falta de respeto que hayan tenido rejas separando a una parte del público de los afortunados que estaban más adelante en sus sillas. Apuesto mi brazo derecho a que en todo ese lote de concejales, funcionarios y ciudadanos notables, con suerte había un par que sabía a lo que iba y estaba al tanto de que era todo eso que desplegaba ante sus ojos; segundo, el camarógrafo parecía convencido de que estaba en el festival de Viña e insistía, para el horror estético de quien suscribe estas palabras, en enfocar a la manga de viejos fomes y adustos sentados en primera fila como si estuviera mostrándonos al glamoroso jurado internacional; tercero, y esto es un positivo, qué buena respuesta dio el público, no hubo giles dando jugo, los pacos a su vez tampoco molestaron, y un detalle no menor que demuestra la buena conexión que creó la música entre artista y espectador: la gran mayoría que desconocía a Bregovic fue siempre muy respetuosa, especialmente en los momentos más íntimos de la presentación donde es típico que no falta el impaciente que se pone a silbar pidiendo algo más movidito, aquí no sucedió eso; cuarto, lamentablemente la gran mayoría no alcanzó a cubrir a un grupito de imbéciles que sin guardar el más mínimo respeto por los artistas se pusieron a gritar sus weás comunistas de ahora y siempre ¿qué se creen? Siempre defiendo la libertad de expresión y me indigno cuando esta es pisoteada, pero encuentro desubicado portar esas consignas y traerlas a un lugar donde todo el mundo estaba en otra volada, ¿era necesario oscurecer y silenciar de ese modo al perplejo Goran que no entendía qué cresta gritaban estos irrespetuosos? En Chile sigue muy asentada esta cultura de la protesta, esa creencia de que todo evento artístico y público necesariamente debe tener connotaciones políticas ¿acaso no puede haber arte por el solo placer de apreciarlo? ¿Tiene que haber siempre una manifestación partidista? Alguien podrá responderme invocando el valor de la irreverencia, pero yo digo, aquí no hubo irreverencia, ensuciaron con política lo que era una gran presentación y eso me parece imperdonable.
Dejo para el final lo que encuentro más destacable, que esto haya sido gratis y popular. Trajeron a un tipo que nunca había venido a Chile y que vive de esto (o sea, cobra para que lo vean) y acercaron su obra a un público que no tiene la posibilidad de ver cosas así, porque no me van a decir que el veraneante promedio de Cartagena tiene acceso frecuente a estos espectáculos, y lo mejor fue ver que la música llegó y fue entendida, daba lo mismo que los tipos cantaran en un idioma ininteligible y que los intentos de Bregovic por comunicarse fueran en una mezcla de inglés, italiano y español. Esa weá dio lo mismo, el viejo que vendía maní confitado bailaba cagao de la risa y la vecina del sector igual improvisaba unos pasos de baile junto a su viejo.

Tengo algunas partes del concierto que grabé yo mismo, pero la conexión se puso tonta y no he podido subirlos a youtube. Por eso mejor pongo videos de Bregovic que ya estaban rondando en la red, aunque no son del show en Cartagena.

All'attacco!

Ausencia, uno de los mejores temas.

Este es en Cartagena, pero no es de los que grabé yo :S

Los tres viajes de Sinbad

2008-01-28T17:30:00.001-03:00

Continuando mi nostálgico repaso de películas épicas y de aventuras, esta vez me detendré en la saga Sinbad, un trío de películas que si bien no tienen una continuidad entre si mismas, sí cuentan con un hilo conductor en común, el afán aventurero, y un creador que las hizo memorables, Ray Harryhausen.
Aún recuerdo haber visto estas películas en la ya lejana época en que canal 13 daba “Cine en su casa”, un espacio donde pasaron centenares de películas de todos los géneros, entre ellas mis favoritas, las de “griegos y romanos” por llamarlas de algún modo. Películas como “Hércules contra Molock” o “La ira de Aquiles”, todas protagonizadas por lampiños fisicoculturistas y sospechosas de usar todas la misma banda sonora, pueblan mi imaginario fílmico y algún día tendré que rendirles un justo homenaje, dedicándoles un comentario, pero esta vez hablaré de Sinbad.
La primera de esta especie de trilogía es El séptimo viaje de Sinbad (1958), en mi opinión la más floja de todas, con un villano ridículo y una princesa inútil a la cual redujeron de tamaño y había que pegarse el medio viaje, con nuestro capitán Sinbad a la cabeza, para encontrarle una cura. Pero no todo está perdido, a pesar del soso argumento, las escenas de acción cuentan con invitados de lujo: las criaturas de Harryhausen. De hecho, todas las weas que voy a escribir ahora son la excusa para poner videos y ver una y otra vez a sus esbirros en stop motion.
A destacar: el dragón, sin lugar a duda, ¡y qué pelea más buena con el cíclope, qué manera de darse cachos! Pero el dragón no es nada comparado con la escena más emblemática de la película, la lucha de nuestro fiero Sinbad con un esqueleto animado. Esta escena luego sería superada con creces por Harryhausen en Jasón y los argonautas al hacer pelear a Jasón y dos de sus amigos contra siete esqueletos aullantes y sedientos de sangre griega.
Un par de buenas escenas, un Sinbad correcto, un grupo de secundarios incompetentes y el motín a bordo más penca que he visto en una película le dan al séptimo viaje tres tentáculos (de 5).

Seis años después salió la siguiente entrega de la saga, El viaje dorado de Sinbad, lejos la mejor en todo sentido. Mientras que el séptimo viaje alternaba buenos momentos con escenas tontas y un poco aburridas, en el viaje dorado Sinbad pelea con monstruos aún más pulentos, está rodeado de secundarios mejores como el cabro chico flojo que tenían a bordo y se agarra a una mina mucho más buena. Y es que a Caroline Munro después de ver esta película la tengo al mismo nivel que a Agostina Belli (profumo di donna). Es una pena que las dos no hayan nacido en Chile en la década de los ochentas :(
Más encima el malo es de verdad, tiene sus defectos, pero también sus virtudes. De las criaturas de turno, la que se roba la película es la diosa Kali, un anticipo de lo que años después George Lucas haría desastrosamente con el androide Grievous en La venganza del Sith. Mientras Kali luchaba con clase e hizo sudar la gota gorda a nuestros valientes aventureros islámicos, la absurda criatura de Lucas, por su parte, lo único que hizo en toda la película fue respirar mal y pelear rápido (“mira que soy bkn jedi y la conchetumare, peleo con hartos sables y los muevo super rápidos juju”), todo para ser vencido en medio segundo por Obi wan. Penoso.
En consecuencia, cinco tentáculos para Sinbad y su viaje dorado.

Y como toda buena película tiene una continuación y ningún productor gringo permitirá que dos películas no se conviertan en trilogía, en 1977 apareció la genial Sinbad y el ojo del tigre. Analicemos los aspectos más importantes del filme:
- La mina es buena, pero nunca tanto como la señorita Munro.
- Las peleas son buenas, de hecho las criaturas interactúan mejor con los actores que en la anterior entrega, pero ninguna es tan memorable como Kali, pues Minathon, el minotauro de bronce que tenía el potencial para dejar su huella terminó siendo desaprovechado y tuvo la muerte más triste que un autómata sin mente puede tener (murió aplastado por un bloque de piedra mientras cumplía las órdenes de su maligna ama :().
- El motivo de todos los dramas y penurias que pasan Sinbad y su tripulación es una estupidez: al príncipe lo convierten en mono antes de su coronación y como en ningún lado, excepto quizás la Roma de Calígula, permiten que un animal sea el gobernante, su linda hermana le pide ayuda a Sinbad. Como Sinbad no es tonto, accede a hacer un peligroso viaje a Hyperbórea para encontrar una cura y en el camino pierde a media tripulación por culpa de su calentura. ¿Nunca han pensado en lo absurdo que es sacrificar a la mitad de los amigos del protagonista solo para restituir la humanidad de un príncipe? Lean entre líneas, el fin –salvar a la realeza- justifica el medio –la muerte de gente normal. Por esa misma wea empezó la revolución rusa y al final terminaron matando al zar y a toda su familia.
En resumen, por la tenebrosa lectura política de la película y porque la princesa no es tan rica, solo le doy cuatro tentáculos a Sinbad y el ojo del tigre.

Séptimo viaje: El cíclope contra el dragón, ojo con el mega-owned del final xD

El viaje dorado: Trailer de la película al parecer no oficial.

Sinbad y el ojo del tigre. No, el del final no es Gandalf, es Melanthius, el sabio más incompetente del mundo conocido.

Rebecca Guay

2008-01-28T13:25:00.001-03:00

Siguiendo con el tópico de mis artistas favoritos, es el turno de Rebecca Guay, quien es la creadora de algunas de las ilustraciones más bellas que haya visto en mi vida. Rebecca ha colaborado en decenas de cartas de Magic: el encuentro y es precisamente por ese medio que conocí su trabajo. No obstante, no sólo en Magic ha participado, también he encontrado algunos trabajos suyos en manuales de rol, especialmente en aquellos lanzados por White Wolf para su mundo de tinieblas.
¿Y qué tiene de especial su arte? Lo primero que llama la atención es peculiar estilo para ilustrar. En un mundo donde el que dibuja al demonio más amenazante y a los soldados con más músculos, Rebecca crea algo distinto. Humanos, animales, vampiros, todo lo que pasa por su prisma se nos aparece lleno de gracia y encanto, envuelto en acuarelas y delineado con trazos preciosistas y entre todas sus creaciones hay un grupo que destaca por sobre el resto: sus elfos. Sinceramente, creo que los mejores elfos (en la concepción tolkeniana de los mismos, esto es, seres hermosos, estilizados y virtuosos) son los que ella dibuja.
De hecho, fue por esa belleza inherente a sus ilustraciones que hace un tiempo los tipos de Wizards of the Coast decidieron prescindir de su trabajo para las futuras ediciones de Magic porque lo encontraban poco viril, una idea ridícula por lo demás. La reacción de los fans no se hizo esperar y Wizards terminó recontratándola unos dos años después, para el lanzamiento del bloque de Kamigawa.
Recientemente, y gracias a la todopoderosa internet, he podido rastrear mejor la extensión de su obra y buscar todos los escaneos que se encuentran disponibles de la misma, incluyendo los comics que ha ilustrado, sus trabajos para la tercera edición de D&D , su participación en otros juegos de cartas coleccionables así como los libros que ha ilustrado. De paso, estoy juntando las lucas para encargar una impresión en su página.

Linterna verde - 1001 noches esmeralda

2008-01-28T03:49:00.001-03:00

Linterna verde - 1001 noches esmeralda Descarga directa

Hace casi veinte años, DC estrenó en el mercado un nuevo concepto de comic que alteraba sustancialmente lo que hasta ese momento se hacía, se trataba de los elseworlds (otros mundos) en los cuales los autores se tomaban ciertas licencias y nos contaban historias alternativas de nuestros héroes, creando a veces todo un nuevo mundo en torno al personaje. Así fue como aparecieron, entre otros: Batman: Gotham by gaslight, una historia en que Batman aparece en plena época victoriana y debe luchar contra Jack el destripador; Kal, o la historia de qué habría pasado si la cápsula que traía a Superman a la Tierra hubiese caído en Inglaterra en plena edad media, o Batman & Drácula: Lluvia roja, una gótica historia en la que Batman se enfrenta al mismísimo príncipe de las tinieblas.
Los elseworlds proliferaron, pero la inmensa mayoría eran protagonizados por Batman, Superman o la Liga de la justicia, siendo pocas las historias en solitario de otros héroes como Flash, Linterna verde o Aquaman. 1001 noches esmeraldas es uno de esos casos especiales.
Guionizada por Terry Laban y con el arte de la notable Rebecca Guay, la historia nos traslada a la época dorada del mundo árabe, a ese mundo de alfombras voladoras, genios y hermosos palacios, en el que nos encontramos con el príncipe Ibn Rayner gobernando su reino con puño de hierro después de la muerte de su padre, el sultán.
Es entonces cuando aparece Scheherazade, enviada al palacio del tirano con la misión de poner fin a su vida y así acabar con su injusto sultanato. Sin embargo, cuando conoce a Ibn Rayner no se encuentra con el malvado gobernante a quien debía destruir, sino que a un joven ignorante de lo que sucedía a su alrededor, engañado por su malvado visir quien era el que realmente ejercía el poder. Es así como decide contarle la historia de de un humilde pescador que inesperadamente tuvo a su alcance el poder para salvar a su pueblo, con la esperanza de que de esa historia, Rayner entienda que es lo que debe hacer con el poder y la responsabilidad que trae consigo ser el nuevo sultán.
1001... es un comic simpático, fácil de leer y que cumple su cometido de contar una buena historia, pero su gran mérito no está en los guiones sino en el arte. Dibujado y pintado íntegramente por Rebecca Guay, el producto final es una delicia para el lector y reivindica a la artista luego de su paso por la serie mensual de Black Orchid donde si bien dibujaba, era entintada por otro y coloreada con técnicas tradicionales –Guay pinta con acuarelas- lo que a la larga terminaba estandarizando su trabajo y quitándole su atractivo.
Para finalizar, le doy cinco tentáculos a 1001 noches esmeraldas, a pesar de que contiene una de las muertes de villano más patéticas de todos los tiempos.

Scheherazade engrupiéndose a Rayner

Etnocidio

2008-01-28T02:49:00.001-03:00

Etnocidio - Descarga directa

Etnocidio es un tomo que recopila algunas historias realizadas por el español Luis García allá en la década de los setentas. Una colección de relatos donde no tiene ningún reparo en retratar la otra cara de la guerra contra los indios, en mostrarnos que esas historias de indios y vaqueros con que Hollywood nos bombardeó por años sólo enmascaraban una matanza injusta y vil en nombre del progreso.
Hagamos un poco de historia. El primer semestre del año 2006 tuve que tomar los ramos generales y optativos que me faltaban para egresar (por lo que en vez de hacerlo de manera limpia en sólo cinco años, lo hice en cinco y medio ^^). Entre esos ramos tomé uno que impartían en el Instituto de Historia y se llamaba algo así como “formación de la cultura prehispánica”. El ramo me gustó harto, con contenidos interesantes y un profesor que sabía bastante de la materia. Uno de los tópicos que más recuerdo de esas clases es el contraste que hacía el profe entre conquistadores españoles y colonos ingleses. Ambos igual de despiadados a la hora de exterminar a la población nativa de América, pero con una gran diferencia: los españoles no tuvieron muchos reparos en mezclarse con los indios, mientras que los puritanos no lo hicieron y se contentaron con aniquilarlos por considerarlos un obstáculo en la obtención de su gran nación.
Bueno, tiempo después me encuentro con Etnocidio y su certera representación de lo que fue, para los indios, un guerra perdida de antemano en la que su inferioridad tecnológica y la tozudez con que los blancos los persiguieron decretaron la suerte de incontables tribus. Vale recordar a Caballo Loco, jefe sioux responsable de la gran derrota blanca en Little Big Horn y de una serie de exitosas escaramuzas, pero que de nada le sirvieron, pues cuando se enfrenta a un pueblo totalmente decidido a vencer, se está perdido incluso antes de que vuele la primera bala. Es una historia repetida, siglos antes Aníbal habría obtenido la rendición de Roma tras su gran victoria en Canas, pero los romanos de la res publica eran un pueblo tan orgulloso y terco que jamás se dieron por vencidos, hasta que finalmente lo liquidaron en Zama. Lo mismo puede decirse de los gringos y su guerra contra los indios, estos podían ser más valerosos y numerosos, pero diez escaramuzas exitosas se topaban siempre con una masacre orquestada por nuevos regimientos. Hasta que finalmente los vencieron, sometieron y redujeron a vivir en reservas indignas.
Durante años la historia que nos contaron era la de indios salvajes persiguiendo las cabelleras de nuestros nobles héroes de piel blanca, una historia sobre los vencidos hecha por los vencedores. Etnocidio nos cuenta lo contrario, la historia de cómo un pueblo invasor e irrespetuoso liquidó a aquellos que se interponían ante lo que ellos llamaban su destino manifiesto: ocupar y poblar toda América, de costa a costa.
Y no nos quedemos sólo con las historias de indios, pues perfectamente podemos hacer la misma lectura en situaciones contemporáneas como el etnocidio que perpetra Israel al pueblo palestino con la complicidad de la comunidad internacional y a las guerras de agresión que Estados Unidos emprende en Oriente medio. Hoy en día, mientras el hombre común y corriente es bombardeado por medios de comuniación masivos y mentirosos que esconden las atrocidades que comete la civilización occidental, leer algo tan simple -y en este caso tan complejo- como un comic puede despertar algo, abrir los ojos a una forma distinta de ver las cosas. Etnocidio hace precisamente eso, da un golpe certero a la hipocresía histórica de Occidente.

Iced earth - Framing armageddon

2008-01-28T02:26:00.001-03:00

Iced earth - Framing armageddon
País: USA
Año: 2007
Estilo: Heavy metal
Sitio oficial

No soy un gran conocedor de Iced earth y su historia como banda. De hecho, salvo ese discazo que es Something wicked this way comes y el Burnt offerings, no les he escuchado nada más aparte de un par de temas del Horror show cuando salió allá por el 2001. Tampoco escuché el Glorious burden (2004), el primero que sacaron con su nuevo vocalista, el vilipendiado Tim Owens. Sin embargo, no sé por qué, terminé escuchando este Framing Armageddon que lanzaron hace poco y es, sinceramente, la zorra misma.
Owens está impecable y en este disco sepulta a todos los que tanto lo criticaron en su paso por Judas priest. El cabro es seco y aquí lo demuestra sin dejar lugar para dudas.
El disco comienza con una tribal introducción que es inmediatamente seguida por Something wicked part 1, un temazo con Owens dejando la cagá y unos riffs pulentos. Dejando de lado los innumerables temas de un minuto que rellenan el disco, encontramos canciones soberbias, llenas de poder y elegantemente ejecutadas por la banda, que dicho sea de paso, tiene un sonido magnífico. Setian massacre es una bomba, llena de gritos y un Owens avasallador; A charge to keep baja un poco las revoluciones, entregándonos un tema más pausado, pero potente. Reflections marca la pausa antes de uno de los mejores temas del disco y del año, Ten thousand strong, una canción que simplemente le vuela la raja al que la escuche con su épico coro y la guitarra sacando riffs llenos de poder y una de las letras más guerreras de los últimos tiempos. En este punto uno se pregunta si tanta calidad se puede sostener durante lo que resta de disco y la respuesta es sí, Framing armageddon es un album redondo, casi sin errores.
Order of the Rose sigue una línea similar a la the A charge to keep. The clouding es el típico tema extenso que uno espera encontrarse en estos discos, lleno de arreglos y cambios de ritmo. Otros temas a destacar son los que cierran el disco, la agresiva Framing armageddon y la majestuosa Whes star collide (born is he), temazos de principio a fin.
Lamentablemente nada es eterno y Tim Owens parece estar destinado a ser basureado por los músicos con quienes trabaja. El idiota de Schaffer decidió echarlo de banda para traer de vuelta al vocalista original, Matt Barlow, y no es que este último sea un mal vocalista, pero queda la sensación de que Owens y Iced earth iban por buen camino juntos y que a Tim lo pasaron a llevar, nuevamente.

Helloween – Gambling with the devil

2008-01-28T02:05:00.001-03:00

Helloween – Gambling with the devil
País: Alemania
Año: 2007
Estilo: Power metal
Sitio oficial

El mejor disco del año y tuvimos que esperar hasta octubre para escucharlo. Así de simple, sin presiones de por medio Helloween sacó un discazo de principio a fin, totalmente superior al pretencioso Keeper - Legacy y retomando la senda del grandioso Better than raw.
Helloween es mi banda favorita desde que escuché el keeper dos hace ya casi diez años, pero a diferencia del típico fanboy de Helloween, mi disco favorito no es ninguno de los keepers, sino que el Better than raw, ni tampoco quiero que vuelva Kiske a la banda, sino que prefiero que Andi siga ahí porque el tipo sabe rockear, no como Michael que tan veleidoso ha sido con la escena en general.
¿Y qué tiene el Gambling with the devil que lo hace tan buen disco? Ciertamente no es su estúpida carátula (y sobre este punto, las últimas portadas de Helloween son una basura, no tienen perdón en ese sentido), sino que el aire que se respira al escucharlo. No se han impuesto una meta tan ambiciosa, no quisieron demostrarle al mundo que podían armar un disco a la altura de los keepers originales como lo hicieron hace dos años con el Legacy, álbum que hasta el día de hoy no puedo digerir completamente y que algunas de sus pistas simplemente no las paso (v.gr. Ocassion Avenue). Gambling... parte con la típica introducción para luego dar paso a la increíble Kill it, que cuando la escuche la primera weá que pensé fue en Push de mi idolatrado Better than raw. Poderosa y directa, Kill it auguraba de inmediato que estaba ante un buen disco y así fue.
The saints es una tema más en la onda keeper, más extenso de lo normal discurre entre un comienzo muy power y un coro excesivamente melódico. No es el mejor tema del disco, en parte por ese coro tan happy que no me convence, pero en general es bien bueno y muy ganchero.
Luego viene As long as i fall, que si no me equivoco es el single del álbum y aunque en mi opinión hay canciones mucho mejores, no defrauda, sólo que el single debió haber sido otro. Es que ninguna canción es mala por la chucha, el disco es bueno entero y no hay nada que hacer al respecto.
Paint a new world es un temazo, un ejemplo de como suena el Helloween de la era Deris, fuerte, directo, agresivo. Seguir pidiendo a Kiske, Hansen y compañía es injustificado ante semejante canción que entra directo al Olimpo helloweeniano. Y si esa era buena, ya no sé como calificar a Final fortune ¿obra maestra? No sé que le faltaría para no serlo, si es perfecta.
Luego viene una trilogía de canciones que según lo que leí en el foro oficial de la banda siguen un mismo hilo temático. Sin embargo, como aún no tengo el disco original en mis manos no pienso arruinarme la sorpresa de leer bien las letras y es que soy un fetichista de los discos originales y prefiero leer las letras directo del booklet, no de una roñosa página de letras en internet.
Can do it y Dreambound creo que se pierden un poco, a pesar de ser buenos temas, pero no brillan como los otros del disco. Es algo parecido a lo que sucedía con Save us y March of time en el keeper dos, temas eclipsados por ese himno que les seguía, I want out. En este caso, la canción que las opaca es la que pone fin a este disco redondo, Heaven tell no lies, una brillante composición de principio a fin.
En resumen, para mí este es el mejor trabajo del año y nadie me convencerá de lo contrario. Compra obligada para los que gustan del power metal.

Azam Ali – Elysium for the brave

2008-01-28T01:53:00.001-03:00

Azam Ali – Elysium for the brave
País: USA
Año: 2006
Estilo: Ambient
Sitio oficial

Este es uno de los descubrimientos más agradables que tuve el año pasado. Buscando información sobre música folk árabe me encontré con la figura de Azam Ali, nacida iraní, pero criada durante años en la India, donde estudió en un colegio enfocado al desarrollo espiritual y artístico de sus alumnos (ojala hubiese estudiado yo en un colegio así y no en la mierda típica chilena que la única meta que le propone a sus alumnos como válida es entrar a la universidad).
Dueña de un amplio catálogo, que incluye un participación en un disco compilado por el mismísimo Neil Gaiman, autor de Sandman, guionista de Beowulf e ídolo de ciertos bloggers autorreferentes, Azam Ali lanzó en 2006 este Elysium for the brave, un disco en el cual participa, entre otros personajes, Tyler Bates, a quien conozco por componer la banda sonora de la mejor película del año pasado: 300.
Elysium... gira en torno a la increíble voz de esta sirena moderna que es Azam, quien canta mayoritariamente en inglés aunque algunos temas están en farsi, y su música que recuerda a algunos momentos de Dead can dance (referencia casi obligada del estilo), con muchos elementos sintéticos que coexisten con sonidos étnicos árabes e indios. En general, se trata de un disco de dark ambient electrónico donde la sensual voz de Azam (que más encima es ricaaaa) hipnotiza de principio a fin. Lamentablemente no me he dado el tiempo para leer las letras y ver qué tan pro es escribiendo, pero según los comentarios que he leído en la red sus letras están plagadas de un misticismo medio indescifrable, algo esperable de una persona educada en la tradición hindú.
En resumen, un tremendo disco, muy evocador y nocturno, recomendado para todo el que le gusten los sonidos étnicos y acepte que estos pueden aparecer mezclados con sintetizadores. Para el que quiera escuchar a Azam en una vertiente netamente acústica, que se busque el disco homónimo de su proyecto Niyaz.

Azam Ali - Spring arrives

Niyaz - The hunt

Alcest – Souvenirs d’un autre monde

2008-01-28T01:45:00.001-03:00

Alcest – Souvenirs d’un autre monde
País: Francia
Año: 2007
Estilo: Vanguardia :P
Sitio oficial

Este disco lo descubrí mas o menos a mediados del año pasado en el blog de Doomster quien habló maravillas de él catalogándolo como black progresivo, categoría que cada vez que leo que se la ponen a determinada banda no le termina haciendo justicia a su música. En el caso concreto de Alcest me pasa algo similar, pues se trata de un disco que mezcla con éxito sonidos que toma prestados de varios estilos musicales, desde el black (Alcest es un proyecto del francés Niege, cuyas raíces musicales están en el black metal) hasta el folk más acústico. El resultado son 40 minutos compactos, con seis temas que suenan cada uno como una extensión del anterior y en los cuales nos encontramos sonidos propios del black, especialmente la batería, con una voz masculina limpia y etérea. Sin embargo, me atrevo a decir que lo que la da la clase y elegancia al trabajo es la omnipresente atmósfera tranquila y envolvente que recorre el disco de inicio a fin. Es por eso que Souvenirs… suena perfecto y homogéneo, por ese ambiente que obtiene a través de la guitarra, la voz y la batería acompañados de adornos folk y que impregna cada segundo de música.
Como suele suceder en estos discos, es difícil destacar un tema por sobre el otro por la continuidad sonora que comparten las seis pistas. Tal vez uno de los más ricos y atmosféricos sea Les iris, mientras que Tir nan og, tema que cierra la placa, es mucho más folk abandonando un poco la guitarra eléctrica y la sutil influencia black que se puede apreciar a lo largo de los otros temas.
Para cerrar, Souvenirs... entra con justicia dentro los mejores discos del año pasado en lo que a vanguardia se refiere y es escucha obligada para todo aquel que se precie de tener un buen paladar musical.

Hexperos – The garden of the Hesperides

2008-01-28T01:44:00.002-03:00

Hexperos – The garden of the Hesperides
País: Italia
Año: 2007
Estilo: Dark ambient
Sitio oficial

En la mitología griega, las hespérides eran ninfas del ocaso hijas probablemente de Nix (la noche) o del titán sostenedor del mundo, Atlas. Su rol en los mitos es el de guardianas de distintos objetos de los dioses, de los cuales los más reconocidos son las manzanas doradas que crecían en el llamado Jardín de las hespérides y que custodiaban junto a Ladon, un dragón de cien cabezas (!). Cuenta la historia que uno de los trabajos de Heracles consistió en sacar las famosas manzanas, dando cuenta del dragón para lograr tal fin, aunque después la misma Atenea se encargaría de restituir los frutos a las ninfas.
Esta historia es la que inspira a Hexperos, un proyecto italiano conformado por Alessandra Santovito y Francesco Forgione que transita entre el neoclásico a lo Ataraxia y el ambient a lo Dead can dance, aunque quizás la mejor referencia que tengamos de su música sea Gothica, banda donde formada por la misma Alessandra y cuyo primer disco, Night thoughts, se me viene de inmediato a la mente cuando escucho este Garden of...
Garden of the Hesperides está compuesto por 14 temas, donde la hermosa voz de Alessandra es acompañada de una música en algunos pasajes tribal (es cosa de escuchar los tambores, típica herencia de Dead can dance), pero siempre tranquila y acogedora, apelando a una belleza de ensueño. Es cosa de escuchar winter rhymes y luego la versión del Ave María, capaz de arrancarle una lágrima al oyente más desprevenido. Pero no hay que equivocarse, Hexperos no ha hecho un disco onanista conformándose sólo con lograr sonidos lindos, sino que ejecutan su música con una pasión que no deja indiferente a nadie.
Tal vez el que no esté acostumbrado a esta música pueda no encontrarle mayores méritos a sus 43 minutos de duración, pero yo en cambio apenas escuché el disco quedé fascinado por lo que estos italianos ofrecen. La voz de Alessandra a veces logra una fusión casi ritual con la música y los ambientes logran transmitir la sensación de estar rodeados de bruma, del suave soplido del viento y de la tranquila belleza del jardín de las ninfas del crepúsculo.

Daemonia nymphe - Daemonia nymphe

2007-09-02T19:21:00.002-04:00

Daemonia nymphe – Daemonia nymphe
Año: 2002
País: Grecia
Estilo: Neofolk
Sitio oficial

Editados por el grandioso sello Prikosnovenie, Daemonia nymphe son una agrupación griega que ejecuta un neofolk que bebe de sus raíces helénicas, empleando para tal fin instrumentos antiguos hoy en día desaparecidos, pero rescatados por Nicholas Brass a partir de las imágenes de la Grecia clásica que sobrevivieron al paso del tiempo.
Hace poco sacaron su tercer disco, Krataia Asterope, pero como aún no lo he escuchado y pretendo hacerlo recién cuando lo compre, me ocuparé de comentar su debut homónimo de 2002. Se trata de una placa breve, de tan solo 36 minutos de duración, en las que estos griegos nos ofrecen un sonido muy similar a mis idolatrados Ataraxia, aunque las diferencias entre ambas entidades son fáciles de encontrar, pues mientras los italianos son una agrupación cosmopolita, que cantan en varios idiomas y que se inspiran en el mundo mediterráneo en general, los griegos son localistas, cantan en su idioma natal y celebran sus creencias ancestrales perdidas entre los monoteísmos actuales.
Ellos mismos lo expresan en su sitio: “La música de la antigua Grecia fue creada y funcionaba en un tiempo en que tenía un contexto cultural y una orientación ideológica que en la actualidad es considerada fundamental para la cultura. Sin embargo, puesto que esta música se perdió en las profundidades de los siglos, el contacto con su espíritu, logrado hasta cierto punto, despierta en algunas personas una sensitividad que tiende a desaparecer en los tiempos modernos.” Así, la música de Daemonia nymphe debe ser entendida dentro de este contexto, como un intento de recrear una música perdida, de alcanzar a través de ella una unión con tiempos pasados.
Destacar una canción por sobre otras se me hace difícil, pues todas siguen un mismo patrón y, al final, lo mejor es simplemente escucharlo con tranquilidad y dejarnos transportar a la edad antigua.

Lost horizon

2007-09-02T17:46:00.001-04:00

If you think I rest in wait
Until the fame will shine on me...
Through the mist I led myself!
The peak of dreams I reach by will!

En 1998 se formó la que probablemente sea la banda de power metal más importante de la presente década. Lost Horizon surge de las mentes del polaco Wojtek Lisicki y los suecos Martin Furängen y Christian Nyqvist a quienes luego se incorporaría el sorprendente Daniel Heiman en las voces.
En 2001 sale al mercado su disco debut, Awakening the world, una verdadera bomba de metal potente, épico, adrenalínico, apoyado en la increíble voz de Daniel. Ya desde ese momento se dijo que Lost Horizon representaba el futuro de un estilo manoseado y prostituido por bandas mediocres que se plagiaban mutuamente y si bien en el balance final de ese año Awakening the world compitió como mejor disco del género con el sorprendente y pretencioso primer disco de Avantasia, en mi opinión es el debut de Lost Horizon el album que ha envejecido mucho mejor.
Awakening... es un disco donde el amor a la libertad personal parece ser la enseña de la banda. Es cosa de leer las letras y muy pronto descubrimos el trasfondo ideológico del grupo, una filosofía de vida basada en la negación de la noción de destino y en la firme creencia en el poder de la voluntad. Sus detractores hacen hincapié en su look semejante al que hiciera popular a Manowar en los ochentas. En efecto, Lost Horizon salen a escena pintados de azul a la usanza de los guerreros celtas, con Heiman vistiendo una capa druídica y sus letras pueden ser consideradas simplemente engrupidas, pero aquí hay poder, hay magia en esa música.
Dos años después, el ahora sexteto publicó su segundo disco, A flame to the ground beneath, un album que sigue en la misma línea que el anterior, aunque mucho más técnico y un poco más pausado en contraste con el incesante derroche de vitalidad que es Awakening the world. Su segundo disco es considerado por muchos como una obra superior a su debut, aunque yo no estoy tan seguro y en estos momentos me inclinaría por el primero si me hacen optar por el mejor entre ambos.
Lamentablemente, luego de A flame... Daniel y Fredrik dejaron la banda para formar Heed y desde entonces Wojtek parece obsesionado con buscar un vocalista tan perfecto como Daniel. Lost Horizon lleva ya cuatro años sin sacar algo nuevo y hace meses que no actualizan su página oficial. Esperemos que esto no sea la velada desaparición del grupo, pues todavía tienen mucha magia y poder que entregarle al menguante mundo del power metal y, por qué no, del rock en general, tan afectado por la reciente horda de niñitos emo maquillados como mujeres. Que vuelva Lost Horizon y con ellos los gritos de batalla para ahuyentar a esos quinceañeros afeminados.
Desde 2003 han sido muy pocos los discos de power metal tan inspirados y a la vez inspiradores como lo fue A flame... y que mejor ejemplo de ello es que los dos discos de LH son los únicos que nunca he borrado de mi mp3 y están entre mis favoritos en el gimnasio a la hora de escuchar algo potente y vigorizante (después viene la música de Rocky, un clásico a la hora de automotivarme).

Excelente tema, aunque no muy buena calidad de la grabación. ¡Esto es metal, niñitas emo!

Jasón y los argonautas

2007-09-02T16:38:00.002-04:00

Jasón y los argonautas
Director: Don Chaffey
Año: 1963
Ficha en IMDB

Todavía recuerdo esos tiempos en que iba con mis viejos al video club local a arrendar películas. En aquel entonces no sólo me traía a casa los estrenos en VHS del momento, sino que también me lanzaba directo sobre cualquier cinta que relatara una historia de tiempos pasados. Fue así como vi películas que no entendí siendo tan chico como fue el caso de Excalibur (1981) o me frustré intentando que me dejaran alquilar otras como Conan que en ese entonces era para mayores de 18 y durante años fui mitificando cada vez más la película hasta pensar que se trataba casi de un manifiesto pornográfico (de hecho, recién vi Conan hace un años más o menos y la decepción fue enorme, no sólo de la película sino de la sociedad censora que me impidió ver una aventura tan inocente cuando yo tenía unos diez años o menos). Sin embargo, también había un grupo de películas que muy pronto entraron dentro de mis preferencias y que fueron uno de mis primeros placeres culpables. Me refiero a esas películas viejas de griegos y romanos que los gringos llaman peplum. Se trataba de cintas donde nuestros héroes eran fisicoculturistas sin pelos en el pecho y donde cualquier oportunidad parecía una buena excusa para poner mujeres bailando frenéticas en honor a algún dios caprichoso. Una de estas obras, tal vez la que más disfruté cuando chico, fue Jasón y los argonautas, una película gringa de 1963 que narraba la aventura del Argo y su tripulación quienes viajaban hasta el fin del mundo para buscar el preciado vellocino de oro.
Aunque no se trata de una película comprometida ciento por ciento con el mito original, la historia no está tan mal para ser una producción de Hollywood y respeta en buen modo el espíritu de los mitos griegos en que los dioses son veleidosas criaturas y los mortales son simples peones temerosos de sus deidades.
¿Pero qué tiene esta película que la hace tan exquisita para los que gustan del cine épico? La respuesta es una sola: los efectos especiales en stop-motion del maestro Ray Harryhausen. En efecto, Jasón y los argonautas no sería nada sin las geniales creaciones de este veterano de los efectos especiales, quien dio vida a seres de fábula y dotó a la película de vida (porque con actuaciones como la de la actriz que hacía de Medea, que parecía enojada todo el rato, no habrían llegado a ningún lado).
Pero vamos con la historia: El ambicioso Pelias invade Tesalia sabiendo de antemano que los dioses lo favorecen en sus planes de conquista, aunque también es advertido de que el hijo del rey de Tesalia será el encargado de derrocarlo tiempo después. Lo primero que me llama la atención revisando por enésima vez la película es que Pelias entra a la ciudad con un grupo de hoplitas, infantería pesada griega, y los defensores de esta vestían un equipo similar al de los peltastas, especialmente por el uso del escudo con forma de media luna. Y como los peltastas eran infantería ligera, pensada especialmente para escaramuzas, se explica fácil como Pelias conquista tan fácilmente la ciudad sin tener que armar tanto peloteo.
Mientras esto sucede, un guardia saca de la ciudad al pequeño Jasón. Veinte años transcurren y la profecía se cumple, un joven con una sola sandalia se aparece ante Pelias quien inmediatamente reconoce en él al regresado Jasón quien luego le revela que su intención es derrocar al malvado Pelias sin saber que se encontraba precisamente frente a él. Pero no se llegaba a ser un rey en la edad antigua sin una dosis de perversidad y astucia y Pelias da un claro ejemplo de ello al señalarle a nuestro héroe que antes de derrocar al asesino de su padre deberá viajar hasta la lejana Cólquida (actual Georgia) y traer el vellocino de oro, una dádiva divina que traía prosperidad y riqueza a la zona en que se encontrara. Sólo así, con el vellocino en su poder, Jasón podría volver y recuperar el trono de toda Tesalia. El resto es fácil de adivinar, Jasón se consigue un barco y una tripulación de héroes entre los que destacan Heracles, los hermanos Cástor y Pólux, Teseo, Laertes y un largo etcétera de ilustres griegos. A lo largo de su viaje, los argonautas, llamados así por su barco, el Argo, se enfrentan a una serie de peligros: las criaturas del mencionado Harryhausen.
El primero es Talos, un gigante de bronce, cuyo movimiento lento y chirriante expresa de manera impecable la idea de un gigante hecho enteramente de metal. Como contraparte encontramos a las ágiles y movedizas arpías que atormentaban al ciego Fineo. Ya en Cólquida nuestros héroes se enfrentan nada menos que a la hidra, un reptil de numerosas cabezas, y luego a siete esqueletos guerreros en una escena que redujo a la nada la anterior proeza de Harryhausen en una de las películas de Sinbad, donde enfrentó a este último con un esqueleto viviente. ¡Esos son efectos especiales! Cuatro meses demoró la realización de la pelea contra los óseos guerreros lo que demuestra claramente por qué la técnica del stop-motion es tan costosa en términos de tiempo comparada con los actuales efectos por computador, además podrán agregar que se ven irreales, ¡pero claro! si nadie niega que Talos o la hidra se veían irreales, pero comparémoslos con esos esperpentos que George Lucas nos hizo tragar en la Amenaza fantasma y las otras dos ridiculeces que le siguieron. Esa batalla entre los jar jar binks y los robots parece más bien un display de un mal juego de playstation, pero Lucas juraba que se veía real. De verdad, estos efectos antiguos comparten el defecto de los actuales pues ninguno logra engañar al espectador con la apariencia de veracidad, pero tienen algo que los nuevos no y es esa aura de romanticismo, ese olorcillo a clásico que convierte a criaturas como Talos y los esqueletos en seres entrañables a los ojos de un niño que creció viéndolos pelear contra héroes de escudo y espada.

Esa última línea habría sido el final de mi comentario, pero no puedo evitar decir algo más. En la historia original Heracles, Hércules para los amigos, se une a la tripulación del Argos junto al príncipe Hilas, su escudero y amante, relación que al parecer era usual en la antigua Grecia, pues los mismos espartanos tan esteroidizados hoy en día practicaban la pederastia y era frecuente que un hombre mayor tomase por amante a preadolescente. En la película, sin embargo, la relación entre ambos personajes está pervertida por la visión contemporánea de los héroes míticos, en que todos son hiperheterosexuales e incluso el mismo Heracles en algún momento del filme lanza una frase rabiosamente viril respecto de lo que haría si encontrara mujeres en la isla de Talos. Me pregunto si la película seguiría siendo un clásico si hubiese planteado las cosas tal como aparecen en las fuentes clásicas, con Heracles trastornado por la locura y la pena cuando Hilas desapareció en una isla para no ser encontrado jamás.

Heracles e Hilas querían pasar piola entre las matas, pero no sabían la sorpresita que les esperaba al par de caballos. La música es la cagá misma.

Esta pelea es la zorra, tres hoplitas contra siete esqueletos brígidos. ¡Que vuelva el stop-motion jaja!

Epicurus the sage

2007-09-02T13:39:00.001-04:00

Editado por la desaparecida, pero genial línea de DC, Piranha Press, Epicurus el sabio es una demostración de genialidad y picardía para abordar la filosofía de la Grecia clásica.
Con William Messner-Loebs a cargo de los guiones y los dibujos del maestro Sam Kieth, Epicurus nos pone al tanto del mundo que lo rodea, en pleno siglo de Pericles, con una Atenas plagada de filósofos entre los que destacan el fascistoide y desagradable Sócrates, el misógino e intelectual Aristóteles o los desagradables sofistas, retóricos hasta el cansancio.
Y en medio de este grupo encontramos a Epicuro, filósofo de la moderación que busca discípulos en la capital de la cultura. Su mejor amigo en los dos tomos es el flaco Platón, a quien su maestro Sócrates no le pone la más mínima atención.

El primer número va presentando a los personajes con desfachatez. Hesíodo es un campesino hediondo a oveja que odia a los filósofos y que se dedica a la poesía sencilla, tan sencilla que es absurdamente obvia. Sócrates es un autocomplaciente que se burla del pobre Platón que no logra convencer a nadie con su historia de la caverna y las sombras. Aristóteles, en cambio, es un joven estirado que considera inferiores a las mujeres y tiene por discípulo a un pendejo peleador que sólo piensa en guerra, alcohol y mujeres así como en la forma en que conquistará Grecia cuando finalmente sea rey de su barbárico país, Macedonia.

En el segundo tomo Epicuro, Platón y el pendejo Alejandro se lanzan a descubrir el misterio de la joven Danae, que a pesar de vivir encerrada en una torre, se despierta todos los días con una sonrisa de oreja a oreja. Pero no sin antes reírse un rato de esos ñoños matemáticos, los pitágoricos.

Como desde chico me gustaron las lecturas sobre Grecia y Roma, leer Epicurus el Sabio fue un verdadero placer y podría pegarme escribiendo párrafos y párrafos sólo para demostrar que caché todas las referencias histórico-mitológicas que va tirando Messner-Loebs a lo largo del comic, pero no lo haré para no parecer más pedante de lo que soy (pero de que las paré todas, lo hice jeje).
Uhm, de hecho sí quisiera hacer un comentario a la edición española, publicada por Zinco hace ya muchos años, pues Ganímedes era hombre y amante de Zeus, de hecho Keith lo dibuja como un tipo flaquísimo sin pecho alguno que llame a confusión ¿entonces porqué la traducción se esmera en dejarlo como mujer? Cuando Ganímedes dice "(...) me dio el trabajo porque pensó que hacerme bendita e inmortal le pondría las cosas fáciles" el traductor lo deja al ojo néofito como mujer, siendo que no lo es. ¿Error de la traducción? Me inclino por esto, tal vez ni se les ocurrió pensar que este tipo era hombre y que Zeus también tenía su lado maraco.

Epicuro intentando captar discípulos

Epicurus el sabio v.1 por Hellboy Descarga directa
Epicurus el sabio v.2 por Jiman Descarga directa
Les dejo los dos scans, ambos pesaban mucho así que les bajé un poco la calidad a las imágenes para poder subirlos mejor. Estos números fueron escaneados por mis compañeros del CRG, sitio que de momento está caído, pero estamos provisoriamente aquí.

Virgin Steele - The House of Atreus, act I

2007-09-02T06:25:00.001-04:00

Virgin steele – The House of Atreus act I
País: Estados Unidos
Año: 1999
Estilo: Power metal

La primera parte de la Casa de Atreo es uno de mis discos favoritos de toda la vida. Lo que Virgin Steele y, especialmente, el maestro David DeFeis hicieron aquí es lo que cualquier banda aspirante a hacer buen metal épico, dramático y conceptual debe necesariamente consultar.
Estamos ante un disco inspirado en la nefasta historia de la Casa de Atreo, hijo de Pélope e Hipodamía, padre de Agamenón y Menelao, fundador de la dinastía de los Atridas (o Atreides, como cualquier lector de Dune sabrá) y relata la historia de este linaje maldito, marcado por los homicidios, el parricidio y el incesto.
The House of Atreus parte con Kingdom of the fearless, la rabiosa diatriba de Agamenón hacia Príamo, rey de Troya, mientras la ciudad es destruida por los griegos. Un temazo de principio a fin en el que majestuoso es decir poco. Le sigue Blaze of victory, el lamento por el destino aciago de la casa de Agamenón quien pronto regresará victorioso a su tierra. El disco prosigue hasta que nos topamos con otra pieza maestra, Flames of the black star, que relata el esperado regreso de Agamenón a Micenas donde lo espera no sólo su reina, Clitemnestra, sino que también el amante de esta, Egisto, y el traicionero plan de ambos.
And Hecate smiled es otro temazo, lamentablemente muy breve, pero soberbio al fin y al cabo. La triste Child of desolation relata la visión de Casandra, concubina de Agamenón que tenía el don de la profecía, pero al mismo tiempo cargaba con la maldición de que nadie le haría caso jamás. Su predicción de que tanto el rey como ella morirían cae en oídos sordos y Agamenón es engañado hasta que finalmente muere en su baño, asesinado por Egisto, su primo, quien deseaba vengar la muerte de su padre en manos de Atreo, padre a su vez de Agamenón.
De aquí, hasta el final del disco, los acontecimientos preparan la escena para el acto II, con Egisto proclamándose nuevo rey de Micenas y Electra, leal hija de Agamenón, junto a los ancianos de la ciudad que esperan la llegada del hijo de Agamenón, Orestes, quien ha de vengar a su padre. En esta última parte destaca sin duda, Gate of kings, el llamado final de Electra y los ancianos que esperan por Orestes.

La casa de Atreo es un disco extenso, lleno de breves interludios que complementan la historia y de temas a veces potentes, a veces emotivos, pero siempre cargados de un gran dramatismo. Absolutamente recomendado.

Uaral - Lamentos a poema muerto

2007-09-02T05:45:00.001-04:00

Uaral - Lamentos a poema muerto
País: Chile
Año: 2007
Estilo: Doom - folk
Sitio oficial (Tiene cero contenido, es sólo una foto y el mail de la banda)

Desde el Iconoclast de Poema Arcanus que una banda chilena no me sorprendía tan gratamente, por lo menos en lo que se refiere a doom metal y sus variantes. A Uaral los descubrí hace mas o menos un año y medio gracias al desaparecido blog gothic garden donde alguien subió el MCD Laments y su primer disco, Sounds of pain. Los descargué de inmediato porque ya me había topado en una página gringa una encuesta donde Uaral era uno de los candidatos a banda revelación, luego de eso empecé a buscar su disco, pero no lo pude encontrar.
Al oir su música rápidamente me di cuenta de que estaba ante un grupo de categoría que demostraba, al igual que Poema y otros tantos, que el doom metal chileno es de gran calidad. ¿Que cómo suenan? La referencia más nombrada por todos los que los han escuchado – me incluyo – es la de los alemanes Empyrium, aunque con un sonido propio y sincero, nada de copias. De hecho, suelo tener más de algún prejuicio con las bandas que copian sonidos folk de otros países ignorando los de su propia tierra. Sin perjuicio de que a veces estas bandas pueden ser realmente buenas y en tal caso se ganan de inmediato mi respeto, siempre he sentido que las tradiciones latinoamericanas pueden dar origen a un sonido respetuoso de sus raíces sin tener que acudir a los ejemplos más populares a nivel mundial como es el folk escandinavo o el germánico. Es por esto que Uaral cautiva de inmediato, pues a pesar de tomar elementos conocidos del doom y el folk, no duda en darle el toque criollo en medio de una música cargada de atmósferas depresivas.
Llegamos entonces a 2007, cuando Uaral lanza su segundo y esperado disco, Lamentos a poema muerto, una pieza soberbia que sigue la senda de su anterior trabajo, aunque con un tono más acústico que Sounds of Pain.
La presentación del CD es austera, un breve booklet con fotografías en blanco y negro de paisajes rurales y unos poemas tristones. Del booklet sólo agregaría una pequeña crítica en cuanto a la información que contiene, pues menciona la página de Octagon Music Group, sitio al que intenté entrar, pero resulta que no existe. Como diría Condorito, exijo una explicación.
Pero vamos a la música que es lo que importa. El disco abre con Preludio a la siembra, una breve composición ambiental con sonidos de lluvia, pero no la lluvia de ciudad que está contaminada de otros sonidos, que llega a tus sentidos mezclada con bocinas y transeúntes. Me refiero a la tempestad que azota el campo, esa que entre truenos y una negra noche se deja caer tranquila sobre la tierra.
Luego de tal introducción, sigue La escritura y el alarido, un tema melancólico muy en la línea de los mencionados Empyrium en que Caudal alterna voces limpias y guturales. Luego viene uno de mis favoritos, la extensa Lamentos... que alcanza su clímax en medio de envolventes gritos de angustia. El cuarto tema es Surrendered to the decadence parte 2, título que se explica por sí mismo, remitiéndonos al disco anterior de Uaral donde encontramos la que sería la parte 1.
Después de estos temas viene El campesino, una pequeña y folclórica pausa que nos da un breve, pero necesario, respiro antes de las composiciones que cierran el disco, Eterno en mí y el bonus Acidal (Tonada para el huerto en re menor), los únicos temas en que puedo reconocer fácilmente la letra.

En resumen, un discazo totalmente recomendable para quienes gusten del doom o el folk y, por qué no, para aquellos que pasaron aunque sea breves momentos de su vida cerca del campo. En efecto, escuchar Lamentos a poema muerto me ha hecho pensar en esas visitas a la parcela de mis abuelos, en el viejo eucaliptus, los tomates de verano y los volantines que nunca pude encumbrar tan alto como hubiese querido. A pesar de la atmósfera plena de tristeza que rodea al disco y de que la nostalgia siempre conlleva algo de pena, por lo menos en mi caso evocar la infancia trae consigo ese don humanizador que a veces uno pierde de vista tratando de vivir como adulto.

Ahab - The call of the wretched sea

2007-09-02T05:24:00.001-04:00

Ahab – The call of the wretched sea
País: Alemania
Año: 2006
Estilo: Funeral doom
Sitio oficial

Si bien The call ya lleva circulando más o menos un año desde su aparición, se me hace imposible no reseñarlo en estos momentos por la sencilla razón de que, si me hacen elegir los cinco discos que más disfrute del año pasado, el álbum debut de estos alemanes entra en mis elegidos sin . Y pensar que los descubrí sólo gracias al recuento que hizo Doomster cuando el 2006 ya se extinguía.

Ahab pone en escena un funeral doom de alta calidad, recreando con su música la obra de Melville, Moby Dick. Reconozco que no he leído el libro , pero sé que trata de la persecución de un cachalote albino por parte del capitán Ahab y su tripulación. A partir de esto, Ahab nos presenta un disco conceptual que transmite en todo momento una sensación marina, un ambiente vasto y sobrecogedor al igual que alta mar donde se desarrolla la historia del Pequod.
En este disco no hay puntos bajos y se hace difícil destacar temas cuando son todos de tan buena factura aunque si tengo que elegir, me quedo con las excelentes Below the sun y Old thunder. Por otro lado, como buen disco de funeral doom, se trata de canciones lentísimas, muy densas y poco amigables con el oído poco acostumbrado a estos sonidos. Digerir The call es una tarea que requiere varias escuchas, pero vaya que vale la pena disfrutar de esta obra una y otra vez.

Ahora bien, este disco no me gustaría tanto si no lo hubiese escuchado con las primeras lluvias de este invierno que llega a su fin (por lo menos aquí en la zona centro). En efecto, cuando conocí a esta banda lo primero que pensé fue en que el momento ideal para disfrutar de una pieza dedicada al mar sería precisamente en dicho ambiente. Así, cuando cayó la primera lluvia en Viña del mar lo primero que hice fue abrigarme como corresponde, tomar mi reproductor de mp3s y enfilar hacia la playa cuando ya había caído la noche, dispuesto a respirar ese aire costero cargado de pequeñas y saladas gotas, al mismo tiempo que la tenue llovizna y el rugido de las olas golpeando las rocas formaban un ambiente estremecedor. En ese contexto puse play y, después de meses de espera, por fin puede hacer algo más que escucharlo sino que ahí pude sentir el disco en toda su dimensión...

El subsiguiente estado de catarsis me hizo obviar por un buen rato el hecho de que hacía frío y de que me estaba mojando como diuca.

A la memoria de Angus McBride

2007-09-02T03:30:00.001-04:00

En mayo de este año falleció uno de los ilustradores militares más connotados de todos los tiempos, Angus McBride. Sin embargo, muchos conocen más al británico por su trabajo en el juego de cartas coleccionables del Señor de los Anillos, el primero de los que hubo, ese con tintes de rol y que también tenía ilustraciones de otros clásicos de la fantasía medieval como lo son John Howe, Rob Alexander o Quinton Hoover. En efecto, fue por mi afición al SdlA que descubrí a McBride allá por 1998 o 1999, cuando todavía estaba en el colegio y atravesaba mi etapa de mayor fanatismo por la obra de Tolkien. En esos años en que internet todavía no estaba a mi alcance habitual y tenía que ir a pecharle a un amigo afortunado que tuviese conexión o, derechamente, acudir a un cybercafé armado con mi munición de disquetes. Por ese entonces invertía la mayor parte de mi tiempo online en buscar ilustraciones o información sobre juegos de rol o literatura épica y así fue como conocí a McBride por un par de sus dibujos que encontré por accidente. Casi al mismo tiempo me compré un mazo de cartas de aquel juego del SdlA y sus ilustraciones se volvían a aparecer en mi mundo. De ese modo, Angus McBride se unió al grupo de personas que plasmaron todo un mundo de fantasía que acompañaría a mi subconsciente hasta el día de hoy.

Reconozco que nunca investigué más sobre él y por mucho tiempo lo asocié únicamente a su trabajo con la Tierra Media sin siquiera saber que estaba ante un gran ilustrador militar que realizó numerosos trabajos para la Osprey. Sin embargo, y aunque no soy un estudioso de su obra, al enterarme de su partida no pude evitar sentir un dejo de nostalgia. Esa nostalgia por los tiempos más sencillos del colegio y por ese universo de fantasía que tanto disfruté. Es por ello que le dedico estas palabras a un tipo que no conocí en persona, pero cuyo arte le dio vida a buena parte del imaginario medieval que por años me ha inspirado.

Descansa en paz, Angus McBride.

Esta galería incluye algunos de sus dibujos para la Osprey #158 (Enemigos de Roma: Celtas y Galos) y #291 (El ejército repúblicano de Roma) así como algunas de sus ilustraciones para el juego del Señor de los Anillos.